Rodion Konstantinovitsj Shchedrin |

Rodion Sjtsjedrin

Oh, wees onze hoeder, redder, muziek! Verlaat ons niet! maak onze handelszielen vaker wakker! sla met jouw klanken scherper toe op onze slapende zintuigen! Breng ze in beroering, scheur ze uit elkaar en jaag ze weg, al is het maar voor even, dit ijskoude, verschrikkelijke egoïsme dat onze wereld probeert over te nemen! N. Gogol. Uit het artikel “Beeldhouwkunst, schilderkunst en muziek”

In het voorjaar van 1984 werd tijdens een van de concerten van het II International Music Festival in Moskou de première van "Self-portrait" - variaties voor een groot symfonieorkest van R. Shchedrin uitgevoerd. De nieuwe compositie van de muzikant, die net de drempel van zijn vijftigste verjaardag is gepasseerd, brandde sommigen met een doordringende emotionele uitspraak, anderen opgewonden door de journalistieke kaalheid van het thema, de ultieme concentratie van gedachten over zijn eigen lot. Het is echt waar dat er wordt gezegd: "de kunstenaar is zijn eigen hoogste rechter." In deze eendelige compositie, qua betekenis en inhoud gelijk aan een symfonie, verschijnt de wereld van onze tijd door het prisma van de persoonlijkheid van de kunstenaar, in close-up gepresenteerd, en daardoor bekend in al zijn veelzijdigheid en tegenstrijdigheden - in actieve en meditatieve toestanden, in contemplatie, lyrische zelfverdieping, in momenten van jubel of tragische uitbarstingen vol twijfel. Voor "Zelfportret", en het is natuurlijk, worden draden samengetrokken uit vele werken die eerder door Shchedrin zijn geschreven. Als in vogelvlucht verschijnt zijn creatieve en menselijke weg – van het verleden naar de toekomst. Het pad van "lieveling van het lot"? Of "martelaar"? In ons geval zou het verkeerd zijn om noch het een noch het ander te zeggen. Het is dichter bij de waarheid om te zeggen: het pad van de gedurfde “van de eerste persoon” …

Shchedrin werd geboren in de familie van een muzikant. Vader, Konstantin Mikhailovich, was een beroemde docent musicoloog. Er werd constant muziek gespeeld in het huis van de Shchedrins. Het live musiceren was de voedingsbodem die gaandeweg de passies en smaken van de toekomstige componist vormden. De familietrots was het pianotrio, waaraan Konstantin Mikhailovich en zijn broers deelnamen. De jaren van adolescentie vielen samen met een grote beproeving die op de schouders van het hele Sovjetvolk viel. Twee keer vluchtte de jongen naar het front en twee keer werd hij teruggebracht naar het huis van zijn ouders. Later zal Sjtsjedrin zich de oorlog meer dan eens herinneren, meer dan eens zal de pijn van wat hij heeft meegemaakt doorklinken in zijn muziek – in de Tweede symfonie (1965), koren op gedichten van A. Tvardovsky – ter nagedachtenis aan een broer die niet terugkeerde uit de oorlog (1968), in “Poetoria” (in st. A. Voznesensky, 1968) – een origineel concerto voor de dichter, begeleid door een vrouwenstem, een gemengd koor en een symfonieorkest …

In 1945 werd een twaalfjarige tiener toegewezen aan de onlangs geopende Koorschool – nu zij. AV Sveshnikova. Naast het bestuderen van theoretische disciplines, was zingen misschien wel de belangrijkste bezigheid van de leerlingen van de school. Tientallen jaren later zou Shchedrin zeggen: “Ik ervoer de eerste momenten van inspiratie in mijn leven tijdens het zingen in het koor. En natuurlijk waren mijn eerste composities ook voor het koor…” De volgende stap was het Conservatorium van Moskou, waar Shchedrin tegelijkertijd aan twee faculteiten studeerde – compositie bij Y. Shaporin en in de pianoklas bij Y. Flier. Een jaar voor zijn afstuderen schreef hij zijn Eerste pianoconcert (1954). Dit vroege opus trok aan met zijn originaliteit en levendige emotionele stroom. De 2-jarige auteur durfde het aan om 4 deuntjesmotieven in het concertpop-element op te nemen - het Siberische "Balalaika is buzzing" en het beroemde "Semyonovna", en ontwikkelde ze effectief in een reeks variaties. De zaak is bijna uniek: het eerste concert van Shchedrin klonk niet alleen in het programma van het volgende componistenplenum, maar werd ook de basis voor de toelating van een XNUMXe jaars student … tot de Union of Composers. Nadat hij zijn diploma in twee specialiteiten op briljante wijze had verdedigd, verbeterde de jonge muzikant zichzelf op de graduate school.

