Dmitri Basjkirov (Dmitri Basjkirov) |

Dmitri Basjkirov

Veel van de jonge musici die elkaar in het begin van de jaren vijftig op het conservatorium van Moskou ontmoetten, herinneren zich waarschijnlijk de eerste verschijning in de klasgangen van een donkere, magere jongeman met onstuimige bewegingen en levendige gezichtsuitdrukkingen op een beweeglijk, expressief gezicht. Zijn naam was Dmitry Bashkirov, zijn kameraden begonnen hem al snel gewoon Delik te noemen. Er was weinig over hem bekend. Er werd gezegd dat hij afstudeerde aan de tienjarige muziekschool in Tbilisi onder leiding van Anastasia Davidovna Virsaladze. Eens, bij een van de examens, hoorde Alexander Borisovich Goldenweiser hem - hij hoorde het, was opgetogen en adviseerde hem om zijn opleiding in de hoofdstad af te ronden.

De nieuwe leerling van Goldenweiser was zeer getalenteerd; kijkend naar hem - een directe, zeldzame emotionele persoon - was het niet moeilijk op te merken: zo hartstochtelijk en onbaatzuchtig, met zo'n genereuze zelfgave, kunnen alleen echt begaafde naturen reageren op de omgeving zoals hij ...

Dmitry Aleksandrovich Bashkirov werd in de loop der jaren algemeen bekend als concertartiest. In 1955 won hij de Grand Prix op de wedstrijd M. Long – J. Thibault in Parijs; dit lanceerde zijn toneelcarrière. Hij heeft inmiddels honderden optredens achter de rug, hij kreeg applaus in Novosibirsk en Las Palmas, Chisinau en Philadelphia, in kleine Wolga-steden en grote, wereldberoemde concertzalen. De tijd heeft veel veranderd in zijn leven. Veel minder in zijn karakter. Hij is, net als voorheen, impulsief, alsof kwik veranderlijk en snel is, elke minuut staat hij klaar om zich door iets te laten meeslepen, om in brand te vliegen …

De eigenschappen van de Bashkir-natuur die werden genoemd, zijn duidelijk zichtbaar in zijn kunst. De kleuren van deze kunst zijn in de loop der jaren niet vervaagd en vervaagd, hebben hun rijkdom, intensiteit en irisatie niet verloren. Het spel van de pianist, zoals voorheen, opgewonden; hoe kon ze zich anders zorgen maken? Misschien was er voor niemand reden om de kunstenaar Bashkirov te verwijten onverschilligheid, spirituele apathie, verzadiging met creatief zoeken. Hiervoor is hij te rusteloos als persoon en als kunstenaar, constant brandend met een soort onuitblusbaar innerlijk vuur. Dit kan de reden zijn voor enkele van zijn mislukkingen op het podium. Aan de andere kant komt het ongetwijfeld van hier, van de creatieve rusteloosheid en de meeste van zijn prestaties.

Op de pagina's van de muziekkritische pers wordt Bashkirov vaak een romantische pianist genoemd. Inderdaad, hij vertegenwoordigt duidelijk modern romantiek. (VV Sofronitsky, in gesprek met V. Yu. Delson, liet vallen: "Er is tenslotte ook moderne romantiek, en niet alleen de romantiek van de XNUMXe eeuw, ben je het daarmee eens?" (Herinneringen aan Sofronitsky. S. 199.)). Wat componist Bashkirov ook vertolkt – Bach of Schumann, Haydn of Brahms – hij voelt de muziek alsof ze vandaag is gemaakt. Voor concertbezoekers van zijn soort is de auteur altijd een tijdgenoot: zijn gevoelens worden als de zijne ervaren, zijn gedachten worden de zijne. Niets is deze concertbezoekers vreemder dan stilering, 'representatie', nep voor archaïsch, een demonstratie van een museumrelikwie. Dit is één ding: de muzikale sensatie van de artiest onze tijdperk, van onze dagen. Er is nog iets waardoor we ook kunnen spreken van Bashkirov als een typische vertegenwoordiger van de hedendaagse podiumkunsten.

