Lev Nikolajevitsj Vlasenko |

Lev Vlasenko

Er zijn steden met speciale verdiensten voor de muzikale wereld, bijvoorbeeld Odessa. Hoeveel briljante namen schonken er in de vooroorlogse jaren niet aan het concertpodium. Tbilisi, de geboorteplaats van Rudolf Kerer, Dmitry Bashkirov, Eliso Virsalazze, Liana Isakadze en een aantal andere prominente muzikanten, heeft iets om trots op te zijn. Lev Nikolajevitsj Vlasenko begon zijn artistieke pad ook in de hoofdstad van Georgië, een stad met een lange en rijke artistieke traditie.

Zoals vaak het geval is met toekomstige musici, was zijn eerste leraar zijn moeder, die zichzelf ooit lesgaf aan de pianoafdeling van het conservatorium van Tbilisi. Na enige tijd gaat Vlasenko naar de beroemde Georgische lerares Anastasia Davidovna Virsaladze, studeert af, studeert in haar klas, een tienjarige muziekschool, daarna het eerste jaar van het conservatorium. En, het pad van vele talenten volgend, verhuist hij naar Moskou. Sinds 1948 is hij een van de studenten van Yakov Vladimirovich Flier.

Deze jaren zijn niet gemakkelijk voor hem. Hij is een student van twee instellingen voor hoger onderwijs tegelijk: naast het conservatorium studeert Vlasenko (en voltooit zijn studie te zijner tijd met succes) aan het Instituut voor Vreemde Talen; De pianist spreekt vloeiend Engels, Frans en Italiaans. En toch heeft de jongeman genoeg energie en kracht voor alles. Op het conservatorium treedt hij steeds vaker op op studentenfeesten, zijn naam wordt bekend in muzikale kringen. Er wordt echter meer van hem verwacht. Inderdaad, in 1956 won Vlasenko de eerste prijs op het Liszt Concours in Boedapest.

Twee jaar later doet hij opnieuw mee aan het concours van uitvoerende musici. Dit keer won de pianist in zijn huis in Moskou op het Eerste Internationale Tsjaikovski-concours de tweede prijs en liet hij alleen Van Cliburn achter, die toen in de bloei van zijn enorme talent verkeerde.

Vlasenko zegt: “Kort na mijn afstuderen aan het conservatorium werd ik opgeroepen voor dienst in het Sovjetleger. Ongeveer een jaar lang raakte ik het instrument niet aan – ik leefde met totaal andere gedachten, daden, zorgen. En, natuurlijk, behoorlijk nostalgisch voor muziek. Toen ik gedemobiliseerd was, ging ik met verdrievoudigde energie aan de slag. Blijkbaar was er toen in mijn acteerwerk een soort emotionele frisheid, ongebruikte artistieke kracht, een honger naar toneelcreativiteit. Het helpt altijd op het podium: het hielp mij toen ook.

De pianist zegt dat hem vroeger de vraag werd gesteld: op welke van de toetsen – in Boedapest of Moskou – had hij het moeilijker? 'Natuurlijk, in Moskou', antwoordde hij in dergelijke gevallen, 'werd de Tsjaikovski-wedstrijd, waarop ik optrad, voor het eerst in ons land gehouden. Voor het eerst - dat zegt alles. Hij wekte grote belangstelling - hij bracht de meest prominente musici, zowel Sovjet- als buitenlandse, samen in de jury, trok het grootste publiek, kwam in het middelpunt van de belangstelling van radio, televisie en pers. Het was buitengewoon moeilijk en verantwoord om op dit concours te spelen – elke keer dat de piano aan de beurt was, was veel nerveuze spanning waard … “

Overwinningen op gerenommeerde muziekwedstrijden - en het "goud" gewonnen door Vlasenko in Boedapest, en zijn "zilver" gewonnen in Moskou werden als grote overwinningen beschouwd - opende de deuren naar het grote podium voor hem. Hij wordt een professionele concertartiest. Zijn optredens in binnen- en buitenland trekken veel luisteraars. Hij krijgt echter niet alleen aandacht als muzikant, de eigenaar van waardevolle gelauwerde ornaat. Houding ten opzichte van hem vanaf het allereerste begin wordt anders bepaald.

