Sergei Vasiljevitsj Rachmaninov |

Sergei Rachmaninov

En ik had een geboorteland; Hij is geweldig! A. Pleshcheev (van G. Heine)

Rachmaninov is gemaakt van staal en goud; Staal in zijn handen, goud in zijn hart. ik Hofman

"Ik ben een Russische componist en mijn vaderland heeft zijn stempel gedrukt op mijn karakter en mijn opvattingen." Deze woorden zijn van S. Rachmaninov, de grote componist, briljante pianist en dirigent. Alle belangrijke gebeurtenissen in het Russische sociale en artistieke leven werden weerspiegeld in zijn creatieve leven en lieten een onuitwisbare indruk achter. De vorming en bloei van het werk van Rachmaninov valt in de jaren 1890-1900, een tijd waarin de meest complexe processen plaatsvonden in de Russische cultuur, de spirituele pols klopte koortsachtig en nerveus. Het acuut lyrische gevoel van het tijdperk dat inherent is aan Rachmaninov werd steevast geassocieerd met het beeld van zijn geliefde moederland, met de oneindigheid van zijn uitgestrekte vlakten, de kracht en gewelddadige bekwaamheid van zijn elementaire krachten, de zachte kwetsbaarheid van de bloeiende lentenatuur.

Het talent van Rachmaninov manifesteerde zich vroeg en helder, hoewel hij tot zijn twaalfde niet veel ijver toonde voor systematische muzieklessen. Hij begon piano te leren spelen op 4-jarige leeftijd, in 1882 werd hij toegelaten tot het conservatorium van St. Petersburg, waar hij, aan zijn lot overgelaten, vrijwel rommelde, en in 1885 werd hij overgeplaatst naar het conservatorium van Moskou. Hier studeerde Rachmaninoff piano bij N. Zverev en daarna bij A. Siloti; in theoretische vakken en compositie - met S. Taneyev en A. Arensky. Samen met Zverev (1885-89) woonde hij in een pension en onderging hij een harde, maar zeer redelijke arbeidsdiscipline, die hem van een wanhopige luie en ondeugende persoon veranderde in een uitzonderlijk beheerste en wilskrachtige persoon. "Het beste dat in mij is, ben ik hem verschuldigd", zei Rachmaninov later over Zverev. Op het conservatorium werd Rachmaninoff sterk beïnvloed door de persoonlijkheid van P. Tsjaikovski, die op zijn beurt de ontwikkeling van zijn favoriete Seryozha volgde en na zijn afstuderen aan het conservatorium hielp bij het opvoeren van de opera Aleko in het Bolshoi Theater, wetende van zijn eigen trieste ervaring hoe moeilijk het is voor een beginnende muzikant om je eigen weg te banen.

Rachmaninov studeerde af aan het conservatorium in piano (1891) en compositie (1892) met een Grand Gold Medal. Tegen die tijd was hij al de auteur van verschillende composities, waaronder de beroemde Prelude in cis mineur, de romance "In the Silence of the Secret Night", het Eerste pianoconcert, de opera "Aleko", geschreven als afstudeerwerk in slechts 17 dagen! De Fantasy Pieces die volgden, op. 3 (1892), Elegiac Trio “In Memory of a Great Artist” (1893), Suite voor twee piano's (1893), Moments of Music op. 16 (1896), romances, symfonische werken – “The Cliff” (1893), Capriccio on Gypsy Themes (1894) – bevestigden de mening van Rachmaninov als een sterk, diep, origineel talent. De voor Rachmaninoff kenmerkende beelden en stemmingen komen in deze werken in een breed scala voor - van het tragische verdriet van het "Musical Moment" in B minor tot de hymnische apotheose van de romance "Spring Waters", van de harde spontane wilsdruk van de "Muzikaal moment" in e-mineur tot de mooiste aquarel van de romance "Island".

