Jules Massenet |

Jules Massenet

Massenet. Elegie (F. Chaliapin / 1931)

Nooit toonde M. Massenet zo goed als in “Werther” de betoverende kwaliteiten van het talent dat hem tot een muzikale historicus van de vrouwelijke ziel maakte. C. Debussy

Oh hoe misselijk Massenet!!! En het meest irritante van alles is dat hierin misselijkheid Ik voel iets dat met mij te maken heeft. P. Tsjaikovski

Debussy verraste me door deze lekkernij (Massenet's Manon) te verdedigen. I. Stravinsky

Elke Franse muzikant heeft een beetje Massenet in zijn hart, net zoals elke Italiaan een beetje Verdi en Puccini heeft. F. Poulenc

Verschillende meningen van tijdgenoten! Ze bevatten niet alleen een strijd van smaken en aspiraties, maar ook de dubbelzinnigheid van het werk van J. Massenet. Het grote voordeel van zijn muziek zit hem in de melodieën, die volgens de componist A. Bruno "je uit duizenden zult herkennen". Meestal zijn ze nauw verbonden met het woord, vandaar hun buitengewone flexibiliteit en expressiviteit. De grens tussen melodie en recitatief is bijna onmerkbaar, en daarom zijn de operascènes van Massenet niet verdeeld in gesloten nummers en 'service'-afleveringen die ze met elkaar verbinden, zoals het geval was bij zijn voorgangers - Ch. Gounod, A. Thomas, F. Halevi. De vereisten van transversale actie, muzikaal realisme waren de werkelijke vereisten van het tijdperk. Massenet belichaamde ze op een heel Franse manier, waarbij hij in veel opzichten tradities deed herleven die teruggaan tot JB Lully. De recitatie van Massenet is echter niet gebaseerd op de plechtige, ietwat pompeuze recitatie van tragische acteurs, maar op de ongekunstelde alledaagse spraak van een eenvoudig persoon. Dit is de belangrijkste kracht en originaliteit van de teksten van Massenet, dit is ook de reden voor zijn mislukkingen toen hij zich wendde tot de tragedie van het klassieke type ("The Sid" volgens P. Corneille). Als geboren tekstschrijver, zanger van intieme bewegingen van de ziel, in staat om speciale poëzie te geven aan vrouwelijke beelden, neemt hij vaak de tragische en pompeuze plots van de 'grote' opera over. Het theater van de Opera Comique is hem niet genoeg, hij moet ook regeren in de Grand Opera, waarvoor hij bijna Meyerbeeriaanse inspanningen levert. Dus, tijdens een concert van de muziek van verschillende componisten, voegt Massenet, in het geheim van zijn collega's, een grote fanfare aan zijn partituur toe en blijkt, het publiek oorverdovend, de held van de dag te zijn. Massenet anticipeert op enkele van de prestaties van C. Debussy en M. Ravel (recitatieve stijl in opera, accenten van akkoorden, stilering van vroege Franse muziek), maar blijft, parallel daarmee werkend, nog steeds binnen de esthetiek van de XNUMXe eeuw.