Hij heeft nauwkeurig, meesterlijk vervaardigd pianospel. Vroeger dacht men dat romantisch musiceren bestaat uit ongebreidelde impulsen, spontane uitbarstingen van gevoelens, een extravaganza van felgekleurde, zij het wat vormeloze klankvlekken. Kenners schreven dat romantische kunstenaars neigen naar "vaag, iriserend, onleesbaar en mistig", dat ze "verre van sieraden tekenen van kleinigheden" zijn. (Martins KA Individuele pianotechniek. – M., 1966. S. 105, 108.). Nu zijn de tijden veranderd. Criteria, oordelen, smaken zijn gewijzigd. In het tijdperk van onverbiddelijk strenge grammofoonopnames worden radio- en televisie-uitzendingen, geluidsnevels en vaagheden door niemand, aan niemand en onder geen enkele omstandigheid vergeven. Bashkirov, een romanticus van onze tijd, is modern, onder meer door de zorgvuldige "gemaakt" van zijn uitvoeringsapparatuur, het vakkundig debuggen van alle details en koppelingen.

Dat is de reden waarom zijn muziek goed is en een onvoorwaardelijke volledigheid van de externe decoratie vereist, "sieradentekening van kleinigheden". De lijst van zijn uitvoeringssuccessen wordt geopend door zaken als Debussy's preludes, Chopin's mazurka's, "Fleeting" en Prokofjevs Vierde Sonate, Schumanns "Colored Leaves", Fantasia en Fis-mineur novelle, veel van Schubert, Liszt, Scriabin, Ravel . Er zijn veel interessante dingen die luisteraars aantrekken in zijn klassieke repertoire - Bach (F-mineur concerto), Haydn (es majeur sonate), Mozart (concerten: negende, veertiende, zeventiende, vierentwintigste), Beethoven (sonates: " Lunar”, “Pastoraal”, Achttiende, concerten: Eerste, Derde, Vijfde). Kortom, alles wat wint in Bashkirovs podiumtransmissie is waar op de voorgrond een elegant en helder geluidspatroon is, een elegante achtervolging van instrumentale textuur.

(Eerder werd gezegd dat degenen die piano spelen, zoals schilders, verschillende technieken van "schrijven" gebruiken: sommige houden van een geslepen klankpotlood, andere houden van gouache of aquarel, en weer anderen houden van zware olieverf. Bashkirov wordt vaak geassocieerd met een pianist-graveur: dun geluidspatroon op een heldere emotionele achtergrond...)

Zoals veel echt begaafde mensen, wordt Bashkirov veranderd door creatief geluk. Zelfkritisch weet hij te zijn: “Ik denk dat ik geslaagd ben in dit stuk”, hoor je na afloop van het concert van hem, “maar deze niet. De opwinding stond in de weg … Iets "verschoof", bleek uit "focus" te zijn - niet zoals het bedoeld was. Het is bekend dat opwinding iedereen hindert - debutanten en meesters, muzikanten, acteurs en zelfs schrijvers. "Het moment waarop ik zelf het meest opgewonden ben, is niet het moment waarop ik dingen kan schrijven die de kijker raken", gaf Stendhal toe; hij wordt hierin door vele stemmen herhaald. En toch is opwinding voor sommigen beladen met grote hindernissen en problemen, voor anderen minder. Gemakkelijk prikkelbare, nerveuze, expansieve aard hebben het moeilijker.