Het leven in deze jaren was moeilijk. Beslissend en krachtig in prestaties en creativiteit, was Rachmaninoff van nature een kwetsbaar persoon, die vaak aan zichzelf twijfelde. Gehinderd door materiële moeilijkheden, wereldse wanorde, ronddwalen in vreemde hoeken. En hoewel hij werd gesteund door mensen die dicht bij hem stonden, vooral de familie Satin, voelde hij zich eenzaam. De grote schok veroorzaakt door het mislukken van zijn Eerste symfonie, uitgevoerd in St. Petersburg in maart 1897, leidde tot een creatieve crisis. Jarenlang componeerde Rachmaninoff niets, maar zijn uitvoerende activiteit als pianist nam toe en hij debuteerde als dirigent bij de Moscow Private Opera (1897). Gedurende deze jaren ontmoette hij L. Tolstoj, A. Tsjechov, kunstenaars van het kunsttheater, begon een vriendschap met Fjodor Chaliapin, die Rachmaninov beschouwde als een van 'de meest krachtige, diepe en subtiele artistieke ervaringen'. In 1899 trad Rachmaninoff voor het eerst op in het buitenland (in Londen), en in 1900 bezocht hij Italië, waar schetsen van de toekomstige opera Francesca da Rimini verschenen. Een vreugdevolle gebeurtenis was de enscenering van de opera Aleko in St. Petersburg ter gelegenheid van de 100ste verjaardag van A. Pushkin met Chaliapin als Aleko. Zo werd geleidelijk aan een intern keerpunt voorbereid, en wel in het begin van de 1900e eeuw. er was een terugkeer naar creativiteit. De nieuwe eeuw begon met het Tweede pianoconcert, dat klonk als een machtig alarm. Tijdgenoten hoorden in hem de stem van de Tijd met zijn spanning, explosiviteit en een gevoel van naderende veranderingen. Nu het genre van het concert de leidende wordt, daarin worden de hoofdideeën belichaamd met de grootste volledigheid en inclusiviteit. Een nieuwe fase begint in het leven van Rachmaninov.

Algemene erkenning in Rusland en in het buitenland krijgt zijn activiteit als pianist en dirigent. 2 jaar (1904-06) Rachmaninov werkte als dirigent in het Bolshoi Theater en liet in zijn geschiedenis de herinnering aan de prachtige producties van Russische opera's achter. In 1907 nam hij deel aan de Russische Historische Concerten georganiseerd door S. Diaghilev in Parijs, in 1909 trad hij voor het eerst op in Amerika, waar hij zijn Derde pianoconcert speelde onder leiding van G. Mahler. Intense concertactiviteit in de steden van Rusland en in het buitenland werd gecombineerd met niet minder intense creativiteit, en in de muziek van dit decennium (in de cantate "Spring" - 1902, in de preludes op. 23, in de finale van de Tweede symfonie en het Derde Concerto) is er veel vurig enthousiasme en enthousiasme. En in composities als de romances "Lilac", "Hier is het goed", in de preludes in D majeur en G majeur klonk "de muziek van de zingende krachten van de natuur" met verbazingwekkende indringing.

Maar in dezelfde jaren worden ook andere stemmingen gevoeld. Trieste gedachten over het moederland en zijn toekomstig lot, filosofische reflecties over leven en dood leiden tot tragische beelden van de Eerste pianosonate, geïnspireerd door Goethe's Faust, het symfonisch gedicht "The Island of the Dead", gebaseerd op het schilderij van de Zwitserse kunstenaar A. Böcklin (1909), vele pagina's van het Derde Concerto, romances op. 26. Interne veranderingen werden vooral merkbaar na 1910. Als in het Derde Concerto de tragedie uiteindelijk wordt overwonnen en het concert eindigt met een jubelende apotheose, dan verdiept het zich in de werken die erop volgden voortdurend en brachten agressieve, vijandige beelden, sombere, depressieve stemmingen. De muzikale taal wordt complexer, de brede melodische adem die zo kenmerkend is voor Rachmaninov verdwijnt. Dat zijn het vocaal-symfonisch gedicht "The Bells" (op de st. E. Poe, vertaald door K. Balmont - 1913); romances op. 34 (1912) en op. 38 (1916); Etudes-schilderijen op. 39 (1917). Het was echter in die tijd dat Rachmaninoff werken creëerde met een hoge ethische betekenis, die de personificatie werden van blijvende spirituele schoonheid, het hoogtepunt van Rachmaninovs melodie - "Vocalise" en "All-Night Vigil" voor koor a capella (1915). “Van kinds af aan ben ik gefascineerd door de magnifieke melodieën van Oktoikh. Ik heb altijd het gevoel gehad dat er een speciale, speciale stijl nodig is voor hun koorverwerking, en het lijkt me dat ik die in de Vespers heb gevonden. Ik kan niet anders dan bekennen. dat de eerste uitvoering ervan door het Moscow Synodal Choir me een uur van het gelukkigste plezier bezorgde', herinnert Rachmaninov zich.

Op 24 december 1917 verlieten Rachmaninov en zijn gezin Rusland, zo bleek, voor altijd. Meer dan een kwart eeuw woonde hij in een vreemd land, in de VS, en deze periode was grotendeels gevuld met uitputtende concertactiviteit, onderworpen aan de wrede wetten van de muziekbusiness. Rachmaninov gebruikte een aanzienlijk deel van zijn honorarium om materiële steun te verlenen aan zijn landgenoten in het buitenland en in Rusland. Dus de hele collectie voor de uitvoering in april 1922 werd overgedragen aan de hongerigen in Rusland, en in de herfst van 1941 stuurde Rakhmaninov meer dan vierduizend dollar naar het hulpfonds van het Rode Leger.

