Grigori Lipmanovitsj Sokolov (Grigori Sokolov) |

Grigorij Sokolov

Er is een oude gelijkenis over een reiziger en een wijze man die elkaar ontmoetten op een verlaten weg. "Is het ver naar de dichtstbijzijnde stad?" vroeg de reiziger. "Ga," antwoordde de wijze kortaf. Verbaasd over de zwijgzame oude man, stond de reiziger op het punt verder te trekken, toen hij plotseling van achteren hoorde: "Je bent er over een uur." 'Waarom heb je me niet meteen geantwoord? 'Ik had moeten kijken snelheid of je stap.

• Pianomuziek in de Ozon online winkel →

Hoe belangrijk het is – hoe snel is de stap … Het komt inderdaad niet voor dat een artiest alleen wordt beoordeeld op zijn prestatie op een wedstrijd: pronkte hij met zijn talent, technische vaardigheid, training, enz. Ze maken voorspellingen, maken gissingen over zijn toekomst, vergetend dat het belangrijkste zijn volgende stap is. Zal het soepel en snel genoeg zijn. Grigory Sokolov, de gouden medaillewinnaar van de Derde Tsjaikovski-wedstrijd (1966), had een snelle en zelfverzekerde volgende stap.

Zijn optreden op het podium in Moskou zal nog lang in de annalen van de wedstrijdgeschiedenis blijven staan. Dit komt echt niet vaak voor. In het begin, in de eerste ronde, staken sommige experts hun twijfels niet onder stoelen of banken: was het de moeite waard om zo'n jonge muzikant, een leerling van de negende klas van de school, bij de deelnemers op te nemen? (Toen Sokolov naar Moskou kwam om deel te nemen aan de Derde Tsjaikovski-wedstrijd, was hij pas zestien jaar oud.). Na de tweede etappe van de wedstrijd werden de namen van de Amerikaan M. Dichter, zijn landgenoten J. Dick en E. Auer, de Fransman F.-J. Thiolier, Sovjetpianisten N. Petrov en A. Slobodyanik; Sokolov werd slechts kort en terloops genoemd. Na de derde ronde werd hij uitgeroepen tot winnaar. Bovendien de enige winnaar, die zijn prijs niet eens met iemand anders deelde. Voor velen was dit een complete verrassing, ook voor hemzelf. ("Ik herinner me nog goed dat ik naar Moskou ging, naar de competitie, gewoon om te spelen, om mijn hand te proberen. Ik rekende niet op sensationele triomfen. Waarschijnlijk heeft dit me geholpen …") (Een symptomatische verklaring, in veel opzichten in navolging van de memoires van R. Kerer. In psychologische termen zijn dit soort oordelen van onmiskenbaar belang. – G. Ts.)

Sommige mensen lieten toen geen twijfel bestaan ​​- is het waar, is de beslissing van de jury eerlijk? De toekomst antwoordde ja op deze vraag. Het brengt altijd definitieve duidelijkheid over de resultaten van concurrentiestrijd: wat daarin legitiem bleek te zijn, rechtvaardigde zichzelf en wat niet.

Grigory Lipmanovich Sokolov kreeg zijn muzikale opleiding aan een speciale school aan het conservatorium van Leningrad. Zijn leraar in de pianoklas was LI Zelikhman, hij studeerde ongeveer elf jaar bij haar. In de toekomst studeerde hij bij de beroemde muzikant, professor M. Ya. Khalfin - hij studeerde onder zijn leiding af aan het conservatorium en daarna aan de graduate school.

Ze zeggen dat Sokolov zich van kinds af aan onderscheidde door een zeldzame bedrijvigheid. Al vanaf de schoolbank was hij op een goede manier koppig en volhardend in zijn studie. En tegenwoordig zijn trouwens vele uren achter het toetsenbord (elke dag!) een regel voor hem, die hij strikt naleeft. "Talent? Dit is liefde voor je werk, 'zei Gorky ooit. Een voor een, hoe en hoeveel Sokolov werkte en blijft werken, het was altijd duidelijk dat dit een echt, groot talent was.