Massenets muzikale carrière begon toen hij op tienjarige leeftijd werd toegelaten tot het conservatorium. Al snel verhuist het gezin naar Chambéry, maar Jules kan niet zonder Parijs en loopt twee keer van huis weg. Alleen de tweede poging was succesvol, maar de veertienjarige jongen kende het hele onrustige leven van de artistieke bohemen beschreven in Scenes … door A. Murger (die hij persoonlijk kende, evenals de prototypes van Schoenard en Musetta). Na jaren van armoede te hebben overwonnen, als resultaat van hard werken, behaalt Massenet de Grote Prijs van Rome, die hem het recht gaf op een reis van vier jaar naar Italië. Uit het buitenland keert hij in 1866 terug met twee francs op zak en met een pianostudent, die dan zijn vrouw wordt. Verdere biografie van Massenet is een continue keten van steeds groter wordende successen. In 1867 werd zijn eerste opera, The Great Aunt, opgevoerd, een jaar later kreeg hij een vaste uitgever en waren zijn orkestsuites een succes. En toen creëerde Massenet steeds meer volwassen en belangrijke werken: de opera's Don Cesar de Bazan (1872), The King of Lahore (1877), de oratorium-opera Mary Magdalene (1873), muziek voor de Erinyes door C. Leconte de Lily (1873) met de beroemde "Elegy", waarvan de melodie al in 1866 verscheen als een van de tien pianostukken - Massenets eerste gepubliceerde werk. In 1878 werd Massenet professor aan het conservatorium van Parijs en werd hij gekozen tot lid van het Institut de France. Hij staat in het middelpunt van de publieke aandacht, geniet van de liefde van het publiek, staat bekend om zijn eeuwige hoffelijkheid en humor. Het hoogtepunt van Massenets werk zijn de opera's Manon (1883) en Werther (1886), en tot op de dag van vandaag klinken ze op de podia van vele theaters over de hele wereld. Tot het einde van zijn leven vertraagde de componist zijn creatieve activiteit niet: zonder zichzelf of zijn luisteraars rust te gunnen, schreef hij opera na opera. Vaardigheid groeit, maar tijden veranderen en zijn stijl blijft ongewijzigd. De creatieve gave neemt merkbaar af, vooral in het laatste decennium, hoewel Massenet nog steeds respect, eer en alle wereldse zegeningen geniet. Gedurende deze jaren werden de opera's Thais (1894) met de beroemde Meditation, The Juggler of Our Lady (1902) en Don Quixote (1910, naar J. Lorrain), speciaal gemaakt voor F. Chaliapin, geschreven.

Massenet is oppervlakkig, beschouwd als zijn constante vijand en rivaal K. Saint-Saens, "maar dat doet er niet toe." “... Kunst heeft allerlei soorten artiesten nodig... Hij had charme, het vermogen om te charmeren en een nerveus, zij het oppervlakkig temperament... In theorie hou ik niet van dit soort muziek... Maar hoe kun je weerstand bieden als je Manon aan de voeten hoort van de Grieux in de sacristie van Saint-Sulpice? Hoe niet tot in het diepst van de ziel te worden gevangen door deze snikken van liefde? Hoe te denken en te analyseren als je geraakt wordt?

E. Overhemd

Massenet, de zoon van een eigenaar van een ijzermijn, krijgt zijn eerste muzikale lessen van zijn moeder; aan het conservatorium van Parijs studeerde hij bij Savard, Lauren, Bazin, Reber en Thomas. In 1863 ontving hij de Prijs van Rome. Nadat hij zich aan verschillende genres heeft gewijd, werkt hij ook ijverig op theatraal gebied. In 1878, na het succes van The King of Lahore, werd hij benoemd tot professor compositie aan het conservatorium, een functie die hij bekleedde tot 1896, toen hij, nadat hij wereldfaam had verworven, alle posten verliet, inclusief directeur van het Institut de France.

“Massenet besefte zichzelf volledig, en degene die hem wilde prikken en in het geheim over hem sprak als een leerling van de modieuze songwriter Paul Delmay, begon een grap met slechte smaak. Massenet daarentegen werd veel geïmiteerd, het is waar... zijn harmonieën zijn als knuffels, en zijn melodieën zijn als gebogen nekken... Het lijkt erop dat Massenet het slachtoffer werd van zijn mooie luisteraars, wiens fans lange tijd enthousiast fladderden naar zijn uitvoeringen... Ik moet bekennen, ik begrijp niet waarom het beter is om van oude dames, Wagner-liefhebbers en kosmopolitische vrouwen te houden dan van geparfumeerde jonge dames die niet zo goed piano spelen. Deze beweringen van Debussy, ironisch terzijde, zijn een goede indicatie van Massenets werk en de betekenis ervan voor de Franse cultuur.