In het buitenland leefde Rachmaninoff geïsoleerd en beperkte hij zijn vriendenkring tot immigranten uit Rusland. Een uitzondering werd alleen gemaakt voor de familie van F. Steinway, het hoofd van de pianofirma, met wie Rachmaninov vriendschappelijke betrekkingen onderhield.

De eerste jaren van zijn verblijf in het buitenland liet Rachmaninov de gedachte aan het verlies van creatieve inspiratie niet los. “Nadat ik Rusland had verlaten, verloor ik het verlangen om te componeren. Nadat ik mijn vaderland was kwijtgeraakt, verloor ik mezelf.” Slechts 8 jaar na zijn vertrek naar het buitenland keert Rachmaninov terug naar creativiteit, creëert het Vierde pianoconcert (1926), Drie Russische liederen voor koor en orkest (1926), Variaties op een thema van Corelli voor piano (1931), Rapsodie op een thema van Paganini (1934), Derde symfonie (1936), "Symfonische dansen" (1940). Deze werken zijn de laatste, hoogste opkomst van Rachmaninoff. Een treurig gevoel van onherstelbaar verlies, een brandend verlangen naar Rusland geeft aanleiding tot een kunst van enorme tragische kracht, die haar hoogtepunt bereikt in de Symfonische Dansen. En in de briljante Derde symfonie belichaamt Rachmaninoff voor de laatste keer het centrale thema van zijn werk: het beeld van het moederland. De streng geconcentreerde intense gedachte van de kunstenaar roept hem op uit de diepten van eeuwen, hij rijst op als een oneindig dierbare herinnering. In een complexe verweving van diverse thema's, afleveringen, ontstaat een breed perspectief, wordt een dramatisch epos over het lot van het vaderland nagebootst, eindigend met een zegevierende levensbevestiging. Dus door alle werken van Rachmaninoff draagt ​​​​hij de onschendbaarheid van zijn ethische principes, hoge spiritualiteit, trouw en onontkoombare liefde voor het moederland, waarvan de personificatie zijn kunst was.

O. Averyanova

• Museumlandgoed van Rachmaninov in Ivanovka →
• Pianowerken van Rachmaninoff →
• Symfonische werken van Rachmaninoff →
• Rachmaninovs kamer-instrumentale kunst →
• Operawerken van Rachmaninoff →
• Koorwerken van Rachmaninoff →
• Romances door Rachmaninoff →
• Rachmaninov-dirigent →

Kenmerken van creativiteit

Sergei Vasilyevich Rachmaninoff is samen met Scriabin een van de centrale figuren in de Russische muziek van de jaren 1900. Het werk van deze twee componisten trok bijzonder veel aandacht van tijdgenoten, ze voerden er heftige discussies over, scherpe gedrukte discussies begonnen rond hun individuele werken. Ondanks alle verschillen in het individuele uiterlijk en de figuratieve structuur van de muziek van Rachmaninov en Scriabin, verschenen hun namen in deze geschillen vaak naast elkaar en werden ze met elkaar vergeleken. Er waren puur externe redenen voor een dergelijke vergelijking: beiden waren leerlingen van het conservatorium van Moskou, die er bijna gelijktijdig afstudeerden en bij dezelfde leraren studeerden, beiden vielen onmiddellijk op tussen hun leeftijdsgenoten door de kracht en helderheid van hun talent, erkenning krijgend niet alleen als zeer getalenteerde componisten, maar ook als uitstekende pianisten.

Maar er waren ook veel dingen die hen scheidden en hen soms op verschillende flanken van het muzikale leven plaatsten. De gedurfde vernieuwer Scriabin, die nieuwe muzikale werelden opende, verzette zich tegen Rachmaninov als een meer traditioneel denkende kunstenaar die zijn werk baseerde op de solide fundamenten van het nationale klassieke erfgoed. "G. Rachmaninoff, schreef een van de critici, is de pijler waarrond alle kampioenen van de echte regie staan, al diegenen die de fundamenten koesteren die zijn gelegd door Moessorgski, Borodin, Rimski-Korsakov en Tsjaikovski.

Ondanks alle verschillen in de posities van Rachmaninov en Scriabin in hun hedendaagse muzikale realiteit, werden ze niet alleen samengebracht door de algemene voorwaarden voor de opvoeding en groei van een creatieve persoonlijkheid in hun jeugd, maar ook door enkele diepere kenmerken van gemeenschappelijkheid. . "Een rebels, rusteloos talent" - zo werd Rakhmaninov ooit in de pers gekarakteriseerd. Het was deze rusteloze impulsiviteit, de opwinding van de emotionele toon, kenmerkend voor het werk van beide componisten, die het aan het begin van de XNUMXe eeuw bijzonder geliefd maakte bij brede kringen van de Russische samenleving, met hun angstige verwachtingen, ambities en hoop .