“Uitvoerende musici krijgen vaak de vraag hoeveel tijd ze aan hun studie besteden”, zegt Grigory Lipmanovich. “De antwoorden in deze gevallen zien er naar mijn mening wat kunstmatig uit. Want het is eenvoudigweg onmogelijk om het werktempo te berekenen, dat de werkelijke stand van zaken min of meer nauwkeurig zou weergeven. Het zou immers naïef zijn te denken dat een muzikant alleen werkt tijdens de uren dat hij achter het instrument zit. Hij is de hele tijd bezig met zijn werk....

Als ik deze kwestie toch min of meer formeel zou benaderen, dan zou ik als volgt antwoorden: gemiddeld zit ik zo'n zes uur per dag aan de piano. Hoewel, ik herhaal het, dit alles is erg relatief. En niet alleen omdat dag na dag niet nodig is. Ten eerste omdat het bespelen van een instrument en creatief werk op zich niet hetzelfde zijn. Er is geen manier om er een gelijkteken tussen te plaatsen. De eerste is slechts een deel van de tweede.

Het enige wat ik aan het gezegde zou willen toevoegen, is dat hoe meer een muzikant doet – in de breedste zin van het woord – hoe beter.

Laten we terugkeren naar enkele feiten van Sokolovs creatieve biografie en reflecties die daarmee verband houden. Op 12-jarige leeftijd gaf hij de eerste clavierabend in zijn leven. Degenen die de kans hadden om het te bezoeken, herinneren zich dat toen al (hij was een leerling van de zesde klas) zijn spel gefascineerd door de grondigheid van het verwerken van het materiaal. Stopte de aandacht van die technische volledigheid, wat een lang, nauwgezet en intelligent werk oplevert - en niets anders ... Als concertartiest eerde Sokolov altijd de "wet van perfectie" bij het uitvoeren van muziek (de uitdrukking van een van de Leningrad-recensenten), bereikte hij strikte naleving ervan op het podium. Blijkbaar was dit niet de minst belangrijke reden die zijn overwinning in de competitie verzekerde.

Er was er nog een: de duurzaamheid van creatieve resultaten. Tijdens het Third International Forum of Performing Musicians in Moskou verklaarde L. Oborin in de pers: “Geen van de deelnemers, behalve G. Sokolov, heeft alle tours zonder ernstige verliezen doorstaan” (... Vernoemd naar Tsjaikovski // Verzameling van artikelen en documenten over de Derde Internationale Competitie van Musici-Performers vernoemd naar PI Tsjaikovski. P. 200.). P. Serebryakov, die samen met Oborin lid was van de jury, vestigde ook de aandacht op dezelfde omstandigheid: "Sokolov", benadrukte hij, "viel op tussen zijn rivalen doordat alle fasen van de wedstrijd uitzonderlijk soepel verliepen" (Ibidem, p. 198).

Met betrekking tot de podiumstabiliteit moet worden opgemerkt dat Sokolov deze in veel opzichten te danken heeft aan zijn natuurlijke spirituele balans. Hij staat in concertzalen bekend als een sterke, hele natuur. Als kunstenaar met een harmonieus geordende, ongedeelde innerlijke wereld; zulke zijn bijna altijd stabiel in creativiteit. Gelijkmatigheid in het karakter van Sokolov; het is in alles voelbaar: in zijn communicatie met mensen, houding en natuurlijk in artistieke activiteit. Zelfs op de meest cruciale momenten op het podium, voor zover men van buitenaf kan beoordelen, veranderen noch uithoudingsvermogen noch zelfbeheersing hem. Bij het zien van hem aan het instrument - ongehaast, kalm en zelfverzekerd - stellen sommigen de vraag: kent hij die huiveringwekkende opwinding die het verblijf op het podium voor veel van zijn collega's bijna tot een kwelling maakt … Eens werd hem ernaar gevraagd. Hij antwoordde dat hij meestal nerveus wordt voor zijn optredens. En heel bedachtzaam, voegde hij eraan toe. Maar meestal voordat hij het podium betreedt, voordat hij begint te spelen. Dan verdwijnt de opwinding op de een of andere manier geleidelijk en onmerkbaar en maakt plaats voor enthousiasme voor het creatieve proces en tegelijkertijd zakelijke concentratie. Hij stort zich hals over kop in pianistisch werk, en dat is het. Uit zijn woorden kwam, kortom, een beeld naar voren dat te horen is bij iedereen die geboren is voor het podium, open optredens en communicatie met het publiek.

