Avet Rubenovich Terterian (Avet Terterian) |

Terteriaanse Avet

… Avet Terteryan is een componist voor wie symfonie een natuurlijk expressiemiddel is. K Meyer

Echt, er zijn dagen en momenten die psychologisch en emotioneel zwaarder wegen dan vele en vele jaren, een soort keerpunt in iemands leven worden, zijn lot, beroep bepalen. Voor een twaalfjarige jongen, later de beroemde Sovjetcomponist Avet Terteryan, werden de dagen van het verblijf van Sergei Prokofjev en zijn vrienden in het huis van Avets ouders, in Bakoe, eind 1941 zo kort, maar intens . Prokofjev's manier van zichzelf vasthouden, praten, openlijk zijn mening uiten, duidelijk duidelijk en elke dag beginnen met werken. En toen componeerde hij de opera "Oorlog en vrede", en 's ochtends raasden de verbluffende, schitterende muziekgeluiden uit de woonkamer, waar de piano stond.

De gasten vertrokken, maar een paar jaar later, toen de vraag rees om een ​​beroep te kiezen - of hij in de voetsporen van zijn vader zou treden naar een medische school of iets anders zou kiezen - besloot de jongeman resoluut - naar een muziekschool. Avet kreeg zijn primaire muzikale opvoeding van een familie die buitengewoon muzikaal was - zijn vader, een bekende laryngoloog in Bakoe, werd van tijd tot tijd uitgenodigd om de titelrollen te zingen in de opera's van P. Tsjaikovski en G. Verdi, zijn moeder een uitstekende dramatische sopraan had, werd zijn jongere broer Herman later dirigent.

De Armeense componist A. Satyan, de auteur van zeer populaire liederen in Armenië, evenals de bekende leraar G. Litinsky, adviseerden Terteryan in Bakoe sterk om naar Yerevan te gaan en serieus compositie te studeren. En al snel ging Avet naar het Yerevan Conservatorium, in de compositieklas van E. Mirzoyan. Tijdens zijn studie schreef hij de Sonate voor cello en piano, die werd bekroond op het republikeinse concours en bij de All-Union Review of Young Composers, romances on the words of Russian and Armeense dichters, het Quartet in C majeur, de vocaal-symfonische cyclus "Motherland" - een werk dat hem een ​​echt succes brengt, bekroond met de All-Union Prize op de Young Composers Competition in 1962, en een jaar later, onder leiding van A. Zhuraitis, klinkt het in de Hall of Kolommen.

Na het eerste succes volgden de eerste proeven in verband met de vocaal-symfonische cyclus genaamd "Revolution". De eerste uitvoering van het werk was tevens de laatste. Het werk was echter niet tevergeefs. De opmerkelijke verzen van de Armeense dichter, de zanger van de revolutie, Yeghishe Charents, spraken tot de verbeelding van de componist met hun krachtige kracht, historische klank, publicistische intensiteit. Het was toen, tijdens de periode van creatief falen, dat een intense accumulatie van krachten plaatsvond en het hoofdthema van creativiteit werd gevormd. Toen, op 35-jarige leeftijd, wist de componist het zeker - als je het niet hebt, moet je niet eens componeren, en in de toekomst zal hij het voordeel van deze opvatting bewijzen: zijn eigen, hoofdthema ... Het ontstond in de samensmelting van de concepten - Moederland en Revolutie, dialectisch bewustzijn van deze grootheden, dramatisch de aard van hun interactie. Het idee om een ​​opera te schrijven die doordrongen is van de hoge morele motieven van Charents' poëzie, deed de componist op zoek gaan naar een scherp revolutionair plot. De journalist V. Shakhnazaryan, aangetrokken om als librittist te werken, stelde al snel voor - het verhaal van B. Lavrenev "Forty-First". De actie van de opera werd overgebracht naar Armenië, waar in dezelfde jaren revolutionaire veldslagen gaande waren in de bergen van Zangezur. De helden waren een boerenmeisje en een luitenant van de voormalige pre-revolutionaire troepen. Charents' hartstochtelijke verzen werden in de opera gehoord door de lezer, in het koor en in solopartijen.

De opera kreeg een brede respons, werd erkend als een helder, getalenteerd, innovatief werk. Een paar jaar na de première in Yerevan (1967) werd het opgevoerd op het toneel van het theater in Halle (DDR) en in 1978 opende het het Internationale Festival van GF Handel, dat jaarlijks wordt gehouden in het thuisland van de componist.