Er zijn op het podium, net als in het leven, naturen die universele sympathie genieten - direct, open, oprecht. Vlasenko als kunstenaar onder hen. Je gelooft hem altijd: als hij gepassioneerd is over het interpreteren van een werk, is hij zo echt gepassioneerd, opgewonden – zo opgewonden; zo niet, dan kan hij het niet verbergen. De zogenaamde kunst van het uitvoeren is niet zijn domein. Hij handelt niet en veinst niet; zijn motto zou kunnen zijn: "Ik zeg wat ik denk, ik druk uit hoe ik me voel." Hemingway heeft prachtige woorden waarmee hij een van zijn helden typeert: “Hij was echt, menselijk mooi van binnenuit: zijn glimlach kwam uit het hart of uit wat de ziel van een persoon wordt genoemd, en kwam toen vrolijk en openlijk naar de oppervlak, dat wil zeggen verlicht het gezicht ” (Hemingway E. Voorbij de rivier, in de schaduw van bomen. – M., 1961. S. 47.). Luisterend naar Vlasenko op zijn beste momenten, gebeurt het dat je deze woorden onthoudt.

En er is nog iets dat indruk maakt op het publiek bij een ontmoeting met een pianist: zijn podium gezelligheid. Zijn er maar weinigen die zich op het toneel opsluiten, zich terugtrekken uit opwinding? Anderen zijn kil, terughoudend van aard, dit laat zich voelen in hun kunst: ze zijn, volgens een gangbare uitdrukking, niet erg "sociaal", ze houden de luisteraar op afstand van zichzelf. Met Vlasenko is het, vanwege de eigenaardigheden van zijn talent (artistiek of menselijk), gemakkelijk, alsof het vanzelf gaat, om contact te leggen met het publiek. Mensen die hem voor het eerst horen, spreken soms hun verbazing uit - de indruk is dat ze hem al lang en goed kennen als kunstenaar.

Degenen die Vlasenko's leraar, professor Yakov Vladimirovich Flier, goed kenden, beweren dat ze veel gemeen hadden: een opgewekt poptemperament, vrijgevigheid van emotionele ontboezemingen, een gedurfde, meeslepende manier van spelen. Dat was het echt. Het is geen toeval dat Vlasenko, nadat hij in Moskou was aangekomen, een leerling van Flier werd, en een van de naaste studenten; later groeide hun relatie uit tot vriendschap. De verwantschap van de creatieve aard van de twee muzikanten bleek echter zelfs uit hun repertoire.

Oldtimers van concertzalen herinneren zich nog goed hoe Flier ooit schitterde in de programma's van Liszt; er zit een patroon in het feit dat Vlasenko ook debuteerde met de werken van Liszt (concours in 1956 in Boedapest).

"Ik hou van deze auteur", zegt Lev Nikolajevitsj, "zijn trotse artistieke pose, nobele pathos, spectaculaire toga van romantiek, welsprekende manier van uitdrukken. Het gebeurde zo dat ik mezelf in de muziek van Liszt altijd gemakkelijk kon vinden … Ik herinner me dat ik het van jongs af aan met bijzonder plezier speelde.

Vlasenko echter niet alleen gestart van Liszt naar het grote concertpodium. En vandaag, vele jaren later, staan ​​de werken van deze componist centraal in zijn programma's - van etudes, rapsodieën, transcripties, stukken uit de cyclus "Years of Wanderings" tot sonates en andere grote werken. Een opmerkelijke gebeurtenis in het filharmonische leven van Moskou in het seizoen 1986/1987 was dus Vlasenko's uitvoering van beide pianoconcerten, "Dance of Death" en "Fantasie op Hongaarse thema's" van Liszt; begeleid door een orkest onder leiding van M. Pletnev. (Deze avond stond in het teken van de 175ste verjaardag van de geboorte van de componist.) Het succes bij het publiek was echt groot. En geen wonder. Sprankelende pianobravoure, algemene opgetogenheid van toon, luide "spraak" op het podium, fresco, krachtige speelstijl - dit alles is Vlasenko's ware element. Hier komt de pianist van de meest voordelige kant voor zichzelf.