Dat is de reden waarom Sokolov in 1966 "uitzonderlijk soepel" door alle rondes van competitieve tests ging, om deze reden blijft hij tot op de dag van vandaag met benijdenswaardige gelijkmatigheid spelen ...

De vraag kan rijzen: waarom kwam de erkenning bij de Derde Tsjaikovski-wedstrijd meteen naar Sokolov? Waarom werd hij pas leider na de laatste ronde? Hoe tenslotte te verklaren dat de geboorte van de gouden medaillewinnaar gepaard ging met een bekende onenigheid van meningen? Het komt erop neer dat Sokolov één belangrijke "fout" had: hij had als artiest bijna geen … tekortkomingen. Het was moeilijk om hem, een uitstekend opgeleide leerling van een speciale muziekschool, op de een of andere manier iets te verwijten - in de ogen van sommigen was dat al een verwijt. Er werd gesproken over de 'steriele correctheid' van zijn spel; ze irriteerde sommige mensen ... Hij was niet creatief discutabel - dit leidde tot discussies. Het publiek is, zoals u weet, niet zonder argwaan tegenover voorbeeldige, goed opgeleide studenten; De schaduw van deze relatie viel ook op Sokolov. Terwijl ze naar hem luisterden, herinnerden ze zich de woorden van VV Sofronitsky, die hij ooit in zijn hart zei over jonge deelnemers: "Het zou heel goed zijn als ze allemaal een beetje meer verkeerd speelden ..." (Herinneringen aan Sofronitsky. S. 75.). Misschien had deze paradox echt iets met Sokolov te maken – voor een zeer korte periode.

En toch, we herhalen het, degenen die in 1966 over het lot van Sokolov beslisten, bleken uiteindelijk gelijk te hebben. Vaak vandaag gekeurd, keek de jury naar morgen. En raadde het.

Sokolov wist uit te groeien tot een groot artiest. Ooit, in het verleden, een voorbeeldige schooljongen die vooral de aandacht trok met zijn buitengewoon mooie en vlotte spel, werd hij een van de meest betekenisvolle, creatief interessante kunstenaars van zijn generatie. Zijn kunst is nu echt belangrijk. "Alleen dat is mooi dat serieus is", zegt dr. Dorn in Tsjechovs The Seagull; Sokolovs interpretaties zijn altijd serieus, vandaar de indruk die ze maken op luisteraars. Eigenlijk was hij nooit lichtvoetig en oppervlakkig in relatie tot kunst, zelfs niet in zijn jeugd; vandaag begint een neiging tot filosofie steeds duidelijker in hem naar voren te komen.

Dat zie je aan de manier waarop hij speelt. In zijn programma's zet hij vaak de negenentwintigste, eenendertigste en tweeëndertigste sonates van Bthoven, Bachs Kunst der Fuge-cyclus, Schuberts sonate in Bes majeur … De samenstelling van zijn repertoire is op zichzelf indicatief, het is gemakkelijk op te merken een bepaalde richting erin, trend bij creativiteit.

Het is echter niet alleen dat op het repertoire van Grigory Sokolov. Het gaat nu om zijn benadering van de interpretatie van muziek, om zijn houding ten opzichte van de werken die hij uitvoert.