Na het maken van de opera schrijft de componist 6 symfonieën. Vooral de mogelijkheid van filosofisch begrip in de symfonische ruimtes van dezelfde beelden, dezelfde thema's trekt hem aan. Dan verschijnen het ballet “Richard III” gebaseerd op W. Shakespeare, de opera “Earthquake” gebaseerd op het verhaal van de Duitse schrijver G. Kleist “Earthquake in Chile” en opnieuw verschijnen de symfonieën – Seventh, Eighth. Iedereen die minstens één keer aandachtig naar een symfonie van Terteryaia heeft geluisterd, zal zijn muziek later gemakkelijk herkennen. Het is specifiek, ruimtelijk, vraagt ​​om gerichte aandacht. Hier is elk opkomend geluid een beeld op zich, een idee, en we volgen met niet-aflatende aandacht zijn verdere beweging, als het lot van een held. De klankbeelden van de symfonieën bereiken bijna toneelexpressie: het geluidsmasker, de geluidsacteur, ook een poëtische metafoor, en we ontrafelen de betekenis ervan. De werken van Terteryan moedigen de luisteraar aan om hun innerlijke blik te richten op de ware waarden van het leven, op zijn eeuwige bronnen, om na te denken over de kwetsbaarheid van de wereld en haar schoonheid. Daarom blijken de poëtische hoogtepunten van Terterian's symfonieën en opera's altijd de eenvoudigste melodische frases van volksoorsprong te zijn, uitgevoerd door de stem, de meest natuurlijke instrumenten, of door volksinstrumenten. Zo klinkt het 2e deel van de Tweede symfonie – een monofone baritonimprovisatie; een aflevering uit de Derde Symfonie – een ensemble van twee duduks en twee zurns; de melodie van de kamancha die de hele cyclus van de Vijfde symfonie doordringt; dapa partij in de zevende; op de zesde piek zal er een koor zijn, waar in plaats van woorden de klanken van het Armeense alfabet "ayb, ben, gim, dan", enz. zijn als een soort symbool van verlichting en spiritualiteit. De eenvoudigste, zo lijkt het, symbolen, maar ze hebben een diepe betekenis. Hierin weerspiegelt het werk van Terteryan de kunst van kunstenaars als A. Tarkovsky en S. Parajanov. Waar gaan je symfonieën over? luisteraars vragen Terteryan. "Over alles", antwoordt de componist, zodat iedereen hun inhoud begrijpt.

De symfonieën van Terterian worden uitgevoerd op de meest prestigieuze internationale muziekfestivals - in Zagreb, waar elk voorjaar een recensie van hedendaagse muziek wordt gehouden, tijdens de "Warschau-herfst", in West-Berlijn. Ze klinken ook in ons land – in Jerevan, Moskou, Leningrad, Tbilisi, Minsk, Tallinn, Novosibirsk, Saratov, Tasjkent … Voor een dirigent biedt de muziek van Terteryan de mogelijkheid om zijn creatieve potentieel als muzikant op grote schaal te gebruiken. De uitvoerder lijkt hier deel uit te maken van het co-auteurschap. Een interessant detail: symfonieën, afhankelijk van de interpretatie, op het vermogen, zoals de componist zegt, om "naar het geluid te luisteren", kunnen verschillende tijden duren. Zijn Vierde symfonie klonk zowel 22 als 30 minuten, de Zevende – en 27 en 38! Zo'n actieve, creatieve samenwerking met de componist omvatte D. Khanjyan, een geweldige vertolker van zijn eerste 4 symfonieën. G. Rozhdestvensky, in wiens briljante uitvoering de Vierde en Vijfde klonken, A. Lazarev, in wiens uitvoering de Zesde symfonie indrukwekkend klinkt, geschreven voor kamerorkest, kamerkoor en 9 fonogrammen met een opname van een groot symfonieorkest, klavecimbels en bel klokkenspel.

Terteryans muziek nodigt de luisteraar ook uit tot medeplichtigheid. Het belangrijkste doel is om de spirituele inspanningen van zowel de componist, de uitvoerder als de luisteraar te verenigen in een onvermoeibare en moeilijke kennis van het leven.

M. Rukhkyan