Aan het begin van zijn reis probeerde Sjtsjedrin verschillende gebieden uit. Dit waren het ballet van P. Ershov The Little Humpbacked Horse (1955) en de Eerste symfonie (1958), de Chamber Suite voor 20 violen, harp, accordeon en 2 contrabassen (1961) en de opera Not Only Love (1961), een satirische resortcantate “Bureaucratiada” (1963) en Concerto voor orkest “Naughty ditties” (1963), muziek voor theatervoorstellingen en films. De vrolijke mars uit de film "Vysota" werd meteen een muzikale bestseller... De opera gebaseerd op het verhaal van S. Antonov "Tante Lusha" valt op in deze serie, waarvan het lot niet gemakkelijk was. Terugkerend naar de door het ongeluk verschroeide geschiedenis, naar de beelden van eenvoudige boerenvrouwen die gedoemd zijn tot eenzaamheid, concentreerde de componist zich volgens zijn bekentenis bewust op de creatie van een "stille" opera, in tegenstelling tot de "monumentale uitvoeringen met grandioze figuranten". opgevoerd toen, in de vroege jaren '60. , spandoeken, enz.” Tegenwoordig is het onmogelijk om er geen spijt van te hebben dat de opera in zijn tijd niet werd gewaardeerd en zelfs niet door professionals werd begrepen. Kritiek merkte slechts één facet op: humor, ironie. Maar in wezen is de opera Not Only Love het helderste en misschien wel het eerste voorbeeld in de Sovjetmuziek van het fenomeen dat later de metaforische definitie van 'dorpsproza' kreeg. Nou, de weg vooruit is altijd netelig.

In 1966 begint de componist aan zijn tweede opera. En dit werk, dat de creatie van zijn eigen libretto omvatte (hier manifesteerde de literaire gave van Shchedrin zich), duurde tien jaar. "Dead Souls", operascènes naar N. Gogol - zo kreeg dit grandioze idee vorm. En werd door de muzikale gemeenschap onvoorwaardelijk gewaardeerd als vernieuwend. Het verlangen van de componist om “Gogols zingende proza ​​door middel van muziek te lezen, met muziek het nationale karakter te schetsen en met muziek de oneindige expressiviteit, levendigheid en flexibiliteit van onze moedertaal te benadrukken” werd belichaamd in de dramatische contrasten tussen de angstaanjagende wereld van handelaren in dode zielen, al deze Chichikovs, Sobeviches, Plyushkins, dozen, manilovs, die meedogenloos geseld in de opera, en de wereld van 'levende zielen', het volksleven. Een van de thema's van de opera is gebaseerd op de tekst van hetzelfde lied "Snow is not white", dat meer dan eens door de schrijver in het gedicht wordt genoemd. Zich baserend op de historisch gevestigde operavormen, heroverweegt Shchedrin ze moedig, transformeert ze op een fundamenteel andere, echt moderne basis. Het recht om te innoveren wordt geboden door de fundamentele eigenschappen van de individualiteit van de kunstenaar, stevig gebaseerd op een grondige kennis van de tradities van de rijkste en uniek in zijn prestaties van de binnenlandse cultuur, op bloed, tribale betrokkenheid bij volkskunst - zijn poëtica, melodieën, verschillende vormen. "Volkskunst roept een verlangen op om zijn onvergelijkbare aroma opnieuw te creëren, om op de een of andere manier te 'correleren' met zijn rijkdom, om de gevoelens over te brengen die het oproept die niet in woorden kunnen worden uitgedrukt", beweert de componist. En vooral zijn muziek.