"Scriabin en Rachmaninoff zijn de twee 'heersers van muzikale gedachten' van de moderne Russische muziekwereld <...> Nu delen ze onderling de hegemonie in de muzikale wereld", gaf LL Sabaneev toe, een van de meest ijverige apologeten voor de eerste en een even koppige tegenstander en tegenstander van de tweede. Een andere criticus, gematigder in zijn oordelen, schreef in een artikel gewijd aan een vergelijkende beschrijving van de drie meest prominente vertegenwoordigers van de Moskouse muziekschool, Taneyev, Rachmaninov en Scriabin: de toon van het moderne, koortsachtig intense leven. Beide zijn de beste verwachtingen van het moderne Rusland.”

Lange tijd domineerde de opvatting van Rachmaninoff als een van de naaste erfgenamen en opvolgers van Tsjaikovski. De invloed van de auteur van The Queen of Spades heeft ongetwijfeld een belangrijke rol gespeeld bij de vorming en ontwikkeling van zijn werk, wat heel natuurlijk is voor een afgestudeerde aan het conservatorium van Moskou, een student van AS Arensky en SI Taneyev. Tegelijkertijd zag hij ook enkele kenmerken van de componistenschool van 'Petersburg': de opgewonden lyriek van Tsjaikovski wordt in Rachmaninov gecombineerd met de harde epische grootsheid van Borodin, Moessorgski's diepe doordringing in het systeem van het oude Russische muzikale denken en de poëtische perceptie van de oorspronkelijke natuur van Rimsky-Korsakov. Alles wat hij van leraren en voorgangers leerde, werd echter grondig heroverwogen door de componist, gehoorzaam aan zijn sterke creatieve wil en verwierf een nieuw, volledig onafhankelijk individueel karakter. De zeer originele stijl van Rachmaninov heeft een grote interne integriteit en organisch karakter.

Als we naar parallellen met hem zoeken in de Russische artistieke cultuur van de eeuwwisseling, dan is dit in de eerste plaats de Tsjechov-Boenin-lijn in de literatuur, de lyrische landschappen van Levitan, Nesterov, Ostroukhov in de schilderkunst. Deze parallellen zijn herhaaldelijk opgemerkt door verschillende auteurs en zijn bijna stereotiep geworden. Het is bekend met welke vurige liefde en respect Rakhmaninov het werk en de persoonlijkheid van Tsjechov behandelde. Al in de latere jaren van zijn leven, toen hij de brieven van de schrijver las, had hij er spijt van dat hij hem in zijn tijd niet van dichterbij had ontmoet. De componist was jarenlang verbonden met Bunin door wederzijdse sympathie en gemeenschappelijke artistieke opvattingen. Ze werden samengebracht en verbonden door een hartstochtelijke liefde voor hun inheemse Russische aard, voor de tekenen van een eenvoudig leven dat al in de directe omgeving van een persoon vertrekt naar de wereld om hem heen, de poëtische houding van de wereld, gekleurd door diepe indringende lyriek, de dorst naar spirituele bevrijding en verlossing van de boeien die de vrijheid van de menselijke persoon beperken.

De inspiratiebron voor Rachmaninov was een verscheidenheid aan impulsen die voortkwamen uit het echte leven, de schoonheid van de natuur, beelden van literatuur en schilderkunst. "... Ik merk", zei hij, "dat muzikale ideeën gemakkelijker in mij worden geboren onder invloed van bepaalde buitenmuzikale indrukken." Maar tegelijkertijd streefde Rachmaninov niet zozeer naar een directe weerspiegeling van bepaalde fenomenen van de werkelijkheid door middel van muziek, naar het “schilderen in klanken”, maar naar de uitdrukking van zijn emotionele reactie, gevoelens en ervaringen die ontstaan ​​onder invloed van verschillende extern ontvangen indrukken. In die zin kunnen we over hem spreken als een van de meest opvallende en typische vertegenwoordigers van het poëtische realisme van de jaren 900, waarvan de belangrijkste trend met succes werd geformuleerd door VG Korolenko: “We weerspiegelen niet alleen fenomenen zoals ze zijn en doen geen illusie creëren uit een gril van een niet-bestaande wereld. We creëren of manifesteren een nieuwe relatie van de menselijke geest met de omringende wereld die in ons is geboren.

