Ivan Vasiljevitsj Ershov |

Ivan Ersjov

"Als Sobinov de meest perfecte Russische lyrische tenor was, dan behoorde onder de artiesten van heroïsch-dramatische tenorfeesten dezelfde plaats toe aan Ershov", schrijft DN Lebedev. – De grootste vertegenwoordiger van de realistische vocale school, Ershov, beweerde resoluut en levendig zijn principes.

Ershovs werk was heet, uitbundig, hartstochtelijk boeiend. Zoals hij in het leven was, zo was hij in de uitvoering. De kracht van overtuigingskracht, eenvoud waren een integraal onderdeel van zijn artistieke aard.

Geen wonder dat een van zijn tijdgenoten hem onder de tenoren Chaliapin noemde.

Ivan Vasilyevich Ershov werd geboren op 20 november 1867. "Mijn jeugd was moeilijk", herinnert Ershov zich. – Ik was in de familie “extra mond”. Mijn moeder werkte als bediende in een familie van verarmde landeigenaren. Ik zou spoorwegingenieur worden. Hij heeft de examens voor de titel van assistent-machinist al behaald en is herhaaldelijk naar de lijn gereisd om een ​​stoomlocomotief te besturen. Maar de grote Anton Rubinstein vestigde de aandacht op mij, een jonge man. Sindsdien staat mijn leven in het teken van kunst, muziek.”

Ja, toevallig heeft een zaak hem geholpen. Ershov studeerde aan de spoorwegschool in Yelets, vaak uitgevoerd in amateurconcerten. Zijn buitengewone capaciteiten waren onmiskenbaar. Hier werd hij gehoord door de professor van het St. Petersburg Conservatorium NB Pansh. Ze vertelde AG Rubinstein over een getalenteerde jongeman. Op aanbeveling van de grote pianist werd de machinist van gisteren een leerling van de zangklas, geleid door Stanislav Ivanovich Gabel. De jaren van studie waren niet gemakkelijk: alle inkomsten waren 15 roebel per maand, beurzen en een gratis lunch.

In 1893 studeerde Ershov af aan het St. Petersburg Conservatorium. In hetzelfde jaar maakte hij zijn debuut als Faust.

"De jonge zangeres maakte geen gunstige indruk", schrijft AA Gozenpud. Hij kreeg het advies om naar Italië te gaan voor verbetering. Na vier maanden lessen bij leraar Rossi maakte hij met groot succes zijn debuut in het Regio Opera House. Een nieuw succes bracht hem de uitvoering van de rol van José in Carmen. Het gerucht over de buitenlandse optredens van Yershov bereikte Napravnik en Vsevolozhsky, en de artiest kreeg een nieuw debuut aangeboden. Kenmerkend is dat dit gebeurde nadat hij bekendheid verwierf in het buitenland. Het is onwaarschijnlijk dat 4 maanden lessen bij Rossi zijn vocale cultuur aanzienlijk zou kunnen verrijken. Terugkerend naar Rusland trad Ershov op in Charkov in het seizoen 1894/95. Het debuut in het Mariinsky Theater vond plaats in april 1895 als Faust.

Dit optreden viel ook op door het feit dat een andere debutant, de jonge bas Fjodor Chaliapin, optrad als Mephistopheles. Zoals u weet, zong Chaliapin in de toekomst op bijna alle grote podia ter wereld, en het hele creatieve leven van Ershov was praktisch beperkt tot het Mariinsky (later Kirov) Theater.

Aanvankelijk zong Ershov hier verschillende tenorpartijen, maar na verloop van tijd werd duidelijk dat zijn echte roeping heroïsche rollen waren. Het was op dit pad dat zijn uitstekende capaciteiten niet alleen als zanger werden onthuld, maar ook als zanger-acteur. Ershov schetste zijn artistieke credo:

“De stem van de zanger is de stem van het hart. Het woord, gezichtsuitdrukkingen, modulatie van de menselijke figuur in het kostuum van het tijdperk, in het kostuum van de nationaliteit en zijn klasse-affiliatie; zijn jaren, zijn karakter, zijn houding ten opzichte van de omgeving, enz. enz. - dit alles vereist van de zanger-acteur een passend gevoel voor de overeenkomstige kleur van het geluid van zijn stem, anders is alles bel canto en bel canto, enz. enz. Realisme, waarheid in de kunst!..