Eens in een gesprek zei Sokolov dat er voor hem geen favoriete auteurs, stijlen, werken zijn. “Ik hou van alles wat goede muziek genoemd kan worden. En alles waar ik van hou, zou ik graag willen spelen … ”Dit is niet zomaar een zin, zoals soms gebeurt. De programma's van de pianist omvatten muziek van het begin van de XNUMXe eeuw tot het midden van de XNUMXe eeuw. Het belangrijkste is dat het redelijk gelijkmatig is verdeeld over zijn repertoire, zonder de wanverhouding die zou kunnen worden veroorzaakt door de dominantie van een naam, stijl, creatieve richting. Hierboven stonden de componisten wiens werken hij bijzonder graag speelt (Bach, Beethoven, Schubert). Je kunt Chopin (mazurka's, etudes, polonaises, enz.), Ravel ("Nacht Gaspard", "Alborada"), Scriabin (Eerste Sonate), Rachmaninoff (Derde Concerto, Preludes), Prokofjev (Eerste Concerto, Zevende Sonate), Stravinsky ("Petroesjka"). Hier, in de bovenstaande lijst, wat vandaag het vaakst wordt gehoord tijdens zijn concerten. Luisteraars hebben echter het recht om in de toekomst nieuwe interessante programma's van hem te verwachten. “Sokolov speelt veel”, getuigt de gezaghebbende criticus L. Gakkel, “zijn repertoire groeit snel…” (Gakkel L. Over de Leningrad-pianisten // Sov. muziek. 1975. Nr. 4. P. 101.).

…Hier wordt hij van achter de schermen getoond. Loopt langzaam over het podium in de richting van de piano. Nadat hij een ingetogen buiging voor het publiek heeft gemaakt, nestelt hij zich op zijn gebruikelijke gemak comfortabel achter het toetsenbord van het instrument. In het begin speelt hij muziek, zoals het voor een onervaren luisteraar misschien lijkt, een beetje flegmatisch, bijna "met luiheid"; degenen die niet de eerste keer bij zijn concerten zijn, vermoeden dat dit grotendeels een vorm is die zijn afwijzing van alle ophef uitdrukt, een puur uiterlijke demonstratie van emoties. Zoals elke uitstekende meester is het interessant om hem tijdens het spelen te zien - dit helpt veel om de innerlijke essentie van zijn kunst te begrijpen. Zijn hele figuur bij het instrument – ​​zitten, gebaren maken, toneelgedrag – geeft een gevoel van stevigheid. (Er zijn artiesten die gerespecteerd worden alleen al om de manier waarop ze zich op het podium gedragen. Het gebeurt trouwens, en vice versa.) En door de aard van het geluid van Sokolovs piano, en door zijn bijzondere speelse uiterlijk, is het gemakkelijk om in hem een ​​artiest te herkennen die vatbaar is voor 'episch in muzikale uitvoeringen. "Sokolov is naar mijn mening een fenomeen van de 'Glazunov' creatieve plooi," Ya. I. Zak zei ooit. Met alle conventionaliteit, misschien de subjectiviteit van deze associatie, is het blijkbaar niet toevallig ontstaan.

Het is meestal niet gemakkelijk voor artiesten van zo'n creatieve formatie om te bepalen wat er "beter" en wat "slechter" uitkomt, hun verschillen zijn bijna onmerkbaar. En toch, als je kijkt naar de concerten van de Leningrad-pianist in voorgaande jaren, kan men niet anders dan zeggen over zijn uitvoering van Schuberts werken (sonates, impromptu, enz.). Samen met de late opussen van Beethoven namen ze naar alle waarschijnlijkheid een speciale plaats in het werk van de kunstenaar in.

Schuberts stukken, vooral de Impromptu Op. 90 behoren tot de populaire voorbeelden van het pianorepertoire. Daarom zijn ze moeilijk; door ze aan te nemen, moet je in staat zijn om afstand te nemen van de heersende patronen, stereotypen. Sokolov weet hoe. In zijn Schubert, zoals inderdaad in al het andere, boeit echte frisheid en rijkdom aan muzikale ervaring. Er is geen schaduw van wat de pop "poshib" wordt genoemd - en toch is de smaak zo vaak voelbaar in overgespeelde toneelstukken.