Een van de meest karakteristieke kenmerken van de muziek van Rachmaninov, die in de eerste plaats de aandacht trekt bij het leren kennen, is de meest expressieve melodie. Onder zijn tijdgenoten valt hij op door zijn vermogen om wijd en zich ontvouwende melodieën met een geweldige ademhaling te creëren, waarbij hij de schoonheid en plasticiteit van de tekening combineert met heldere en intense expressie. Melodisme, melodieusheid is de belangrijkste kwaliteit van de stijl van Rachmaninov, die grotendeels de aard van het harmonische denken van de componist en de textuur van zijn werken bepaalt, in de regel doordrenkt met onafhankelijke stemmen, ofwel naar de voorgrond treden, ofwel verdwijnen in een dichte, dichte geluid stof.

Rachmaninoff creëerde zijn eigen zeer speciale type melodie, gebaseerd op een combinatie van Tsjaikovski's karakteristieke technieken - intensieve dynamische melodische ontwikkeling met de methode van varianttransformaties, soepeler en rustiger uitgevoerd. Na een snelle start of een lange intense klim naar de top, bevriest de melodie als het ware op het bereikte niveau, keert steevast terug naar één lang gezongen geluid, of keert langzaam, met stijgende richels, terug naar de oorspronkelijke hoogte. De omgekeerde relatie is ook mogelijk, wanneer een min of meer lang verblijf in een beperkte hoogtezone plotseling wordt onderbroken door het verloop van de melodie gedurende een brede pauze, waardoor een tint scherpe lyrische expressie wordt geïntroduceerd.

In zo'n verwevenheid van dynamiek en statica ziet LA Mazel een van de meest karakteristieke trekken van Rachmaninovs melodie. Een andere onderzoeker hecht een meer algemene betekenis aan de verhouding van deze principes in het werk van Rachmaninov, wijzend op de afwisseling van momenten van 'remmen' en 'doorbreken' die ten grondslag liggen aan veel van zijn werken. (VP Bobrovsky drukt een soortgelijk idee uit en merkt op dat “het wonder van Rachmaninoffs individualiteit ligt in de unieke organische eenheid van twee tegengesteld gerichte tendensen en hun synthese alleen inherent aan hem” – een actieve aspiratie en een neiging om “lang te blijven bij wat is geweest bereikt.”). Een voorliefde voor contemplatieve lyriek, langdurige onderdompeling in iemands gemoedstoestand, alsof de componist de vluchtige tijd wilde stoppen, combineerde hij met een enorme, naar buiten stromende energie, een dorst naar actieve zelfbevestiging. Vandaar de kracht en scherpte van contrasten in zijn muziek. Hij probeerde elk gevoel, elke gemoedstoestand tot het uiterste uit te drukken.

In de vrij ontvouwende lyrische melodieën van Rachmaninov, met hun lange, ononderbroken adem, hoor je vaak iets dat lijkt op de 'onontkoombare' breedte van het Russische slepende volkslied. Tegelijkertijd was het verband tussen Rachmaninovs creativiteit en het schrijven van volksliederen echter van zeer indirecte aard. Slechts in zeldzame, geïsoleerde gevallen nam de componist zijn toevlucht tot het gebruik van echte volksmelodieën; hij streefde niet naar een directe gelijkenis van zijn eigen melodieën met volksmelodieën. "In Rachmaninov", merkt de auteur van een speciaal werk over zijn melodieën terecht op, "lijkt zelden direct een verband met bepaalde genres van volkskunst. Concreet lijkt het genre vaak op te lossen in het algemene 'gevoel' van de folk en is het niet, zoals bij zijn voorgangers, het cementerende begin van het hele proces van vormgeven en een muzikaal beeld worden. Herhaaldelijk is de aandacht gevestigd op zulke karakteristieke kenmerken van de melodie van Rachmaninov, die het dichter bij het Russische volkslied brengen, zoals vloeiende bewegingen met een overheersing van stapsgewijze bewegingen, diatoniek, een overvloed aan Frygische wendingen, enz. Diep en organisch geassimileerd door de componist worden deze kenmerken een onvervreemdbare eigenschap van de stijl van zijn individuele auteur en krijgen ze een speciale expressieve kleur die alleen hem eigen is.

De andere kant van deze stijl, even onweerstaanbaar indrukwekkend als de melodische rijkdom van Rachmaninovs muziek, is een ongewoon energiek, heerszuchtig overwinnend en tegelijkertijd flexibel, soms grillig ritme. Zowel tijdgenoten van de componist als latere onderzoekers schreven veel over dit specifieke Rachmaninoff-ritme, dat onwillekeurig de aandacht van de luisteraar trekt. Vaak is het het ritme dat de hoofdtoon van de muziek bepaalt. AV Ossovsky merkte in 1904 op met betrekking tot het laatste deel van de Tweede Suite voor twee piano's dat Rachmaninov daarin "niet bang was om de ritmische interesse van de Tarantella-vorm te verdiepen in een rusteloze en verduisterde ziel, niet vreemd aan aanvallen van een of ander soort demonisme op keer."