Toen Manon werd opgericht, hadden andere componisten in de loop van de eeuw al het karakter van de Franse opera bepaald. Denk aan Gounods Faust (1859), Berlioz' onvoltooide Les Troyens (1863), Meyerbeer's The African Woman (1865), Thomas' Mignon (1866), Bizets Carmen (1875), Saint-Saëns' Samson en Delilah (1877), “The Tales of Hoffmann" van Offenbach (1881), "Lakme" van Delibes (1883). Naast de operaproductie zijn de belangrijkste werken van César Franck, geschreven tussen 1880 en 1886, die zo'n belangrijke rol speelden bij het creëren van een sensueel-mystieke sfeer in de muziek van het einde van de eeuw, het vermelden waard. Tegelijkertijd bestudeerde Lalo zorgvuldig folklore, en Debussy, die in 1884 de Rome-prijs ontving, was dicht bij de definitieve vorming van zijn stijl.

Wat betreft andere kunstvormen, het impressionisme in de schilderkunst heeft zijn nut al overleefd, en kunstenaars wendden zich tot zowel naturalistische als neoklassieke, nieuwe en dramatische weergave van vormen, zoals Cezanne. Degas en Renoir gingen meer resoluut over op een naturalistische weergave van het menselijk lichaam, terwijl Seurat in 1883 zijn schilderij "Baden" tentoonstelde, waarin de onbeweeglijkheid van de figuren een wending markeerde naar een nieuwe plastische structuur, misschien symbolisch, maar nog steeds concreet en duidelijk . Symboliek begon net door te sijpelen in de eerste werken van Gauguin. De naturalistische richting (met kenmerken van symboliek op een sociale achtergrond) is daarentegen heel duidelijk in deze tijd in de literatuur, vooral in de romans van Zola (in 1880 verscheen Nana, een roman uit het leven van een courtisane). Rondom de schrijver vormt zich een groep die zich wendt tot het beeld van een voor de literatuur onooglijker of op zijn minst ongebruikelijke werkelijkheid: tussen 1880 en 1881 kiest Maupassant een bordeel als decor voor zijn verhalen uit de bundel “Het Huis van Tellier”.

Al deze ideeën, intenties en tendensen zijn gemakkelijk terug te vinden in Manon, waardoor de componist zijn bijdrage leverde aan de operakunst. Na deze turbulente start volgde een lange dienst aan de opera, waarbij niet altijd geschikt materiaal werd gevonden om de verdiensten van de componist te onthullen en de eenheid van het creatieve concept niet altijd bewaard bleef. Als gevolg hiervan worden verschillende soorten tegenstrijdigheden waargenomen op het niveau van stijl. Tegelijk, van verismo naar decadentie, van een sprookje naar een historisch of exotisch verhaal met een gevarieerd gebruik van zangpartijen en een orkest, stelde Massenet zijn publiek nooit teleur, alleen al dankzij uitstekend vervaardigd geluidsmateriaal. In al zijn opera's, ook al waren ze als geheel niet succesvol, is er een gedenkwaardige pagina die een onafhankelijk leven leidt buiten de algemene context. Al deze omstandigheden zorgden voor het grote succes van Massenet op de discografische markt. Uiteindelijk zijn zijn beste voorbeelden die waarin de componist trouw is aan zichzelf: lyrisch en gepassioneerd, teder en sensueel, zijn ontzag overbrengend op de delen van de hoofdpersonages die het meest op hem zijn afgestemd, geliefden, wiens kenmerken niet vreemd zijn aan de verfijning van symfonische oplossingen, gemakkelijk bereikt en vrij van schooljongenbeperkingen.

G. Marchesi (vertaald door E. Greceanii)

De auteur van vijfentwintig opera's, drie balletten, populaire orkestsuites (Napolitaans, Elzasser, Scenes Picturesque) en vele andere werken in alle genres van muzikale kunst, Massenet is een van die componisten wiens leven geen serieuze beproevingen heeft gekend. Groot talent, een hoog niveau van professionele vaardigheid en subtiele artistieke flair hielpen hem begin jaren '70 publieke erkenning te krijgen.