Op momenten van grote opwinding op het podium versnelt Bashkirov, ondanks zijn wil, de uitvoering, raakt in enige opwinding. Dit gebeurt meestal aan het begin van zijn optredens. Geleidelijk aan wordt zijn spel echter normaal, klankvormen krijgen helderheid, lijnen - vertrouwen en nauwkeurigheid; met een geoefend oor kun je altijd opvangen wanneer een pianist een golf van overmatige podiumangst weet neer te slaan. Een interessant experiment werd bij toeval opgezet op een van Bashkirovs avonden. Twee keer achter elkaar speelde hij dezelfde muziek: de finale van Mozarts Veertiende pianoconcert. De eerste keer – een beetje haastig en opgewonden, de tweede keer (voor een toegift) – meer ingetogen tempo, met meer kalmte en zelfbeheersing. Het was interessant om te zien hoe de situatie wasmin opwinding“transformeerde het spel, gaf een ander, hoger artistiek resultaat.

Bashkirovs interpretaties hebben weinig gemeen met de gebruikelijke stencils, vertrouwde uitvoeringsvoorbeelden; dit is hun duidelijke voordeel. Ze kunnen (en zijn) controversieel, maar niet kleurloos, te subjectief, maar niet flauw. Bij de concerten van de artiest is het bijna onmogelijk om onverschillige mensen te ontmoeten, hij wordt niet aangesproken met die beleefde en onbeduidende lof die gewoonlijk aan middelmatigheid wordt geschonken. Bashkirovs kunst wordt ofwel hartelijk en enthousiast aanvaard, ofwel, met niet minder vurigheid en interesse, discussiëren ze met de pianist, zijn ze het in sommige opzichten niet met hem eens en zijn ze het niet met hem eens. Als kunstenaar is hij bekend met de creatieve 'oppositie'; in principe kan en moet dit worden gecrediteerd.

Sommigen zeggen: in het spel van Bashkirov, zeggen ze, is er veel extern; hij is soms theatraal, pretentieus ... Waarschijnlijk is er in dergelijke uitspraken, afgezien van vrij natuurlijke smaakverschillen, een verkeerd begrip van de aard van zijn optreden. Is het mogelijk om geen rekening te houden met de individuele typologische kenmerken van dit of dat artistiek | persoonlijkheid? Bashkirov de concertant - dat is zijn aard - heeft altijd effectief van buitenaf 'gekeken'; helder en helder onthulde zichzelf aan de buitenkant; wat voor een ander een show-off of tokkelen zou zijn, hij heeft alleen een organische en natuurlijke uitdrukking van zijn creatieve 'ik'. (Het wereldtheater herinnert zich Sarah Bernhardt met haar bijna excentrieke toneelmanieren, herinnert zich de bescheiden, soms onopvallende uiterlijk Olga Osipovna Sadovskaya - in beide gevallen was het echte, grote kunst.) leiden naar een verre, bijna niet te onderscheiden subtekst. Als we de positie van criticus moeten innemen, dan bij een andere gelegenheid.

Ja, de kunst van de pianist geeft het publiek open en sterke emoties. Geweldige kwaliteit! Op het concertpodium kom je er vaak eerder een tekort dan een overschot tegen. (Meestal "schieten ze tekort" in het uiten van gevoelens, en niet andersom.) In zijn psychologische toestanden - extatische opwinding, impulsiviteit, enz. - was Bashkirov soms, althans eerder, enigszins uniform. Ter illustratie kan zijn interpretatie van Glazoenovs Sonate in Bes mineur worden genoemd: die ontbrak toevallig aan epische, breedte. Of het Tweede Concerto van Brahms - achter het oogverblindend heldere vuurwerk van passies was de afgelopen jaren de introspectieve reflectie van de kunstenaar er niet altijd in voelbaar. Uit Bashkirovs interpretaties kwam een ​​gloeiend hete uitdrukking, een stroom van hoge nerveuze spanning. En de luisteraar begon soms een verlangen te voelen naar modulaties in een andere, verder verwijderde emotionele tonaliteit, in andere, meer contrasterende gevoelssferen.