Ritme verschijnt in Rachmaninov als een drager van een effectief wilsprincipe dat het muzikale weefsel dynamiseert en een lyrische "vloed van gevoelens" introduceert in de hoofdstroom van een harmonieus architectonisch compleet geheel. BV Asafiev, die de rol van het ritmische principe in de werken van Rachmaninov en Tsjaikovski vergeleek, schreef: “In de laatste manifesteerde de fundamentele aard van zijn" rusteloze "symfonie zich echter met bijzondere kracht in de dramatische botsing van de thema's zelf. In de muziek van Rachmaninov blijkt de zeer gepassioneerde in zijn creatieve integriteit, de vereniging van het lyrisch-contemplatieve magazijn van gevoel met het wilskrachtige organisatorische magazijn van het 'ik' van de componist-uitvoerder die 'individuele sfeer' van persoonlijke contemplatie te zijn, die werd beheerst door ritme in de zin van de wilsfactor … “. Het ritmische patroon in Rachmaninov is altijd heel duidelijk omlijnd, ongeacht of het ritme eenvoudig is, gelijkmatig, zoals de zware, afgemeten beats van een grote bel, of complex, ingewikkeld bloemrijk. Favoriet bij de componist, vooral in de werken van de jaren 1910, geeft ritmische ostinato het ritme niet alleen vormende, maar in sommige gevallen ook thematische betekenis.

Op het gebied van harmonie ging Rachmaninoff niet verder dan het klassieke majeur-mineur systeem in de vorm die het kreeg in het werk van Europese romantische componisten, Tsjaikovski en vertegenwoordigers van het Mighty Handful. Zijn muziek is altijd tonaal gedefinieerd en stabiel, maar door gebruik te maken van de middelen van klassiek-romantische tonale harmonie, werd hij gekenmerkt door enkele karakteristieke kenmerken waardoor het niet moeilijk is om het auteurschap van een of andere compositie vast te stellen. Tot zulke bijzondere individuele kenmerken van Rachmaninovs harmonische taal behoren bijvoorbeeld de bekende traagheid van functionele beweging, de neiging om lang in één toonsoort te blijven en soms de verzwakking van de zwaartekracht. De aandacht wordt gevestigd op de overvloed aan complexe multi-tert-formaties, rijen niet- en undecimale akkoorden, die vaak een meer kleurrijke, fonische dan functionele betekenis hebben. De verbinding van dit soort complexe harmonieën wordt meestal uitgevoerd met behulp van melodische verbindingen. De dominantie van het melodisch-zangelement in de muziek van Rachmaninov bepaalt de hoge mate van polyfone verzadiging van het klankweefsel: individuele harmonische complexen ontstaan ​​voortdurend als gevolg van de vrije beweging van min of meer onafhankelijke 'zingende' stemmen.

Er is één favoriete harmonische wending van Rachmaninoff, die hij zo vaak gebruikte, vooral in de composities uit de vroege periode, dat hij zelfs de naam "Rachmaninov's harmonie" kreeg. Deze omzet is gebaseerd op een gereduceerd inleidend septiemakkoord van een harmonische mineur, meestal gebruikt in de vorm van een terzkvartakkord met de vervanging van II graad III en resolutie in een tonische drieklank in de melodische derde positie.

De overgang naar een gereduceerde kwart die in dit geval in de melodieuze stem ontstaat, roept een aangrijpend treurig gevoel op.

Als een van de opmerkelijke kenmerken van Rachmaninovs muziek merkten een aantal onderzoekers en waarnemers de overheersende kleine kleur op. Alle vier zijn pianoconcerten, drie symfonieën, beide pianosonates, de meeste etudes-plaatjes en vele andere composities zijn in mineur geschreven. Zelfs majeur krijgt vaak een kleine kleuring als gevolg van afnemende wijzigingen, toonafwijkingen en het wijdverbreide gebruik van kleine zijstappen. Maar weinig componisten hebben zo'n verscheidenheid aan nuances en niveaus van expressieve concentratie bereikt in het gebruik van de mineur-toonsoort. De opmerking van LE Gakkel dat in de etudes-paintings op. 39 "gezien het breedste scala van kleine kleuren van zijn, kleine schakeringen van levensgevoel" kan worden uitgebreid tot een aanzienlijk deel van al het werk van Rachmaninoff. Critici zoals Sabaneev, die een bevooroordeelde vijandigheid jegens Rachmaninov koesterde, noemden hem 'een intelligente zeurder', wiens muziek 'de tragische hulpeloosheid weerspiegelt van een man zonder wilskracht'. Ondertussen klinkt Rachmaninovs dichte 'donkere' minor vaak moedig, protesterend en vol enorme wilsspanning. En als treurige tonen door het oor worden opgevangen, dan is dit het "nobele verdriet" van de patriotkunstenaar, dat "gedempte gekreun over het geboorteland", dat door M. Gorky werd gehoord in sommige werken van Bunin. Net als deze schrijver die dicht bij hem in de geest stond, dacht Rachmaninov, in de woorden van Gorky, "aan Rusland als geheel", betreurde haar verliezen en ervoer angst voor het lot van de toekomst.