Hij ontdekte al vroeg wat bij zijn persoonlijkheid paste; nadat hij zijn thema had gekozen, was hij niet bang om zichzelf te herhalen; Hij schreef gemakkelijk, zonder aarzeling, en omwille van het succes was hij bereid een creatief compromis te sluiten met de heersende smaak van het burgerlijke publiek.

Jules Massenet werd geboren op 12 mei 1842, als kind ging hij naar het Conservatorium van Parijs, waar hij afstudeerde in 1863. Na drie jaar als laureaat in Italië te hebben verbleven, keerde hij in 1866 terug naar Parijs. Een aanhoudende zoektocht naar wegen naar glorie begint. Massenet schrijft zowel opera's als suites voor orkest. Maar zijn individualiteit kwam duidelijker tot uiting in vocale toneelstukken ("Pastoral Poem", "Poem of Winter", "April Poem", "October Poem", "Love Poem", "Memories Poem"). Deze toneelstukken zijn geschreven onder invloed van Schumann; ze schetsen het karakteristieke pakhuis van Massenets ariose vocale stijl.

In 1873 krijgt hij eindelijk erkenning - eerst met muziek voor de tragedie van Aeschylus "Erinnia" (vrij vertaald door Leconte de Lisle), en vervolgens - "heilig drama" "Maria Magdalena", uitgevoerd in concert. Met oprechte woorden feliciteerde Bizet Massenet met zijn succes: “Onze nieuwe school heeft nog nooit zoiets gecreëerd. Je hebt me koortsig gemaakt, schurk! Oh, jij, een forse muzikant … Verdomme, je valt me ​​ergens mee lastig! ..». "We moeten op deze kerel letten", schreef Bizet aan een van zijn vrienden. "Kijk, hij zal ons in de riem stoppen."

Bizet voorzag de toekomst: al snel maakte hij zelf een einde aan een kort leven en Massenet nam in de komende decennia een leidende positie in onder de hedendaagse Franse musici. De jaren '70 en '80 waren de meest briljante en vruchtbare jaren in zijn werk.

"Maria Magdalena", waarmee deze periode begint, heeft meer weg van een opera dan van een oratorium, en de heldin, een berouwvolle zondaar die in Christus geloofde, die in de muziek van de componist verscheen als een moderne Parijzenaar, werd in dezelfde kleuren geschilderd als de courtisane Manon. In dit werk werd Massenets favoriete cirkel van beelden en uitdrukkingsmiddelen bepaald.

Beginnend met de zoon van Dumas en later de Goncourts, vestigde zich een galerij van vrouwelijke types, gracieus en nerveus, beïnvloedbaar en kwetsbaar, gevoelig en impulsief, in de Franse literatuur. Vaak zijn dit verleidelijke boetvaardige zondaars, "dames van de halve wereld", dromend van het comfort van een familiehaard, van idyllisch geluk, maar gebroken in de strijd tegen de hypocriete burgerlijke realiteit, gedwongen dromen op te geven, van een geliefde, van leven … (Dit is de inhoud van de romans en toneelstukken van de zoon van Dumas: The Lady of the Camelias (roman – 1848, theatrale enscenering – 1852), Diana de Liz (1853), The Lady of the Half World (1855); zie ook de romans van de gebroeders Goncourt ” Rene Mauprin” (1864), Daudet “Sappho” (1884) en anderen.) Ongeacht de plots, tijdperken en landen (echt of fictief), beeldde Massenet echter een vrouw uit zijn burgerlijke kring af, karakteriseerde haar innerlijke wereld op gevoelige wijze.

Tijdgenoten noemden Massenet 'de dichter van de vrouwelijke ziel'.