Hoeveel veranderingen in timbres, kleuren, allerlei vocale wendingen en wendingen kunnen er in de stem zijn, maar er is geen waarheid, gevoelens van het hart en de geest!

Faust en Romeo kwamen op geen enkele manier overeen met de persoonlijkheid van de kunstenaar. Tannhäuser en Orestes brachten Ershov echt succes. Dankzij hen werd het podiumtalent van de jonge zanger onthuld en kwamen de kracht en expressiviteit van de stem tot uiting.

De criticus Kondratiev constateert met tevredenheid Ershov's optreden in Oresteia: "Ershov maakte een goede indruk... de rol was goddeloos sterk en verheven geschreven en hij kwam met eer uit deze test." Na de tweede uitvoering: "Ershov maakte een sensatie in de furiescène."

Een andere creatieve overwinning voor Ershov was zijn uitvoering in de opera Samson en Delilah. Over hem schreef Kondratiev: "Ershov voerde Simson perfect uit." Hij won nieuw succes in de rol van Sobinin en zong de gewoonlijk gemiste aria met het koor "Brothers, in a snowstorm". Het bevat meerdere malen de bovenste "C" en "D-flat", toegankelijk voor enkele tenoren. Bijna alle vertegenwoordigers van muzikaal Sint-Petersburg kwamen naar deze uitvoering en Figner volgde het klavier om te zien of de zanger afwijkingen van het origineel zou toestaan.

Kondratieff noteerde in zijn dagboek: “De aria is in zo'n ongewoon hoog register geschreven dat het zelfs bij het lezen beangstigend is. Ik was bang voor Yershov, maar hij kwam met eer uit deze test. Vooral subtiel voerde hij het middengedeelte van de cantabile uit, het publiek riep hem oorverdovend en eiste een herhaling, hij voldeed aan de vraag van het publiek en zong voor de tweede keer rustiger en nog beter.

Ershov herschepte ook het beeld van Finn in Ruslan en Lyudmila op een geheel nieuwe manier. BV schreef hierover. Asafiev: “Performance is een levende creativiteit, zichtbaar tastbaar, omdat het “stemhebbende woord”, in de breking die Yershov krijgt, fungeert als een schakel in de continue (in deze klanksfeer) stroom van het proces van vormgeven van elk moment, elk spiritueel beweging. Zowel beangstigend als vrolijk. Het is beangstigend, want van de vele mensen die bij opera als kunst betrokken zijn, zijn er maar heel weinig voorbestemd om de volledige diepte en de kracht van expressie die eraan verbonden zijn te begrijpen. Het is vreugdevol, want als je luistert naar de uitvoering van Yershov, kun je in een oogwenk iets voelen dat in geen enkele verhandeling wordt onthuld en dat door geen enkele beschrijving kan worden overgebracht: de schoonheid van het kloppen van het leven in de manifestatie van emotionele spanning door muzikaal geluid, betekenisvol door het woord.

Als je kijkt naar de lijst met opera-onderdelen uitgevoerd door Ershov, dan wordt hij, zoals elke grote artiest, gekenmerkt door zowel rijkdom als diversiteit. Het breedste panorama – van Mozart, Weber, Beethoven en Bellini tot Rachmaninoff, Richard Strauss en Prokofiev. Hij had uitstekende prestaties in de opera's van Glinka en Tsjaikovski, Dargomyzhsky en Rubinstein, Verdi en Bizet.