Nu echter over eerder gesproken de voormalige. Mensen die goed bekend zijn met de podiumkunsten van Bashkirov vinden voortdurend veranderingen, verschuivingen en interessante artistieke transformaties in hem. Ofwel kan men de selectie van het repertoire van de artiest nauwkeuriger zien, ofwel worden eerder onbekende methoden van expressiviteit onthuld (de laatste jaren klonken bijvoorbeeld de langzame delen van klassieke sonatecycli op de een of andere manier bijzonder schoon en soulvol). Ongetwijfeld is zijn kunst verrijkt met nieuwe ontdekkingen, meer complexe en gevarieerde emotionele nuances. Dit was met name te zien in Bashkirovs uitvoering van de concerten van KFE , Fantasia en Sonate in C minor van Mozart, pianoversie van het Vioolconcert, Op. 1987 van Beethoven, enz.)

Bashkirov is een geweldige gesprekspartner. Hij is van nature nieuwsgierig en nieuwsgierig; hij is in veel dingen geïnteresseerd; vandaag, net als in zijn jeugd, kijkt hij aandachtig naar alles wat met kunst, met het leven te maken heeft. Bovendien weet Bashkirov zijn gedachten duidelijk en duidelijk te formuleren – het is geen toeval dat hij verschillende artikelen publiceerde over de problemen van muzikale uitvoering.

"Ik heb altijd gezegd," merkte Dmitry Alexandrovich ooit op in een gesprek, "dat creativiteit op het podium het belangrijkste en belangrijkste wordt bepaald door het magazijn van het talent van de artiest - zijn individuele persoonlijke kenmerken en eigenschappen. Hiermee is de benadering van de uitvoerder van bepaalde artistieke fenomenen, de interpretatie van individuele werken, verbonden. Critici en een deel van het publiek houden soms geen rekening met deze omstandigheid – ze beoordelen het spel van de artiest abstract, gebaseerd op hoe ze Door de Ik zou graag horen welke muziek gespeeld wordt. Dit is volkomen onjuist.

Door de jaren heen geloof ik over het algemeen steeds minder in het bestaan ​​van sommige bevroren en ondubbelzinnige formules. Bijvoorbeeld - hoe het nodig is (of juist niet nodig) om die en die auteur, die en die essay te interpreteren. De praktijk leert dat prestatiebeslissingen heel verschillend en even overtuigend kunnen zijn. Al betekent dit natuurlijk niet dat de kunstenaar recht heeft op eigenzinnigheid of stilistische willekeur.

Een andere vraag. Is het nodig om op het moment van volwassenheid, met 20-30 jaar professionele ervaring achter de rug, piano te spelen? meerdan in de jeugd? Of vice versa: is het redelijker om de intensiteit van de werkdruk te verminderen naarmate men ouder wordt? Hierover bestaan ​​verschillende opvattingen en standpunten. "Het lijkt mij dat het antwoord hier alleen puur individueel kan zijn", meent Bashkirov. “Er zijn artiesten die we geboren virtuozen noemen; ze hebben zeker minder inspanning nodig om zichzelf in goede conditie te houden. En er zijn anderen. Degenen die nog nooit zomaar iets hebben gekregen, uiteraard zonder moeite. Natuurlijk moeten ze hun hele leven onvermoeibaar werken. En op latere leeftijd nog meer dan in de jeugd.

Eigenlijk moet ik zeggen dat ik onder de grote muzikanten bijna nooit degenen heb ontmoet die door de jaren heen, naarmate ze ouder werden, hun eisen aan zichzelf zouden verzwakken. Meestal gebeurt het tegenovergestelde.”