In navolging van Gounod, die een sterke invloed op hem had, kan Massenet, met nog meer recht, worden gerangschikt onder de 'school van nerveuze gevoeligheid'. Maar in tegenstelling tot dezelfde Gounod, die in zijn beste werken meer rijke en gevarieerde kleuren gebruikte die een objectieve achtergrond voor het leven creëerden (vooral in Faust), is Massenet verfijnder, elegischer, subjectiever. Hij staat dichter bij het beeld van vrouwelijke zachtheid, gratie, sensuele gratie. In overeenstemming hiermee ontwikkelde Massenet een individuele ariose-stijl, declamatorisch in de kern, subtiel de inhoud van de tekst overbrengend, maar zeer melodieus, en onverwacht opkomende emotionele "explosies" van gevoelens onderscheiden zich door frasen met een brede melodische ademhaling:

Ook het orkestrale gedeelte onderscheidt zich door de subtiliteit van de afwerking. Vaak ontwikkelt zich daarin het melodische principe, wat bijdraagt ​​​​aan de eenwording van het intermitterende, delicate en fragiele vocale gedeelte:

Een soortgelijke manier zal straks typerend zijn voor de opera's van de Italiaanse veristen (Leoncavallo, Puccini); alleen hun uitbarstingen van gevoelens zijn temperamentvoller en hartstochtelijker. In Frankrijk werd deze interpretatie van de vocale partij overgenomen door veel componisten uit de late XNUMXe en vroege XNUMXe eeuw.

Maar terug naar de jaren 70.

De onverwacht gewonnen erkenning inspireerde Massenet. Zijn werken worden vaak uitgevoerd tijdens concerten (Picturesque Scenes, de Phaedra Overture, de Third Orchestral Suite, the Sacred Drama Eve en anderen), en de Grand Opera voert de opera King Lagorsky op (1877, uit het Indiase leven; religieuze strijd dient als achtergrond ). Wederom een ​​groot succes: Massenet werd gekroond met de lauweren van een academicus – op zesendertigjarige leeftijd werd hij lid van het Institut de France en al snel werd hij uitgenodigd als professor aan het conservatorium.

In "King of Lagorsk", evenals in later geschreven "Esclarmonde" (1889), is er echter nog veel van de routine van "grand opera" - dit traditionele genre van het Franse muziektheater dat zijn artistieke mogelijkheden allang heeft uitgeput. Massenet vond zichzelf volledig in zijn beste werken - "Manon" (1881-1884) en "Werther" (1886, première in Wenen in 1892).

Dus tegen de leeftijd van vijfenveertig bereikte Massenet de gewenste roem. Maar terwijl hij met dezelfde intensiteit bleef werken, breidde hij gedurende de volgende vijfentwintig jaar van zijn leven niet alleen zijn ideologische en artistieke horizon uit, maar paste hij de theatrale effecten en uitdrukkingsmiddelen die hij eerder had ontwikkeld toe op verschillende operaplots. En ondanks het feit dat de premières van deze werken met constante pracht waren ingericht, zijn de meeste terecht vergeten. Niettemin zijn de volgende vier opera's ongetwijfeld van belang: "Thais" (1894, de plot van de roman van A. France wordt gebruikt), die qua subtiliteit van het melodische patroon "Manon" benadert; "Navarreca" (1894) en "Sappho" (1897), als gevolg van veristische invloeden (de laatste opera is geschreven op basis van de roman van A. Daudet, de plot dicht bij "Lady of the Camellias" van de zoon van Dumas, en dus Verdi's " La Traviata"; in "Sappho" vele pagina's opwindende, waarheidsgetrouwe muziek); "Don Quixote" (1910), waar Chaliapin het publiek schokte in de titelrol.

Massenet stierf op 13 augustus 1912.