Een monument in de geschiedenis van de operakunst werd echter door de Russische zanger voor zichzelf opgericht met twee pieken. Een daarvan is de magnifieke uitvoering van delen in het werk van Wagner. Ershov was even overtuigend in Lohengrin en Tannhäuser, Valkyrie en Rijngoud, Tristan en Isolde en The Death of the Gods. Hier vond de zanger een bijzonder complex en lonend materiaal om zijn artistieke principes te belichamen. "De hele essentie van Wagners werken is gevuld met de onmetelijkheid van de actie", benadrukte de zangeres. — De muziek van deze componist is buitengewoon schilderachtig, maar vereist een uitzonderlijke inperking van de artistieke zenuw op het tempo. Alles moet worden verheven - een blik, een stem, een gebaar. De acteur moet zonder woorden kunnen spelen in die scènes waar geen zang is, maar alleen continu geluid. Het is noodzakelijk om het tempo van de toneelbewegingen af ​​te stemmen op de muziek van het orkest. Bij Wagner wordt muziek figuurlijk aan de acteur-zanger vastgeklonken. Deze gehechtheid verbreken betekent de eenheid van toneel en muzikale ritmes verbreken. Maar diezelfde onafscheidelijkheid bindt de acteur niet en dicteert hem die noodzakelijke majesteit, monumentaliteit, een breed, langzaam bewegend gebaar, die op het toneel overeenstemmen met de geest van Wagners muziek.

Cosima Wagner, de weduwe van de componist, schreef op 15 september 1901 aan de zangeres: “Veel vrienden van onze kunst en veel artiesten, waaronder mevrouw Litvin, vertelden me over uw uitvoering van onze kunstwerken. Ik vraag je of je pad je ooit door Bayreuth zal voeren en of je daar zou willen stoppen om met me te praten over de Duitse uitvoering van deze werken. Ik geloof niet dat ik ooit de kans zal krijgen om naar Rusland te reizen en daarom doe ik dit verzoek aan u. Ik hoop dat je studie je een vakantie zal toestaan ​​en dat deze vakantie niet te ver weg is. Accepteer alstublieft mijn diepe respect.”

Ja, de faam van een Wagneriaanse zanger is aan Yershov blijven hangen. Maar het was niet zo eenvoudig om dit repertoire op het podium te breken.

"De hele weg van het oude Mariinsky Theater was vijandig tegenover Wagner", herinnert Ershov zich in 1933. Wagners muziek stuitte op voorzichtige vijandigheid. Lohengrin en Tannhäuser mochten op de een of andere manier nog het podium betreden, waardoor deze romantisch-heroïsche opera's werden verworden tot stereotiepe uitvoeringen van de Italiaanse stijl. Filistijnse geruchten werden herhaald dat Wagner de stemmen van zangers zou verpesten en het publiek oorverdovend zou maken met de donder van het orkest. Het was alsof ze het eens waren met de bekrompen Yankee, de held uit het verhaal van Mark Twain, die klaagt dat de muziek van Lohengrin oorverdovend is. Het is Lohengrin!

Er was ook een beledigende, zelfs beledigende houding tegenover de Russische zanger: “Waar moet je heen met je onvoorbereidheid en je gebrek aan cultuur om Wagner aan te pakken! Je krijgt niets." In de toekomst weerlegde het leven deze aanstootgevende voorspellingen. Het Mariinsky-podium vond onder zijn acteurs veel uitstekende vertolkers van de delen van het Wagner-repertoire … "

Een ander opmerkelijk hoogtepunt dat de zangeres heeft veroverd, is de rol van Grishka Kuterma in Rimsky-Korsakovs opera The Legend of the Invisible City of Kitezh and the Maiden Fevronia. Het Rimsky-Korsakov Theater is ook het Yershov Theater. Sadko is een van de meesterwerken van de zanger, die door de componist zelf werd opgemerkt. Hij speelde uitstekend Berendey in The Snow Maiden, Mikhail Tucha in The Maid of Pskov. Maar de hoogste prestatie van de zanger is de creatie van het beeld van Grishka Kuterma, hij speelde deze rol voor het eerst in 1907.