Het creatieve beeld van Rachmaninov in zijn belangrijkste kenmerken bleef integraal en stabiel gedurende de reis van een halve eeuw van de componist, zonder scherpe breuken en veranderingen te ervaren. Esthetische en stilistische principes, geleerd in zijn jeugd, bleef hij trouw aan de laatste jaren van zijn leven. Toch kunnen we in zijn werk een zekere evolutie waarnemen, die zich niet alleen manifesteert in de groei van vaardigheid, verrijking van het klankpalet, maar ook gedeeltelijk de figuratieve en expressieve structuur van muziek aantast. Op dit pad worden drie grote, hoewel ongelijke perioden, zowel qua duur als qua productiviteit, duidelijk afgebakend. Ze worden van elkaar gescheiden door min of meer langdurige tijdelijke caesuren, banden van twijfel, reflectie en aarzeling, wanneer er geen enkel voltooid werk uit de pen van de componist kwam. De eerste periode, die in de jaren 90 van de XNUMXe eeuw valt, kan een tijd van creatieve ontwikkeling en rijping van talent worden genoemd, die op jonge leeftijd zijn weg baande door natuurlijke invloeden te overwinnen. De werken uit deze periode zijn vaak nog niet zelfstandig genoeg, onvolmaakt van vorm en textuur. (Sommige ervan (Eerste Pianoconcert, Elegisch Trio, pianostukken: Melodie, Serenade, Humoresque) werden later door de componist herzien en hun textuur werd verrijkt en ontwikkeld.), hoewel in een aantal van hun pagina's (de beste momenten van de jeugdige opera "Aleko", het Elegiac Trio ter nagedachtenis aan PI Tsjaikovski, de beroemde prelude in cis mineur, enkele van de muzikale momenten en romances), de individualiteit van de componist is al met voldoende zekerheid onthuld.

Een onverwachte pauze komt in 1897, na de mislukte uitvoering van Rachmaninovs Eerste symfonie, een werk waarin de componist veel werk en spirituele energie heeft gestoken, dat door de meeste musici verkeerd werd begrepen en op de pagina's van de pers bijna unaniem werd veroordeeld, zelfs belachelijk gemaakt. door enkele critici. Het mislukken van de symfonie veroorzaakte een diep mentaal trauma bij Rachmaninoff; volgens zijn eigen, latere bekentenis was hij 'als een man die een beroerte kreeg en lange tijd zowel zijn hoofd als zijn handen verloor'. De volgende drie jaar waren jaren van bijna volledige creatieve stilte, maar tegelijkertijd geconcentreerde reflecties, een kritische herbeoordeling van alles wat eerder was gedaan. Het resultaat van dit intense interne werk van de componist aan zichzelf was een ongewoon intense en heldere creatieve opleving aan het begin van de nieuwe eeuw.

Tijdens de eerste drie of vier jaar van de 23e eeuw creëerde Rakhmaninov een aantal werken van verschillende genres, opmerkelijk vanwege hun diepe poëzie, frisheid en directheid van inspiratie, waarin de rijkdom van creatieve verbeeldingskracht en de originaliteit van het "handschrift" van de auteur worden gecombineerd met hoogwaardig afgewerkt vakmanschap. Onder hen zijn het Tweede Pianoconcert, de Tweede Suite voor twee piano's, de sonate voor cello en piano, de cantate "Spring", Ten Preludes op. XNUMX, de opera "Francesca da Rimini", enkele van de beste voorbeelden van Rachmaninovs vocale teksten ("Lilac", "Excerpt from A. Musset"), Deze reeks werken vestigde de positie van Rachmaninoff als een van de grootste en meest interessante Russische componisten van onze tijd, waardoor hij een brede erkenning kreeg in de kringen van de artistieke intelligentsia en onder de massa's luisteraars.

