Andrej Jakovlevich Eshpay |

Andrey Espay

Een enkele harmonie – een veranderende wereld … De stem van elke natie zou moeten klinken in de polyfonie van de planeet, en dit is mogelijk als een kunstenaar – schrijver, schilder, componist – zijn gedachten en gevoelens uitdrukt in zijn eigen beeldtaal. Hoe nationaler een kunstenaar is, hoe individueler hij is. A. Eshpay

In veel opzichten bepaalde de biografie van de kunstenaar zelf een eerbiedig tintje aan het origineel in de kunst. De vader van de componist, Y. Eshpay, een van de grondleggers van de professionele muziek van Mari, bracht zijn zoon liefde voor volkskunst bij met zijn onbaatzuchtige werk. Volgens A. Eshpay, “Vader was veelbetekenend, diepzinnig, intelligent en tactvol, heel bescheiden – een echte muzikant die in staat was tot zelfverloochening. Hij was een groot kenner van folklore en leek een stap opzij te zetten als auteur, omdat hij zijn plicht zag om mensen de schoonheid en grootsheid van het volksdenken over te brengen. Hij realiseerde zich dat het onmogelijk was om de pentatonische Mari-toonladder te passen ... in een ander harmonieus en onafhankelijk, maar vreemd aan volkskunstsysteem. Ik kan het origineel altijd herkennen aan het werk van mijn vader.”

A. Eshpay nam van kinds af aan de folklore van verschillende volkeren van de Wolga-regio in zich op, het hele lyrisch-epische systeem van de harde Oegrische regio. De oorlog werd een speciaal tragisch thema in het leven en werk van de componist - hij verloor zijn oudere broer, wiens nagedachtenis is opgedragen aan het prachtige lied "Moscovites" ("Oorbel met Malaya Bronna"), vrienden. In het verkenningspeloton nam Eshpay deel aan de bevrijding van Warschau, aan de operatie in Berlijn. De door de oorlog onderbroken muzieklessen werden hervat aan het conservatorium van Moskou, waar Eshpay compositie studeerde bij N. Rakov, N. Myaskovsky, E. Golubev en piano bij V. Sofronitsky. Hij voltooide zijn postdoctorale studie onder leiding van A. Khachaturian in 1956.

Op dat moment werden Symfonische dansen op Mari-thema's (1951), Hongaarse melodieën voor viool en orkest (1952), Eerste pianoconcert (1954, 2e editie - 1987), Eerste vioolconcert (1956) gemaakt. Deze werken brachten de componist grote bekendheid, openden de hoofdthema's van zijn werk, brak op creatieve wijze de voorschriften van zijn leraren. Het is kenmerkend dat Khachaturian, die hem volgens de componist een "voorliefde voor schaal" bijbracht, Eshpai's ideeën over het concertgenre grotendeels beïnvloedde.

Bijzonder kenmerkend is het Eerste Vioolconcert met zijn temperamentvolle explosiviteit, frisheid, directheid in het uiten van gevoelens, openlijk beroep op folk- en genrevocabulaire. Eshpay staat ook dicht bij Khachaturian met zijn liefde voor de stijl van M. Ravel, die vooral tot uiting kwam in zijn pianowerk (Eerste pianoconcert, Eerste pianosonatina - 1948). Harmonie, frisheid, emotionele aanstekelijkheid en coloristische vrijgevigheid verenigen ook deze meesters.

Het thema van Myaskovsky is een bijzonder onderdeel in het werk van Eshpay. Ethische posities, het beeld van een uitstekende Sovjetmuzikant, een echte bewaarder en hervormer van de traditie, bleken een ideaal te zijn voor zijn volgeling. De componist blijft trouw aan het voorschrift van Myaskovsky: "om oprecht te zijn, vurig voor kunst en je eigen lijn te leiden." Gedenkwerken ter nagedachtenis aan Myaskovsky worden geassocieerd met de naam van de leraar: Organ Passacaglia (1950), Variations for Orchestra on a Theme of Myaskovsky's Sixteenth Symphony (1966), Second Violin Concerto (1977), Altvioolconcert (1987-88), waarin het materiaal van het orgel Passacaglia werd gebruikt. Myaskovsky's invloed op Eshpay's houding ten opzichte van folklore was zeer significant: in navolging van zijn leraar kwam de componist tot een symbolische interpretatie van volksliederen, tot het samenkomen van verschillende traditionele lagen in de cultuur. De naam Myaskovsky wordt ook geassocieerd met een beroep op een andere zeer belangrijke traditie voor Eshpay, die in veel composities wordt herhaald, te beginnen met het ballet "Circle" ("Remember!" - 1979), - Znamenny zingen. Allereerst verpersoonlijkt het in de Vierde (1980), Vijfde (1986), Zesde (“Liturgische” Symfonie (1988), Koorconcert (1988) in de eerste plaats het harmonieuze, verlichte ethos-principe, de oorspronkelijke eigenschappen van nationaal zelfbewustzijn, de fundamentele principes van de Russische cultuur. Speciale betekenis krijgt een ander belangrijk thema in het werk van Eshpay - lyrisch. Geworteld in het traditionele, verandert het nooit in individualistische willekeur, zijn onvervreemdbare kwaliteiten worden benadrukt terughoudendheid en strengheid, objectiviteit in expressie, en vaak een direct verband met burgerlijke intonaties.