Er zijn natuurlijk nog andere kenmerken die kenmerkend zijn voor Sokolovs uitvoering van Schuberts werken - en niet alleen zij ... Dit is een prachtige muzikale syntaxis die zich openbaart in de reliëfcontouren van frases, motieven, intonaties. Het is verder de warmte van kleurrijke toon en kleur. En natuurlijk zijn kenmerkende zachtheid van klankproductie: tijdens het spelen lijkt Sokolov de piano te strelen …

Sinds zijn overwinning bij de wedstrijd heeft Sokolov veel getourd. Het werd gehoord in Finland, Joegoslavië, Nederland, Canada, de VS, Japan en in een aantal andere landen van de wereld. Als we hier frequente reizen naar de steden van de Sovjet-Unie aan toevoegen, is het niet moeilijk om een ​​idee te krijgen van de omvang van zijn concert- en uitvoeringspraktijk. De pers van Sokolov ziet er indrukwekkend uit: de materialen die over hem zijn gepubliceerd in de Sovjet- en buitenlandse pers zijn in de meeste gevallen in grote tonen. Kortom, de verdiensten ervan worden niet over het hoofd gezien. Als het gaat om "maar"... Misschien hoor je meestal dat de kunst van een pianist - met al zijn onmiskenbare verdiensten - de luisteraar soms enigszins geruststelt. Het brengt, zoals sommige critici lijken, geen overdreven sterke, aangescherpte, brandende muzikale ervaringen met zich mee.

Welnu, niet iedereen, zelfs niet onder de grote, bekende meesters, krijgt de kans om te vuren … Het is echter mogelijk dat dit soort eigenschappen zich in de toekomst nog zullen manifesteren: Sokolov, moet men denken, heeft een lange en helemaal geen rechttoe rechtaan creatief pad voor de boeg. En wie weet komt er een tijd dat het spectrum van zijn emoties sprankelt met nieuwe, onverwachte, scherp contrasterende kleurencombinaties. Wanneer het mogelijk zal zijn om hoge tragische botsingen in zijn kunst te zien, om in deze kunst pijn, scherpte en complexe spirituele conflicten te voelen. Dan zullen werken als de polonaise in es-mineur (op. 26) of de etude in c-mineur (op. 25) van Chopin misschien wat anders klinken. Tot nu toe maken ze bijna in de eerste plaats indruk met de mooie ronding van de vormen, de plasticiteit van het muzikale patroon en het nobele pianospel.

Op de een of andere manier antwoordde Sokolov op de vraag wat hem in zijn werk drijft, wat zijn artistieke denken stimuleert: "Het lijkt mij dat ik me niet vergis als ik zeg dat ik de meest vruchtbare impulsen krijg uit gebieden die dat niet zijn. direct gerelateerd aan mijn beroep. Dat wil zeggen, sommige muzikale "gevolgen" worden door mij niet afgeleid uit de daadwerkelijke muzikale indrukken en invloeden, maar ergens anders vandaan. Maar waar precies weet ik niet. Ik kan hier niets concreets over zeggen. Ik weet alleen dat als er geen instroom is, inkomsten van buitenaf, als er niet genoeg "voedingssappen" zijn, de ontwikkeling van de kunstenaar onvermijdelijk stopt.

En ik weet ook dat een persoon die vooruitgaat niet alleen iets verzamelt dat hij van de zijkant heeft verzameld; hij genereert zeker zijn eigen ideeën. Dat wil zeggen, hij absorbeert niet alleen, maar creëert ook. En dit is waarschijnlijk het belangrijkste. Het eerste zonder het tweede zou geen betekenis hebben in de kunst.”