Sinds 1957 doceert Bashkirov aan het conservatorium van Moskou. Bovendien neemt de rol en het belang van pedagogiek voor hem in de loop van de tijd steeds meer toe. “In mijn jeugd pronkte ik vaak dat, zeggen ze, ik overal tijd voor had – zowel lesgeven als voorbereiding op concertuitvoeringen. En dat het een niet alleen geen belemmering vormt voor het ander, maar misschien zelfs omgekeerd: het een ondersteunt, versterkt het ander. Tegenwoordig zou ik dit niet willen beweren … Tijd en leeftijd maken nog steeds hun eigen aanpassingen – je kunt iets niet anders beoordelen. Tegenwoordig ben ik geneigd te denken dat lesgeven bepaalde moeilijkheden veroorzaakt bij concertuitvoeringen, het beperkt. Hier is een conflict dat u constant probeert op te lossen en helaas niet altijd met succes.

Wat hierboven is gezegd, betekent natuurlijk niet dat ik de noodzaak of opportuniteit van pedagogisch werk voor mezelf in twijfel trek. Echt niet! Het is zo'n belangrijk, integraal onderdeel van mijn bestaan ​​geworden dat er geen dilemma's over bestaan. Ik geef alleen de feiten weer zoals ze zijn.”

Momenteel geeft Bashkirov ongeveer 55 concerten per seizoen. Dit cijfer is voor hem vrij stabiel en is al een aantal jaren praktisch niet veranderd. “Ik weet dat er mensen zijn die veel meer presteren. Ik zie hier niets verrassends in: iedereen heeft verschillende reserves aan energie, uithoudingsvermogen, fysieke en mentale kracht. Het belangrijkste is, denk ik, niet hoeveel je speelt, maar hoe. Dat wil zeggen, de artistieke waarde van uitvoeringen is in de eerste plaats belangrijk. Want het gevoel van verantwoordelijkheid voor wat je op het podium doet, wordt steeds groter.

Vandaag, vervolgt Dmitry Aleksandrovich, is het erg moeilijk om een ​​waardige plaats in te nemen in de internationale musical- en podiumscene. Moet vaak genoeg spelen; speel in verschillende steden en landen; verschillende programma's uitvoeren. En natuurlijk alles geven. op een vrij hoog professioneel niveau. Alleen onder dergelijke omstandigheden zal de kunstenaar, zoals ze zeggen, in zicht zijn. Voor iemand die zich bezighoudt met pedagogiek is dit natuurlijk moeilijker dan voor een niet-leraar. Daarom negeren veel jonge concertbezoekers in wezen het lesgeven. En ergens kunnen ze worden begrepen – gezien de steeds toenemende concurrentie in de artistieke wereld … “

Terugkerend naar het gesprek over zijn eigen pedagogische werk, zegt Bashkirov dat hij zich er over het algemeen helemaal gelukkig in voelt. Blij omdat hij studenten heeft, creatieve communicatie waarmee hij veel plezier beleefde en nog steeds levert. “Als je naar de besten kijkt, moet je toegeven dat de weg naar roem voor niemand over rozen ging. Als ze iets hebben bereikt, is het meestal door hun eigen inspanningen. En het vermogen om creatieve zelfontplooiing (wat ik het belangrijkste vind voor een muzikant). Mijn artistieke levensvatbaarheid ze bewezen niet door het serienummer bij deze of gene wedstrijd, maar door het feit dat ze tegenwoordig op de podia van veel landen van de wereld spelen.

Ik wil graag iets speciaals zeggen over enkele van mijn studenten. Heel kort. Letterlijk in een paar woorden.

Dmitri Aleksejev. Ik vind het er leuk in intern conflictdie ik, als zijn leraar, goed ken. Conflicten in de beste zin van het woord. Het is op het eerste gezicht misschien niet erg zichtbaar - eerder verborgen dan opvallend, maar het bestaat, bestaat, en dit is erg belangrijk. Alekseev is zich duidelijk bewust van zijn sterke en zwakke punten, hij begrijpt dat de strijd tussen hen en betekent vooruit in ons vak. Deze beweging kan bij hem, net als bij anderen, soepel en gelijkmatig verlopen, of het kan de vorm aannemen van crises en onverwachte doorbraken in nieuwe creatieve sferen. Het maakt niet uit hoe. Het is belangrijk dat de muzikant vooruit gaat. Over Dmitry Alekseev, het lijkt mij, kan dit worden gezegd zonder bang te zijn om te overdrijven. Zijn hoge internationale prestige is niet toevallig.