Er is een andere auteur die niet minder dicht bij Vlasenko staat, net zoals dezelfde auteur dicht bij zijn leraar, Rachmaninov, stond. Op de affiches van Vlasenko zie je pianoconcerten, preludes en andere stukken van Rachmaninoff. Als een pianist "op de maat" is, is hij echt goed in dit repertoire: hij overspoelt het publiek met een brede stroom van gevoelens, "overweldigt", zoals een van de critici het uitdrukte, met scherpe en sterke passies. Meesterlijk bezit Vlasenko en dikke, "cello" timbres die zo'n grote rol spelen in de pianomuziek van Rachmaninov. Hij heeft zware en zachte handen: klankschilderen met "olie" ligt dichter bij zijn aard dan droge klank "graphics"; – je zou kunnen zeggen, in navolging van de met het schilderen begonnen analogie, dat een brede kwast hem beter uitkomt dan een scherp geslepen potlood. Maar waarschijnlijk is het belangrijkste in Vlasenko, aangezien we het hebben over zijn interpretaties van de toneelstukken van Rachmaninov, dat hij in staat om de muzikale vorm als geheel te omarmen. Knuffel vrij en natuurlijk, zonder misschien afgeleid te worden door kleine dingen; dit is trouwens precies hoe Rachmaninov en Flier presteerden.

Ten slotte is er de componist, die volgens Vlasenko door de jaren heen bijna het dichtst bij hem is komen te staan. Dit is Beethoven. Inderdaad, Beethovens sonates, voornamelijk Pathetique, Lunar, Second, Seventeenth, Appassionata, Bagatelles, variatiecycli, Fantasia (Op. 77), vormden de basis van Vlasenko's repertoire uit de jaren zeventig en tachtig. Een interessant detail: niet verwijzend naar zichzelf als een specialist in lange gesprekken over muziek - voor degenen die het weten en graag in woorden interpreteren, sprak Vlasenko toch meerdere keren met verhalen over Beethoven op de centrale televisie.

"Met de leeftijd vind ik deze componist steeds aantrekkelijker voor mij", zegt de pianist. "Lange tijd had ik één droom: een cyclus van vijf van zijn pianoconcerten spelen." Lev Nikolajevitsj vervulde deze droom, en uitstekend, in een van de laatste seizoenen.

Natuurlijk wendt Vlasenko zich, zoals een professionele gastartiest betaamt, tot een breed scala aan muziek. Zijn uitvoerend arsenaal omvat Scarlatti, Mozart, Schubert, Brahms, Debussy, Tsjaikovski, Scriabin, Prokofjev, Sjostakovitsj… Zijn succes in dit repertoire, waar iets dichter bij hem staat, en iets verder, is niet hetzelfde, niet altijd stabiel en zelfs. Men moet echter niet verbaasd zijn: Vlasenko heeft een vrij uitgesproken speelstijl, met als basis een grote, overweldigende virtuositeit; hij speelt echt als een man - sterk, duidelijk en eenvoudig. Ergens overtuigt het, en helemaal, ergens niet helemaal. Het is geen toeval dat als je de programma's van Vlasenko nader bekijkt, je zult merken dat hij Chopin voorzichtig benadert …

Over d gesprokenо uitgevoerd door de kunstenaar, is het onmogelijk om de meest succesvolle in zijn programma's van de afgelopen jaren niet op te merken. Hier is Liszts Sonate in b-mineur en Rachmaninovs etudes-schilderijen, Scriabins Derde Sonate en Ginastera's Sonate, Debussy's Images and his Island of Joy, Hummels Rondo in Es majeur en Albeniz' Cordova... Sinds 1988 zijn de posters van Vlasenko te zien in de Tweede Sonate van BA Arapov, onlangs door hem geleerd, evenals Bagatelles, Op. 126 Beethoven, Preludes, op. 11 en 12 Scriabin (ook nieuwe werken). In de interpretaties van deze en andere werken zijn misschien vooral de kenmerken van Vlasenko's moderne stijl duidelijk zichtbaar: de volwassenheid en diepte van artistiek denken, gecombineerd met een levendig en sterk muzikaal gevoel dat met de tijd niet is vervaagd.