Over Sokolov zelf kan met zekerheid worden gezegd dat hij echt creëert muziek aan de piano, schept in de letterlijke en authentieke zin van het woord – “brengt ideeën voort”, om zijn eigen uitdrukking te gebruiken. Nu valt het nog meer op dan voorheen. Bovendien 'breekt' het creatieve principe in het spel van de pianist zich uit - dit is het meest opmerkelijke! – ondanks de bekende terughoudendheid, de academische strengheid van zijn manier van optreden. Dit is bijzonder indrukwekkend…

Sokolovs creatieve energie was duidelijk voelbaar toen hij sprak over zijn recente optredens tijdens een concert in de oktoberzaal van het House of the Unions in Moskou (februari 1988), met op het programma Bachs Engelse Suite nr. 2 in a mineur, Prokofjevs Achtste Sonate. en de tweeëndertigste Sonate van Beethoven. De laatste van deze werken trok bijzondere aandacht. Sokolov voert het al heel lang uit. Toch blijft hij nieuwe en interessante invalshoeken vinden in zijn interpretatie. Tegenwoordig roept het spel van de pianist associaties op met iets dat misschien verder gaat dan puur muzikale sensaties en ideeën. (Laten we ons herinneren wat hij eerder zei over de "impulsen" en "invloeden" die zo belangrijk voor hem zijn, zo'n merkbare stempel drukken op zijn kunst - ondanks dat ze afkomstig zijn uit sferen die niet direct verband houden met muziek.) Blijkbaar , dit is wat Sokolovs huidige benadering van Beethoven in het algemeen, en zijn opus 111 in het bijzonder, van bijzondere waarde geeft.

Dus Grigory Lipmanovich keert gewillig terug naar de werken die hij eerder uitvoerde. Naast de Tweeëndertigste Sonate zou men Bachs Golbergvariaties en Die Kunst der Fuge, Beethovens Drieëndertig Variaties op een wals van Diabelli (op. 120) kunnen noemen, evenals enkele andere dingen die klonken tijdens zijn concerten in de midden en eind jaren tachtig. Maar hij werkt natuurlijk aan een nieuwe. Hij beheerst constant en volhardend repertoirelagen die hij nog niet eerder heeft aangeraakt. "Dit is de enige manier om vooruit te komen", zegt hij. “Tegelijkertijd moet je naar mijn mening werken op de grens van je kracht – geestelijk en fysiek. Elke "opluchting", elke toegeeflijkheid aan zichzelf zou neerkomen op een afwijking van echte, grote kunst. Ja, de ervaring bouwt zich op door de jaren heen; als het echter de oplossing van een bepaald probleem vergemakkelijkt, is het alleen voor een snellere overgang naar een andere taak, naar een ander creatief probleem.

Voor mij is het leren van een nieuw stuk altijd intens, nerveus werk. Misschien vooral stressvol – naast al het andere – ook omdat ik het werkproces niet opdeel in fasen en fasen. Het stuk 'ontwikkelt' zich tijdens het leren van nul - tot het moment waarop het op het podium wordt gebracht. Dat wil zeggen, het werk heeft een transversaal, ongedifferentieerd karakter – ongeacht het feit dat ik er zelden in slaag een stuk te leren zonder enkele onderbrekingen, hetzij in verband met rondleidingen, hetzij met de herhaling van andere toneelstukken, enz.

Na de eerste uitvoering van een werk op het podium, wordt er verder aan gewerkt, maar al in de status van geleerd materiaal. En zo verder zolang ik dit stuk überhaupt speel.

... Ik herinner me dat in het midden van de jaren zestig - de jonge artiest was net het podium betreden - een van de recensies aan hem zei: "Over het algemeen wekt de muzikant Sokolov zeldzame sympathie op ... hij is zeker gevuld met rijke kansen, en van van zijn kunst verwacht je onwillekeurig veel moois. Sindsdien zijn er vele jaren verstreken. De rijke mogelijkheden waarmee de Leningrad-pianist gevuld was, gingen wijd en gelukkig open. Maar het belangrijkste is dat zijn kunst nooit ophoudt veel meer schoonheid te beloven...

G. Tsypin, 1990