Nikolaj Demidenko. Er was ooit een wat neerbuigende houding tegenover hem. Sommigen geloofden niet in zijn artistieke toekomst. Wat kan ik hierover zeggen? Het is bekend dat sommige artiesten eerder, sneller volwassen worden (soms worden ze zelfs te snel volwassen, zoals sommige nerds die voorlopig opbranden), voor anderen verloopt dit proces langzamer, rustiger. Het duurt jaren voordat ze zich volledig hebben ontwikkeld, volwassen zijn geworden, op eigen benen kunnen staan, het beste uit zichzelf kunnen halen... Tegenwoordig heeft Nikolay Demidenko een rijke praktijk, hij speelt veel in verschillende steden in ons land en in het buitenland. Ik hoor hem niet vaak, maar als ik naar zijn optredens ga, zie ik dat veel dingen die hij nu doet niet meer hetzelfde zijn als voorheen. Soms herken ik hem bijna niet in zijn interpretatie van die werken die we in de klas hebben gehaald. En voor mij, als leraar, is dit de grootste beloning …

Sergej Erokhin. Bij de VIII Tsjaikovski-wedstrijd behoorde hij tot de laureaten, maar de situatie bij deze wedstrijd was erg moeilijk voor hem: hij was net gedemobiliseerd uit de gelederen van het Sovjetleger en was natuurlijk verre van zijn beste creatieve vorm. In de tijd die is verstreken sinds de wedstrijd, heeft Sergei, naar mijn mening, heel veel succes geboekt. Laat me je in ieder geval herinneren aan zijn tweede prijs op een wedstrijd in Santander (Spanje), waarover een van de invloedrijke Madrileense kranten schreef: "De uitvoeringen van Sergey Erokhin waren niet alleen de eerste prijs waard, maar de hele wedstrijd." Kortom, ik twijfel er niet aan dat Sergei een mooie artistieke toekomst heeft. Bovendien is hij naar mijn mening niet geboren voor wedstrijden, maar voor het concertpodium.

Alexander Bonduryansky. Hij wijdde zich volledig aan de kamermuziek. Sinds een aantal jaren treedt Alexander op als onderdeel van het Moscow Trio, wat hij versterkt met zijn wil, enthousiasme, toewijding, toewijding en hoge professionaliteit. Ik volg zijn bezigheden met belangstelling, ik ben er keer op keer van overtuigd hoe belangrijk het is dat een muzikant zijn eigen weg vindt. Ik zou graag willen denken dat het uitgangspunt van Bonduryansky's interesse in het maken van kamermuziekensembles zijn observatie was van mijn gezamenlijke creatieve werk in een trio met I. Bezrodny en M. Khomitser.

Eiro Heinonen. Thuis, in Finland, is hij een van de beroemdste pianisten en docenten (nu is hij professor aan de Sibelius Academie in Helsinki). Ik denk met plezier terug aan mijn ontmoetingen met hem.

Dang Thaise Sean. Ik studeerde bij hem toen hij afstudeerde aan het conservatorium van Moskou; heb hem later ontmoet. Uit de contacten met Sean – een mens en een artiest – heb ik buitengewoon prettige indrukken opgedaan. Hij is slim, intelligent, charmant en ongelooflijk getalenteerd. Er was een tijd dat hij zoiets als een crisis doormaakte: hij bevond zich in een gesloten ruimte van één stijl, en zelfs daar zag hij er soms niet erg divers en veelzijdig uit … Sean overwon deze crisisperiode grotendeels; de diepte van het uitvoerende denken, de schaal van gevoelens, het drama verscheen in zijn spel … Hij heeft een prachtig pianistisch heden en ongetwijfeld een niet minder benijdenswaardige toekomst.