Sinds 1952 geeft Lev Nikolajevitsj les. Eerst aan de Moscow Choir School, later aan de Gnessin School. Sinds 1957 is hij een van de docenten van het Conservatorium van Moskou; in zijn klas ontvingen N. Suk, K. Oganyan, B. Petrov, T. Bikis, N. Vlasenko en andere pianisten een kaartje voor het podiumleven. M. Pletnev studeerde een aantal jaren bij Vlasenko – in zijn laatste jaar aan het conservatorium en als assistent-stagiaire. Misschien waren dit de helderste en meest opwindende pagina's van de pedagogische biografie van Lev Nikolajevitsj …

Lesgeven betekent voortdurend enkele vragen beantwoorden, talloze en onverwachte problemen oplossen die het leven, de onderwijspraktijk en de studentenjongeren met zich meebrengen. Waar moet bijvoorbeeld rekening mee worden gehouden bij het selecteren van een educatief en pedagogisch repertoire? Hoe bouw je een band op met studenten? hoe een les zo te leiden dat deze zo effectief mogelijk is? Maar misschien ontstaat de grootste angst voor elke leraar van het conservatorium in verband met de openbare optredens van zijn leerlingen. En de jonge musici zoeken zelf hardnekkig naar een antwoord van de professoren: wat is er nodig voor podiumsucces? is het mogelijk om het op de een of andere manier voor te bereiden, te "leveren"? Tegelijkertijd kunnen voor de hand liggende waarheden - zoals het feit dat, zeggen ze, het programma voldoende geleerd, technisch "klaar" en dat "alles moet lukken en uitkomen" - maar weinig mensen tevreden zijn. Vlasenko weet dat je in dergelijke gevallen alleen op basis van je eigen ervaring iets echt nuttigs en noodzakelijks kunt zeggen. Alleen als je uitgaat van de door hem ervaren en ervaren. Eigenlijk is dit precies wat degenen die hij onderwijst van hem verwachten. "Kunst is de ervaring van het persoonlijke leven, verteld in beelden, in sensaties", schreef AN Tolstoj, " persoonlijke ervaring die beweert een generalisatie te zijn» (Tolstykh VI Kunst en moraal. - M., 1973. S. 265, 266.). De kunst van het lesgeven, meer nog. Daarom verwijst Lev Nikolajevitsj graag naar zijn eigen uitvoeringspraktijk – zowel in de klas, onder studenten, als in openbare gesprekken en interviews:

“Er gebeuren constant onvoorspelbare, onverklaarbare dingen op het podium. Ik kan bijvoorbeeld goed uitgerust naar de concertzaal komen, voorbereid op de uitvoering, zelfverzekerd - en de clavierabend zal zonder veel enthousiasme voorbijgaan. En vice versa. Ik kan in zo'n staat het podium opgaan dat het lijkt alsof ik geen enkele noot uit het instrument kan halen - en het spel zal plotseling "gaan". En alles wordt gemakkelijk, aangenaam … Wat is hier aan de hand? Ik weet het niet. En waarschijnlijk weet niemand het.

Hoewel er iets te voorzien is om de eerste minuten van je verblijf op het podium te vergemakkelijken – en dat zijn de moeilijkste, rusteloze, onbetrouwbare … – denk ik dat het nog steeds mogelijk is. Waar het bijvoorbeeld om gaat, is de opbouw zelf van het programma, de lay-out ervan. Elke artiest weet hoe belangrijk dit is – en juist in verband met het probleem van popwelzijn. In principe begin ik een concert altijd met een stuk waarin ik me zo kalm en zelfverzekerd mogelijk voel. Bij het spelen probeer ik zo goed mogelijk naar het geluid van de piano te luisteren; aanpassen aan de akoestiek van de ruimte. Kortom, ik streef ernaar om volledig binnen te gaan, mezelf onder te dompelen in het uitvoeringsproces, geïnteresseerd te raken in wat ik doe. Dit is het allerbelangrijkste: geïnteresseerd raken, je laten meeslepen, je volledig concentreren op het spel. Dan begint de opwinding geleidelijk af te nemen. Of misschien merk je het gewoon niet meer op. Vanaf hier is het al een stap naar de creatieve staat die nodig is.