Achttien jaar lang (1878-1896) gaf hij compositieles aan het conservatorium van Parijs, waar hij vele studenten opleidde. Onder hen waren componisten Alfred Bruno, Gustave Charpentier, Florent Schmitt, Charles Kouklin, de klassieker van de Roemeense muziek, George Enescu en anderen die later bekendheid verwierven in Frankrijk. Maar zelfs degenen die niet bij Massenet studeerden (bijvoorbeeld Debussy) werden beïnvloed door zijn nerveus gevoelige, flexibele in expressiviteit, ariose-declamerende vocale stijl.

* * *

De integriteit van de lyrisch-dramatische expressie, oprechtheid, waarheidsgetrouwheid in de overdracht van trillende gevoelens - dit zijn de verdiensten van Massenets opera's, die het duidelijkst tot uiting komen in Werther en Manon. Het ontbrak de componist echter vaak aan mannelijke kracht in het overbrengen van de passies van het leven, dramatische situaties, conflictinhoud, en dan brak er wat verfijning, soms salonzoetheid, door in zijn muziek.

Dit zijn symptomatische tekenen van de crisis van het kortstondige genre van de Franse "lyrische opera", dat vorm kreeg in de jaren 60 en in de jaren 70 intensief nieuwe, progressieve trends opnam uit de moderne literatuur, schilderkunst en theater. Desalniettemin werden toen al de kenmerken van beperking in hem onthuld, die hierboven werden genoemd (in het essay gewijd aan Gounod).

Het genie van Bizet overwon de enge grenzen van de "lyrische opera". Door de inhoud van zijn vroege muzikale en theatrale composities te dramatiseren en uit te breiden, waarbij hij de tegenstellingen van de werkelijkheid waarheidsgetrouwer en dieper weerspiegelt, bereikte hij de hoogten van het realisme in Carmen.

Maar de Franse operacultuur bleef niet op dit niveau, omdat de meest prominente meesters van de laatste decennia van de 60e eeuw niet Bizet's onwrikbare naleving van principes hadden bij het bevestigen van hun artistieke idealen. Sinds het einde van de jaren 1877, als gevolg van de versterking van reactionaire kenmerken in het wereldbeeld, week Gounod, na de creatie van Faust, Mireil en Romeo en Julia, af van progressieve nationale tradities. Saint-Saëns toonde op zijn beurt niet de nodige consistentie in zijn creatieve zoektochten, was eclectisch en alleen in Samson en Delilah (1883) behaalde hij significant, hoewel niet volledig succes. Tot op zekere hoogte waren sommige prestaties op het gebied van opera ook eenzijdig: Delibes (Lakme, 1880), Lalo (King of the City of Is, 1886), Chabrier (Gwendoline, XNUMX). Al deze werken belichaamden verschillende plots, maar in hun muzikale interpretatie kruisten de invloeden van zowel de 'grote' als de 'lyrische' opera's elkaar tot op zekere hoogte.

Massenet probeerde ook beide genres uit, en hij probeerde tevergeefs de verouderde stijl van "grand opera" bij te werken met directe teksten, verstaanbaarheid van uitdrukkingsmiddelen. Hij werd vooral aangetrokken door wat Gounod in Faust vastlegde, dat Massenet diende als een ontoegankelijk artistiek model.

Het sociale leven van Frankrijk na de Commune van Parijs stelde echter nieuwe taken voor componisten voor - het was nodig om de echte conflicten van de werkelijkheid scherper aan het licht te brengen. Bizet slaagde erin ze in Carmen te vangen, maar Massenet ontweek dit. Hij sloot zich op in het genre van de lyrische opera en vernauwde de materie verder. Als groot kunstenaar weerspiegelde de auteur van Manon en Werther natuurlijk gedeeltelijk in zijn werken de ervaringen en gedachten van zijn tijdgenoten. Dit had vooral invloed op de ontwikkeling van uitdrukkingsmiddelen voor zenuwgevoelige muzikale spraak, die meer in overeenstemming is met de geest van de moderniteit; zijn prestaties zijn significant, zowel in de constructie van de "door" lyrische scènes van de opera, als in de subtiele psychologische interpretatie van het orkest.