Er zitten vandaag nog andere interessante, veelbelovende jonge musici in mijn klas. Maar ze groeien nog steeds. Daarom zal ik er niet over praten.

Zoals elke getalenteerde leraar heeft Bashkirov zijn eigen stijl van werken met studenten. Hij houdt er niet van om zich in de klas te wenden tot abstracte categorieën en concepten, hij houdt er niet van om ver weg te gaan van het werk dat wordt bestudeerd. Gebruikt zelden, naar eigen zeggen, parallellen met andere kunsten, net als sommige van zijn collega's. Hij gaat ervan uit dat muziek, de meest universele van alle kunstvormen, zijn eigen wetten, zijn eigen “regels”, zijn eigen artistieke specificiteit heeft; probeert daarom de student via de bol naar een puur muzikale oplossing te leiden niet-muzikaal zijn enigszins kunstmatig. Wat betreft analogieën met literatuur, schilderkunst, enz., Ze kunnen alleen een aanzet geven tot het begrijpen van het muzikale beeld, maar het niet vervangen door iets anders. Het komt voor dat deze analogieën en parallellen zelfs enige schade toebrengen aan muziek – ze vereenvoudigen het … “Ik denk dat het beter is om de student uit te leggen wat je wilt met behulp van gezichtsuitdrukkingen, het gebaar van een dirigent en natuurlijk een live vertoning op het toetsenbord.

Je kunt echter op deze manier en op die manier lesgeven... Nogmaals, er kan in dit geval geen enkele en universele formule zijn.'

Hij komt voortdurend en hardnekkig terug op deze gedachte: er is niets ergers dan vooringenomenheid, dogmatisme, eendimensionaliteit in de benadering van kunst. “De wereld van de muziek, in het bijzonder uitvoering en pedagogie, is oneindig divers. Hier kunnen en moeten de meest uiteenlopende gebieden van waarde, artistieke waarheden en specifieke creatieve oplossingen volledig naast elkaar bestaan. Het komt voor dat sommige mensen zo redeneren: ik vind het leuk – het betekent dat het goed is; Als je het niet leuk vindt, dan is het zeker slecht. Dergelijke, om zo te zeggen, logica is mij diep vreemd. Ik probeer het mijn studenten ook vreemd te maken.”

… Hierboven sprak Bashkirov over het interne conflict van zijn leerling Dmitry Alekseev – conflict “in de beste zin van het woord”, wat “betekent vooruitgaan in ons beroep.” Degenen die Dmitry Alexandrovich goed kennen, zullen het erover eens zijn dat in de eerste plaats een dergelijk conflict bij hemzelf merkbaar is. Zij was het die, gecombineerd met een bekrompen strengheid jegens zichzelf (Eens, 7-8 jaar geleden, zei Bashkirov dat hij zichzelf zoiets als cijfers gaf voor uitvoeringen: “Punten, om de waarheid te zeggen, zijn meestal laag … Over een jaar zul je moet ik tientallen concerten geven. Ik ben op zijn best echt tevreden met een paar … "In dit verband komt onwillekeurig een episode in me op, waaraan GG Neuhaus graag terugdacht:" Leopold Godovsky, mijn glorieuze leraar, zei ooit tegen me: "Ik gaf in dit seizoen 83 concerten, en weet je met hoeveel ik tevreden was? - drie! (Neigauz GG Reflecties, herinneringen, dagboeken // Geselecteerde artikelen. Brieven aan ouders. P. 107).) – en hielp hem een ​​van de meest prominente figuren in het pianospel van zijn generatie te worden; zij is het die de kunstenaar ongetwijfeld nog veel meer creatieve ontdekkingen zal brengen.

G. Tsypin, 1990