Vlasenko hecht veel belang aan alles wat op de een of andere manier aan een openbare toespraak voorafgaat. “Ik herinner me dat ik een keer over dit onderwerp sprak met de geweldige Hongaarse pianiste Annie Fischer. Ze heeft een speciale routine op de dag van het concert. Ze eet bijna niets. Een gekookt ei zonder zout, en dat is het. Dit helpt haar om de noodzakelijke psychofysiologische toestand op het podium te vinden - nerveus opgewekt, vreugdevol opgewonden, misschien zelfs een beetje verheven. Die bijzondere subtiliteit en scherpte van gevoelens verschijnt, wat absoluut noodzakelijk is voor een concertartiest.

Dit alles is overigens gemakkelijk te verklaren. Als een persoon vol is, heeft hij meestal de neiging om in een zelfvoldane ontspannen toestand te vervallen, nietwaar? Op zich is het misschien zowel prettig als “comfortabel”, maar het is niet erg geschikt om voor publiek op te treden. Want alleen iemand die innerlijk geëlektrificeerd is, die al zijn spirituele snaren gespannen laat trillen, kan een reactie van het publiek oproepen, tot empathie aanzetten …

Daarom gebeurt soms hetzelfde, zoals ik hierboven al heb vermeld. Het lijkt erop dat alles bevorderlijk is voor een succesvolle uitvoering: de artiest voelt zich goed, hij is intern kalm, evenwichtig, bijna zelfverzekerd in zijn eigen kunnen. En het concert is kleurloos. Er is geen emotionele stroom. En feedback van luisteraars natuurlijk ook...

Kortom, het is noodzakelijk om te debuggen, na te denken over de dagelijkse routine aan de vooravond van de uitvoering – in het bijzonder het dieet – het is noodzakelijk.

Maar dit is natuurlijk maar één kant van de zaak. Eerder extern. Over het algemeen gesproken zou het hele leven van een kunstenaar - idealiter - zo moeten zijn dat hij altijd en op elk moment klaar staat om met zijn ziel te reageren op het sublieme, vergeestelijkte, poëtisch mooie. Het is waarschijnlijk niet nodig om te bewijzen dat een persoon die geïnteresseerd is in kunst, die dol is op literatuur, poëzie, schilderkunst, theater, veel meer geneigd is tot verheven gevoelens dan een gemiddeld persoon, wiens interesses allemaal geconcentreerd zijn in de sfeer van het gewone, materiële, alledaagse.

Jonge artiesten horen vaak voor hun optredens: “Denk niet aan het publiek! Het interfereert! Denk op het podium alleen aan wat je zelf aan het doen bent … “. Vlasenko zegt hierover: “Het is makkelijk adviseren…”. Hij is zich terdege bewust van de complexiteit, dubbelzinnigheid, dualiteit van deze situatie:

“Is er voor mij persoonlijk publiek tijdens een optreden? Merk ik haar op? Ja en nee. Aan de ene kant, als je helemaal opgaat in het uitvoeringsproces, is het alsof je niet aan het publiek denkt. Je vergeet helemaal alles behalve wat je op het toetsenbord doet. En toch… Elke concertmuzikant heeft een bepaald zesde zintuig – “een gevoel van het publiek”, zou ik zeggen. En daarom voel je constant de reactie van degenen die in de hal zijn, de houding van mensen ten opzichte van jou en je spel.

Weet je wat voor mij het belangrijkst is tijdens een concert? En het meest onthullende? Stilte. Want alles kan worden georganiseerd - zowel reclame als de bezetting van het pand, en applaus, bloemen, felicitaties, enzovoort, alles behalve stilte. Als de zaal bevroor, zijn adem inhield, betekent dit dat er echt iets op het podium gebeurt - iets belangrijks, opwindends ...