Tegen de jaren 90 was dit favoriete genre van Massenet uitgeput. De invloed van de Italiaanse opera verismo begint voelbaar te worden (ook in het werk van Massenet zelf). Tegenwoordig worden moderne thema's actiever verdedigd in het Franse muziektheater. Indicatief in dit verband zijn de opera's van Alfred Bruno (The Dream gebaseerd op de roman van Zola, 1891; The Siege of the Mill gebaseerd op Maupassant, 1893, en anderen), die niet zonder kenmerken van naturalisme zijn, en vooral Charpentiers opera Louise (1900), waarin in veel opzichten geslaagde, zij het wat vage, onvoldoende dramatische weergave van de beelden van het moderne Parijse leven.

De enscenering van Claude Debussy's Pelléas et Mélisande in 1902 luidt een nieuwe periode in de muzikale en theatercultuur van Frankrijk in: het impressionisme wordt de dominante stilistische trend.

M. Druskin

composities:

Opera's (totaal 25) Met uitzondering van de opera's "Manon" en "Werther" staan ​​tussen haakjes alleen de data van de premières. “Grootmoeder”, libretto van Adeny en Granvallet (1867) “Ful King's Cup”, libretto van Galle en Blo (1867) “Don Cesar de Bazan”, libretto van d'Ennery, Dumanois en Chantepie (1872) “King of Lahore” , libretto van Galle (1877) Herodias, libretto van Millet, Gremont en Zamadini (1881) Manon, libretto van Méliac en Gilles (1881-1884) “Werther”, libretto van Blo, Mille en Gartmann (1886, première — 1892) “ The Sid”, libretto van d'Ennery, Blo en Galle (1885) «Ésclarmonde», libretto van Blo en Gremont (1889) The Magician, libretto van Richpin (1891) “Thais”, libretto van Galle (1894) “Portrait of Manon”, libretto van Boyer (1894) “Navarreca”, libretto van Clarty en Ken (1894) Sappho, libretto van Kena en Berneda (1897) Assepoester, libretto van Ken (1899) Griselda, libretto van Sylvester en Moran (1901) “ The Juggler of Our Lady”, libretto van Len (1902) Cherub, libretto van Croisset en Ken (1905) Ariana, libretto van Mendes (1906) Teresa, libretto van Clarty (1907) “Vakh” (1910) Don Quixote, libretto b y Ken (1910) Rome, libretto van Ken (1912) “Amadis” (postuum) “Cleopatra”, libretto van Payen (postuum)

Andere muziektheatrale en cantate-oratoriumwerken Muziek voor de tragedie van Aeschylus “Erinnia” (1873) “Maria Magdalena”, heilig drama Halle (1873) Eva, een heilig drama Halle (1875) Narcissus, antieke idylle van Collin (1878) “De Onbevlekte Maagd”, de heilige legende van Grandmougins (1880) “Carillon”, mimiek en danslegende (1892) “Promised Land”, oratorium (1900) Dragonfly, ballet (1904) “Spanje”, ballet (1908)

Symfonische werken Pompeii, suite voor orkest (1866) Eerste suite voor orkest (1867) “Hungarian Scenes” (Tweede suite voor orkest) (1871) “Picturesque Scenes” (1871) Derde suite voor orkest (1873) Ouverture “Phaedra” (1874) “ Dramatische scènes volgens Shakespeare” (1875) “Neapolitan Scenes” (1882) “Elzasser scenes” (1882) “Enchanting Scenes” (1883) en andere

Daarnaast zijn er veel verschillende composities voor piano, ongeveer 200 romances ("Intimate Songs", "Pastoral Poem", "Poem of Winter", "Poem of Love", "Poem of Memories" en andere), werken voor instrumentale kamermuziek ensembles.

literaire geschriften "Mijn herinneringen" (1912)