Dit proces van "herscheppen van de folk" verdiepte zich geleidelijk in zijn werk - van de elegante stilering van folklore in het vroege ballet "The Little Humpbacked Horse" tot het kleurrijke klankpalet van Mischievous Chastushkas, het dramatisch harde systeem van "Rings" (1968). , de strikte eenvoud en het volume van Znamenny-gezangen doen herleven; van de belichaming in muziek van een helder genreportret, een sterk beeld van het hoofdpersonage van de opera "Not Only Love" tot een lyrische vertelling over de liefde van gewone mensen voor Iljitsj, over hun persoonlijke diepste houding ten opzichte van "de meest aardse van alle mensen die door de aarde zijn gegaan" in het oratorium "Lenin in the Heart folk" (1969) - de beste, we zijn het eens met de mening van M. Tarakanov, "de muzikale belichaming van het leninistische thema, dat op de vooravond verscheen van de 100ste verjaardag van de geboorte van de leider. Van het hoogtepunt van het creëren van het imago van Rusland, wat zeker de opera "Dead Souls" was, opgevoerd door B. Pokrovsky in 1977 op het podium van het Bolshoi Theater, wordt de boog naar "The Sealed Angel" geworpen - koormuziek in 9 delen volgens N. Leskov (1988). Zoals de componist in de annotatie opmerkt, werd hij aangetrokken door het verhaal van de iconenschilder Sevastyan, “die een oud wonderbaarlijk icoon drukte dat was verontreinigd door de machtigen van deze wereld, in de eerste plaats het idee van de onvergankelijkheid van artistieke schoonheid, de magische, opbeurende kracht van kunst.” "The Captured Angel", evenals een jaar eerder gemaakt voor het symfonieorkest "Stikhira" (1987), gebaseerd op het Znamenny-gezang, zijn gewijd aan de 1000ste verjaardag van de doop van Rusland.

Leskovs muziek zette logischerwijs een aantal literaire voorkeuren en genegenheid van Sjtsjedrin voort, waarbij hij zijn principiële oriëntatie benadrukte: “... ik kan onze componisten die zich wenden tot vertaalde literatuur niet begrijpen. We hebben onnoemelijke rijkdom - literatuur geschreven in het Russisch. In deze serie wordt een speciale plaats gegeven aan Poesjkin ("een van mijn goden") - naast de vroege twee koren werden in 1981 de koorgedichten "De uitvoering van Pugachev" gemaakt op de prozatekst uit de "Geschiedenis van de Pugachev-opstand" en "Strofen van "Eugene Onegin"".

Dankzij muzikale optredens gebaseerd op Tsjechov – “The Seagull” (1979) en “Lady with a Dog” (1985), evenals eerder geschreven lyrische scènes gebaseerd op de roman van L. Tolstoy “Anna Karenina” (1971), galerij van degenen die op het balletpodium waren belichaamd, waren aanzienlijk verrijkte Russische heldinnen. De echte co-auteur van deze meesterwerken van moderne choreografische kunst was Maya Plisetskaya, een uitstekende ballerina van onze tijd. Deze gemeenschap – creatief en menselijk – is al meer dan 30 jaar oud. Waar de muziek van Shchedrin ook over gaat, elk van zijn composities draagt ​​de lading van actief zoeken en onthult de kenmerken van een heldere individualiteit. De componist voelt scherp de polsslag van de tijd en neemt de dynamiek van het leven van vandaag gevoelig waar. Hij ziet de wereld in volume, grijpt en legt zowel een specifiek object als het hele panorama vast in artistieke beelden. Zou dit de reden kunnen zijn voor zijn fundamentele oriëntatie op de dramatische montagemethode, die het mogelijk maakt om de contrasten van beelden en emotionele toestanden duidelijker te schetsen? Op basis van deze dynamische methode streeft Shchedrin naar beknoptheid, beknoptheid ("code-informatie in de luisteraar stoppen") van de presentatie van het materiaal, naar een nauwe relatie tussen de delen ervan zonder enige verbindende schakels. Dus de Tweede symfonie is een cyclus van 25 preludes, het ballet "The Seagull" is gebaseerd op hetzelfde principe; Het Derde pianoconcert bestaat, net als een aantal andere werken, uit een thema en een reeks transformaties ervan in verschillende variaties. De levendige polyfonie van de omringende wereld wordt weerspiegeld in de voorliefde van de componist voor polyfonie – zowel als een principe van het organiseren van muzikaal materiaal, een manier van schrijven, als een vorm van denken. "Polyfonie is een manier van bestaan, voor ons leven is het moderne bestaan ​​polyfoon geworden." Dit idee van de componist wordt praktisch bevestigd. Terwijl hij aan Dead Souls werkte, creëerde hij tegelijkertijd de balletten Carmen Suite en Anna Karenina, het Derde Pianoconcert, het Polyphonic Notebook van vijfentwintig preludes, het tweede deel van 24 preludes en fuga's, Poetoria en andere composities. begeleid door Shchedrin's uitvoeringen op het concertpodium als uitvoerder van zijn eigen composities - een pianist, en vanaf het begin van de jaren 80. en als organist wordt zijn werk harmonieus gecombineerd met energieke publieke daden.