De regisseur van die gedenkwaardige voorstelling, VP Shkaber, zei: "De kunstenaar voelde diep de elementen van het grootste lijden en menselijk verdriet, verdronken in een dronken roes, waar mensenlevens voor niets verloren gingen. Het toneel van zijn waanzin, individuele momenten met de Tataren in het bos, met Fevronia - al deze creatieve ervaringen van de kunstenaar-kunstenaar waren zo groot dat het beeld van Grishka, uitgevoerd door Yershov, niet alleen bewondering waard is, maar ook van de diepste bewondering voor het talent van de kunstenaar: zo vol, kleurrijk, met grote vaardigheid onthulde hij de subtielste emoties van zijn held ... De rol van Grishka werd door hem tot in het kleinste detail afgewerkt, met sculpturale volledigheid - en dit was in omstandigheden van extreme stijging.

Andrei Nikolajevitsj Rimsky-Korsakov, die de kunstenaar namens de familie van de componist toesprak, schreef: "Ik persoonlijk, evenals andere leden van de familie van Nikolai Andreevich, namens wie ik hier spreek, herinner me hoe zeer de auteur van Kitezh waardeerde je artistieke talent en vooral met wat een voldoening keek hij naar zijn geesteskind Grishka Kuterma in de vorm van Ershov.

…Je interpretatie van de rol van Kuterma is zo diep en individueel dat je in deze artistieke functie een beslissende onafhankelijkheid moet erkennen. Je hebt een enorm deel van je levende, menselijke ziel in Grishka geïnvesteerd, daarom heb ik het recht om te zeggen dat net zoals er geen tweede Ivan Vasilievich Ershov is en kan zijn, zo'n tweede Grishka er niet is en ook niet kan zijn.

En vóór 1917, en in de jaren na de revolutie, kreeg de Russische tenor lucratieve contracten aangeboden in het buitenland. Zijn hele leven was hij echter trouw aan het podium waar zijn creatieve pad begon - het Mariinsky Theater.

Journalist en romanschrijver AV Amfiteatrov feliciteerde de zanger met het 25-jarig jubileum van zijn creatieve activiteit en schreef in het bijzonder aan Ivan Vasilyevich: "Als je op tournee had willen praten, zou je al lang miljardair zijn geweest. Als je afdaalde tot dergelijke reclametrucs, die zo gewoon zijn in de huidige artistieke omgeving, zouden beide hersenhelften lang geleden zijn gevuld met een kreet over jou. Maar jij, een strenge en wijze priester van de kunst, ging aan al dit klatergoud en deze hype voorbij zonder zelfs maar een blik in haar richting te werpen. Eerlijk en bescheiden staand in de “glorieuze post” die je hebt gekozen, ben je een bijna ongeëvenaard, onvergelijkbaar voorbeeld van artistieke onafhankelijkheid, waarbij je minachtend alle externe kunstmiddelen voor succes en overheersing onder je kameraden afwijst … Je hebt nooit misbruik gemaakt van je invloed als onvervangbare artiest in om een ​​"winnende rol" te krijgen om egoïstisch een onwaardig, laagwaardig werk in de tempel van zijn kunst te brengen.

Een echte patriot, Ivan Vasilievich Ershov, verliet het podium, dacht constant na over de toekomst van ons muziektheater, voedde enthousiast artistieke jongeren op in de Opera Studio van het Leningrad Conservatorium, en voerde werken op van Mozart, Rossini, Gounod, Dargomyzhsky, Rimsky-Korsakov , Tsjaikovski, Rubinstein daar. Met trots en bescheidenheid vatte hij zijn creatieve pad samen in de volgende woorden: "Als acteur of muziekleraar voel ik me in de eerste plaats een vrije burger die, naar beste vermogen, werkt voor het welzijn van de socialistische samenleving .”

Ivan Vasilyevich Ershov stierf op 21 november 1943.