Als ik tijdens het spel voel dat ik de aandacht van het publiek heb getrokken, krijg ik een enorme energiestoot. Dient als een soort dope. Zulke momenten zijn een groot geluk voor de artiest, het ultieme van zijn dromen. Zoals bij elke grote vreugde gebeurt dit echter niet vaak.

Het gebeurt dat Lev Nikolayevich wordt gevraagd: gelooft hij in podiuminspiratie - hij, een professionele artiest, voor wie optreden voor publiek in wezen een baan is die al vele jaren regelmatig, op grote schaal wordt uitgevoerd ... "Of natuurlijk, het woord "inspiratie" zelf » volkomen versleten, gestempeld, versleten door veelvuldig gebruik. Met dat alles, geloof me, is elke artiest bereid om bijna om inspiratie te bidden. Het gevoel hier is uniek: alsof je de auteur bent van de muziek die wordt uitgevoerd; alsof alles erin door jou zelf is gemaakt. En hoeveel nieuwe, onverwachte, echt succesvolle dingen worden er op zulke momenten op het podium geboren! En letterlijk in alles – in de kleuring van klank, frasering, in ritmische nuances, etc.

Ik zal dit zeggen: het is heel goed mogelijk om zelfs zonder inspiratie een goed, professioneel solide concert te geven. Er zijn een aantal van dergelijke gevallen. Maar als de artiest inspiratie krijgt, kan het concert onvergetelijk worden … "

Zoals u weet, zijn er geen betrouwbare manieren om inspiratie op te roepen op het podium. Maar het is mogelijk om voorwaarden te scheppen die in ieder geval gunstig voor hem zouden zijn, die de juiste grond zouden effenen, meent Lev Nikolajevitsj.

“Allereerst is hier één psychologische nuance van belang. Je moet weten en geloven: wat jij op het podium kan, doet niemand anders. Laat het niet overal zo zijn, maar alleen in een bepaald repertoire, in de werken van één of twee of drie auteurs – het maakt niet uit, daar gaat het niet om. Het belangrijkste, ik herhaal het, is het gevoel zelf: zoals jij speelt, zal de ander niet spelen. Hij, deze denkbeeldige 'ander', heeft misschien een sterkere techniek, een rijker repertoire, meer uitgebreide ervaring - wat dan ook. Maar hij zal de frase echter niet zingen zoals jij, hij zal niet zo'n interessante en subtiele klankkleur vinden …

Het gevoel waar ik het nu over heb moet een concertmuzikant bekend voorkomen. Het inspireert, verheft, helpt op moeilijke momenten op het podium.

Ik denk vaak aan mijn leraar Yakov Vladimirovich Flier. Hij probeerde de studenten altijd op te vrolijken, ze in zichzelf te laten geloven. Op momenten van twijfel, toen niet alles goed met ons ging, zorgde hij op de een of andere manier voor een goed humeur, optimisme en een goed creatief humeur. En dit bracht ons, leerlingen van zijn klas, ongetwijfeld een voordeel.

Ik denk dat bijna elke artiest die op een groot concertpodium staat, er in het diepst van zijn ziel van overtuigd is dat hij net iets beter speelt dan anderen. Of misschien kan hij in ieder geval beter spelen … En daar hoeft niemand de schuld van te krijgen - er is een reden voor deze zelfaanpassing.

… In 1988 vond er een groot internationaal muziekfestival plaats in Santander (Spanje). Het trok speciale aandacht van het publiek - onder de deelnemers waren I. Stern, M. Caballe, V. Ashkenazy en andere prominente Europese en overzeese kunstenaars. De concerten van Lev Nikolajevitsj Vlasenko werden met echt succes gehouden in het kader van dit muziekfestival. Critici spraken vol bewondering over zijn talent, vaardigheid, zijn gelukkige vermogen om "meegesleept te worden en te boeien ..." Optredens in Spanje, zoals Vlasenko's andere tournees in de tweede helft van de jaren tachtig, bevestigden overtuigend dat de belangstelling voor zijn kunst niet was afgestompt. Hij neemt nog steeds een prominente plaats in in het moderne concertleven, zowel Sovjet als buitenlands. Maar deze plek behouden is veel moeilijker dan winnen.

G. Tsypin, 1990