Shchedrins pad als componist is altijd overwinnend; alledaags, koppig overwinnen van het materiaal, dat in de vaste handen van de meester verandert in muzikale lijnen; het overwinnen van de traagheid en zelfs de vooringenomenheid van de perceptie van de luisteraar; ten slotte zichzelf overwinnen, meer precies, herhalen wat al is ontdekt, gevonden, getest. Hoe kan ik me V. Mayakovsky hier niet herinneren, die ooit over schakers opmerkte: “De meest briljante zet kan in een bepaalde situatie in een volgend spel niet worden herhaald. Alleen de onverwachtheid van de beweging slaat de vijand neer.

Toen het publiek in Moskou voor het eerst kennismaakte met The Musical Offering (1983), sloegen de reacties op Shchedrins nieuwe muziek als een bom. De controverse nam lange tijd niet af. De componist die in zijn werk streefde naar de grootst mogelijke beknoptheid, aforistische uitdrukking ("telegrafische stijl"), leek plotseling in een andere artistieke dimensie te zijn beland. Zijn eendelige compositie voor orgel, 3 fluiten, 3 fagotten en 3 trombones duurt ruim 2 uur. Zij is, volgens de bedoeling van de auteur, niets meer dan een gesprek. En niet een chaotisch gesprek dat we soms hebben, niet naar elkaar luisterend, haastig om onze persoonlijke mening te uiten, maar een gesprek waarin iedereen kon vertellen over hun verdriet, vreugde, problemen, onthullingen … “Ik geloof dat met de haast van ons leven, dit is buitengewoon belangrijk. Stop en Denk." Laten we niet vergeten dat het "Muzikale aanbod" werd geschreven aan de vooravond van de 300ste verjaardag van de geboorte van JS Bach (de "Echo Sonata" voor vioolsolo - 1984 is ook aan deze datum gewijd).

Heeft de componist zijn creatieve principes veranderd? Integendeel: met zijn eigen jarenlange ervaring in verschillende domeinen en genres verdiepte hij wat hij had gewonnen. Zelfs in zijn jonge jaren probeerde hij niet te verrassen, kleedde hij zich niet in andermans kleren, 'rende hij niet met een koffer rond de stations na de vertrekkende treinen, maar ontwikkelde hij zich op de manier ... het werd bepaald door genetica, neigingen, sympathieën en antipathieën.” Trouwens, na het "Muzikale aanbod" nam het aandeel van langzame tempo's, het tempo van reflectie, in Shchedrin's muziek aanzienlijk toe. Maar er zijn nog geen lege plekken in. Net als voorheen creëert het een veld van hoge betekenis en emotionele spanning voor perceptie. En reageert op de sterke uitstraling van de tijd. Tegenwoordig maken veel kunstenaars zich zorgen over een duidelijke devaluatie van ware kunst, een neiging tot amusement, vereenvoudiging en algemene toegankelijkheid, die getuigen van de morele en esthetische verarming van mensen. In deze situatie van "discontinuïteit van cultuur" wordt de schepper van artistieke waarden tegelijkertijd hun prediker. In dit opzicht zijn de ervaring van Shchedrin en zijn eigen werk levendige voorbeelden van de verbinding van tijden, 'verschillende muziek' en de continuïteit van tradities.

Omdat hij zich er terdege van bewust is dat pluralisme van opvattingen en meningen een noodzakelijke basis is voor het leven en de communicatie in de moderne wereld, is hij een actieve voorstander van dialoog. Zeer leerzaam zijn zijn ontmoetingen met een breed publiek, met jongeren, in het bijzonder met felle aanhangers van rockmuziek – ze werden uitgezonden op de Centrale Televisie. Een voorbeeld van een door onze landgenoot geïnitieerde internationale dialoog was het eerste in de geschiedenis van het Sovjet-Amerikaanse culturele betrekkingenfestival van Sovjetmuziek in Boston onder het motto: "Making music together", dat een breed en kleurrijk panorama ontvouwde van het werk van Sovjet componisten (1988).

In dialoog met mensen met verschillende meningen heeft Rodion Shchedrin altijd zijn eigen standpunt. In daden en daden – hun eigen artistieke en menselijke overtuiging onder het teken van de hoofdzaak: “Je kunt niet alleen leven voor vandaag. We hebben culturele constructies nodig voor de toekomst, ten behoeve van toekomstige generaties.”

A. Grigorieva