De oplossing van het militaire thema, de genres van het gedenkteken, het beroep op wisselende gebeurtenissen - of het nu gaat om oorlog, historische gedenkwaardige data - is eigenaardig, en de teksten zijn altijd aanwezig in hun begrip. Werken als de Eerste (1959), Tweede (1962) symfonieën, doordrenkt met licht (het opschrift van de Eerste - de woorden van V. Majakovski "We moeten vreugde ontworstelen aan de komende dagen", het opschrift van de Tweede - "Praise to the light"), legde de cantate "Lenin with us" (1968), die opvalt door zijn posterachtige aanstekelijkheid, retorische helderheid in uitdrukking en tegelijkertijd het mooiste lyrische landschap, de basis voor een originele stilistische versmelting van oratorisch en lyrisch, objectief en persoonlijk, belangrijk voor de belangrijkste werken van de componist. De eenheid van "huilen en glorie, medelijden en lof" (D. Likhachev), zo belangrijk voor de oude Russische cultuur, wordt voortgezet in verschillende genres. Bijzonder prominent zijn de Derde symfonie (In Memory of My Father, 1964), het Tweede Viool- en Altvioolconcert, een soort grote cyclus – de Vierde, Vijfde en Zesde symfonie, het koorconcert. Door de jaren heen krijgt de betekenis van het lyrische thema een symbolische en filosofische ondertoon, steeds meer zuivering van al het externe, subjectief-oppervlakkige, het gedenkteken is gekleed in de vorm van een parabel. Het is veelbetekenend om het lyrische thema te veranderen van de sprookjesachtige folklore en romantisch-heroïsche vertelling in het ballet Angara (1975) naar de algemene beeldtaal van het waarschuwingsballet Circle (Remember!). De universele betekenis van werken - inwijdingen met een tragische, soms treurige betekenis wordt steeds duidelijker. De verhoogde perceptie van het conflictkarakter van de moderne wereld en de gevoeligheid van de artistieke reactie op deze kwaliteit zijn consistent met de verantwoordelijkheid van de componist voor erfgoed en cultuur. De essentie van beelden is "Songs of the Mountain and Meadow Mari" (1983). Deze compositie werd samen met het Concerto voor hobo en orkest (1982) bekroond met de Leninprijs.

Objectief-lyrische intonatie en "koor"-geluid kleuren de interpretatie van het concertgenre, dat het individuele principe belichaamt. Uitgedrukt in verschillende vormen - een herdenking, een meditatieve actie, in de herschepping van folklore, in een beroep op een herdacht model van een oud concerto grosso, wordt dit thema consequent verdedigd door de componist. Tegelijkertijd ontwikkelt de componist in het concertgenre, net als in andere composities, speelse motieven, feestelijkheid, theatraliteit, lichtheid van kleur en de moedige energie van ritme. Dit is vooral merkbaar in de Concerto voor orkest (1966), Second Piano (1972), Hobo (1982). "Eén harmonie - een veranderende wereld" - deze woorden uit het ballet "Circle" zouden kunnen dienen als motto voor het werk van de meester. De overdracht van harmonieus, feestelijk in een conflicterende en gecompliceerde wereld is eigen aan de componist.

Gelijktijdig met de belichaming van het thema tradities, wendt Eshpay zich steevast tot het nieuwe en het onbekende. De organische combinatie van het traditionele en het vernieuwende is zowel inherent aan de opvattingen over het compositieproces als aan het werk van de componist zelf. De breedte en vrijheid bij het begrijpen van creatieve taken worden weerspiegeld in de benadering van genremateriaal. Het is bekend dat het jazzthema en de woordenschat een speciale plaats innemen in het werk van de componist. Jazz is voor hem in zekere zin de bewaarder van de muziek zelf, maar ook van de folklore. De componist besteedde veel aandacht aan het massalied en zijn problemen, lichte muziek, filmkunst, wat belangrijk is in termen van dramatisch en expressief potentieel, een bron van onafhankelijke ideeën. De wereld van muziek en de levende werkelijkheid verschijnen in een organische relatie: volgens de componist is "de wondere wereld van muziek niet gesloten, niet geïsoleerd, maar slechts een deel van het universum, wiens naam leven is."

M. Lobanova