Karl Iljitsj Eliasberg |

Karel Eliasberg

9 augustus 1942. Op ieders lippen – “Leningrad – blokkade – Sjostakovitsj – 7e symfonie – Eliasberg”. Toen kwam wereldfaam naar Karl Iljitsj. Er zijn bijna 65 jaar verstreken sinds dat concert en bijna dertig jaar na het overlijden van de dirigent. Wat is de figuur van Eliasberg die we vandaag zien?

In de ogen van zijn tijdgenoten was Eliasberg een van de leiders van zijn generatie. Zijn onderscheidende kenmerken waren een zeldzaam muzikaal talent, "onmogelijk" (volgens de definitie van Kurt Sanderling) gehoor, eerlijkheid en integriteit "ongeacht de gezichten", vastberadenheid en ijver, encyclopedische opleiding, nauwkeurigheid en stiptheid in alles, de aanwezigheid van zijn repetitiemethode ontwikkeld over de jaren. (Hier wordt Yevgeny Svetlanov herinnerd: "In Moskou was er een constante rechtszaak tussen onze orkesten voor Karl Iljitsj. Iedereen wilde hem pakken. Iedereen wilde met hem werken. De voordelen van zijn werk waren enorm.") Bovendien, Eliasberg stond bekend als een uitstekende begeleider en viel op onder zijn tijdgenoten door de muziek van Taneyev, Scriabin en Glazunov uit te voeren, en samen met hen JS Bach, Mozart, Brahms en Bruckner.

Welk doel stelde deze muzikant, zo gewaardeerd door zijn tijdgenoten, voor zichzelf, welk idee diende hij tot de laatste dagen van zijn leven? Hier komen we bij een van de belangrijkste kwaliteiten van Eliasberg als dirigent.

Kurt Sanderling zei in zijn memoires van Eliasberg: "Het werk van een orkestspeler is moeilijk." Ja, Karl Iljitsj begreep dit, maar bleef druk uitoefenen op de hem toevertrouwde teams. En het is niet eens dat hij fysiek de onwaarheid of de geschatte uitvoering van de tekst van de auteur niet kon verdragen. Eliasberg was de eerste Russische dirigent die besefte dat "je niet ver kunt komen in de koets van het verleden". Al voor de oorlog bereikten de beste Europese en Amerikaanse orkesten kwalitatief nieuwe uitvoerende posities, en het jonge Russische orkestgilde mocht (ook bij gebrek aan materiële en instrumentale basis) niet achterblijven bij wereldveroveringen.

In de naoorlogse jaren toerde Eliasberg veel – van de Baltische staten tot het Verre Oosten. Hij had vijfenveertig orkesten in zijn praktijk. Hij bestudeerde ze, kende hun sterke en zwakke punten, kwam vaak van tevoren om naar de band te luisteren voor zijn repetities (om zich beter voor te bereiden op het werk, om tijd te hebben om het repetitieplan en de orkestpartijen aan te passen). Eliasbergs gave voor analyse hielp hem elegante en efficiënte manieren te vinden om met orkesten te werken. Hier volgt slechts één opmerking die is gemaakt op basis van de studie van Eliasbergs symfonische programma's. Het wordt duidelijk dat hij de symfonieën van Haydn vaak met alle orkesten uitvoerde, niet alleen omdat hij van deze muziek hield, maar omdat hij het als een methodologisch systeem gebruikte.

Russische orkesten geboren na 1917 misten in hun opleiding de simpele basiselementen die eigen zijn aan de Europese symfonieschool. Het "Haydn Orchestra", waarop het Europese symfonisme groeide, in de handen van Eliasberg was een instrument dat nodig was om deze leemte in de binnenlandse symfonieschool op te vullen. Zojuist? Duidelijk, maar het moest worden begrepen en in praktijk worden gebracht, zoals Eliasberg deed. En dit is slechts één voorbeeld. Als je vandaag de opnames van de beste Russische orkesten van vijftig jaar geleden vergelijkt met het moderne, veel betere spel van onze orkesten "van klein tot groot", begrijp je dat het onbaatzuchtige werk van Eliasberg, die zijn carrière bijna alleen begon, niet in ijdel. Er vond een natuurlijk proces van ervaringsoverdracht plaats – hedendaagse orkestmusici, die door de smeltkroes van zijn repetities waren gegaan, “sprongen boven hun hoofden” in zijn concerten, al toen leraren het niveau van professionele vereisten voor hun leerlingen verhoogden. En de volgende generatie orkestspelers begon natuurlijk schoner te spelen, meer precies, werd flexibeler in ensembles.

Eerlijkheidshalve merken we op dat Karl Iljitsj het resultaat niet alleen had kunnen bereiken. Zijn eerste volgelingen waren K. Kondrashin, K. Zanderling, A. Stasevich. Toen "verbonden" de naoorlogse generatie - K. Simeonov, A. Katz, R. Matsov, G. Rozhdestvensky, E. Svetlanov, Yu. Temirkanov, Yu. Nikolaevsky, V. Verbitsky en anderen. Velen van hen noemden zich later trots studenten van Eliasberg.

Het moet gezegd worden dat, tot eer van Eliasberg, terwijl hij anderen beïnvloedde, hij zichzelf ontwikkelde en verbeterde. Van een taaie en “uit de kluiten gewassen” (volgens de herinneringen van mijn leraren) dirigent, werd hij een kalme, geduldige, wijze leraar – zo herinneren wij, de orkestleden van de jaren 60 en 70, ons hem. Hoewel zijn strengheid bleef. In die tijd leek een dergelijke manier van communiceren tussen de dirigent en het orkest ons vanzelfsprekend. En pas later realiseerden we ons hoeveel geluk we hadden aan het begin van onze carrière.

In het moderne woordenboek zijn de bijnamen "ster", "genie", "man-legende" alledaags, omdat ze hun oorspronkelijke betekenis al lang hebben verloren. De intelligentsia van de generatie van Eliasberg walgde van verbaal geklets. Maar met betrekking tot Eliasberg leek het gebruik van het epitheton 'legendarisch' nooit pretentieus. De drager van deze 'explosieve roem' schaamde zich er zelf voor, beschouwde zichzelf op de een of andere manier niet als beter dan anderen, en in zijn verhalen over het beleg waren het orkest en andere personages uit die tijd de hoofdpersonen.

Victor Kozlov