Een relatief korte periode van 1901 tot 1917 was de meest vruchtbare in zijn werk: gedurende dit anderhalf decennium werden de meeste volwassen, onafhankelijke werken van Rachmaninov geschreven, die een integraal onderdeel werden van de nationale muziekklassiekers. Bijna elk jaar kwamen er nieuwe werken, waarvan de verschijning een opmerkelijke gebeurtenis in het muziekleven werd. Met de onophoudelijke creatieve activiteit van Rachmaninoff bleef zijn werk in deze periode niet ongewijzigd: aan het begin van de eerste twee decennia zijn er symptomen van een brouwverschuiving merkbaar. Zonder zijn algemene "algemene" kwaliteiten te verliezen, wordt het strenger van toon, verontrustende stemmingen worden intenser, terwijl de directe uitstorting van lyrisch gevoel lijkt te vertragen, lichte transparante kleuren verschijnen minder vaak op het klankpalet van de componist, de algehele kleur van de muziek verdonkert en verdikt. Deze veranderingen zijn merkbaar in de tweede reeks pianopreludes, op. 32, twee cycli van etudes-schilderijen, en vooral monumentale grote composities als "The Bells" en "All-Night Vigil", die diepe, fundamentele vragen over het menselijk bestaan ​​en het levensdoel van een persoon naar voren brachten.

De evolutie die Rachmaninov doormaakte, ontsnapte niet aan de aandacht van zijn tijdgenoten. Een van de critici schreef over The Bells: “Rakhmaninov lijkt op zoek te zijn gegaan naar nieuwe stemmingen, een nieuwe manier om zijn gedachten uit te drukken... Je voelt hier de herboren nieuwe stijl van Rachmaninov, die niets gemeen heeft met de stijl van Tsjaikovski. ”

Na 1917 begint een nieuwe breuk in het werk van Rachmaninov, deze keer veel langer dan de vorige. Pas na een heel decennium keerde de componist terug naar het componeren van muziek, nadat hij drie Russische volksliederen voor koor en orkest had gearrangeerd en het Vierde pianoconcert had voltooid, waarmee hij aan de vooravond van de Eerste Wereldoorlog was begonnen. In de jaren 30 schreef hij er (op enkele concerttranscripties voor piano na) er echter maar vier van betekenis in termen van het idee van grote werken.

* * *

In een omgeving van complexe, vaak tegenstrijdige zoektochten, een scherpe, intense strijd van richtingen, een ineenstorting van de gebruikelijke vormen van artistiek bewustzijn die de ontwikkeling van muziekkunst in de eerste helft van de XNUMXe eeuw kenmerkten, bleef Rachmaninoff trouw aan de grote klassieke tradities van Russische muziek van Glinka tot Borodin, Mussorgsky, Tchaikovsky, Rimsky-Korsakov en hun naaste, directe studenten en volgelingen van Taneyev, Glazunov. Maar hij beperkte zich niet tot de rol van bewaker van deze tradities, maar nam ze actief en creatief waar, en bevestigde hun levende, onuitputtelijke kracht, het vermogen tot verdere ontwikkeling en verrijking. Een gevoelige, beïnvloedbare kunstenaar, Rachmaninov bleef, ondanks zijn vasthouden aan de voorschriften van de klassiekers, niet doof voor de roep van de moderniteit. In zijn houding ten opzichte van de nieuwe stilistische trends van de XNUMXe eeuw was er niet alleen een moment van confrontatie, maar ook van een zekere interactie.

Over een periode van een halve eeuw heeft het werk van Rachmaninov een belangrijke evolutie ondergaan, en de werken van niet alleen de jaren 1930, maar ook de jaren 1910 verschillen aanzienlijk, zowel in hun figuratieve structuur als in taal, middelen van muzikale expressie van de vroege, nog niet volledig onafhankelijk opussen van het einde van de vorige. eeuwen. In sommige ervan komt de componist in aanraking met het impressionisme, symbolisme, neoclassicisme, hoewel hij op een zeer eigenaardige manier de elementen van deze trends individueel waarneemt. Met alle veranderingen en wendingen bleef het creatieve imago van Rachmaninov intern zeer integraal, met behoud van die fundamentele, bepalende kenmerken waaraan zijn muziek zijn populariteit te danken heeft aan het breedste scala aan luisteraars: gepassioneerde, boeiende lyriek, waarheidsgetrouwheid en oprechtheid van expressie, poëtische visie op de wereld .

Ja. Kom op

Rachmaninoff dirigent

Rachmaninov ging niet alleen de geschiedenis in als componist en pianist, maar ook als een uitstekende dirigent van onze tijd, hoewel deze kant van zijn activiteit niet zo lang en intens was.

Rachmaninov maakte zijn debuut als dirigent in de herfst van 1897 bij de Mamontov Private Opera in Moskou. Voordien hoefde hij geen orkest te leiden en dirigent te studeren, maar het briljante talent van de muzikant hielp Rachmaninoff snel de geheimen van meesterschap te leren kennen. Het volstaat eraan te herinneren dat hij de eerste repetitie amper afmaakte: hij wist niet dat de zangers de inleidingen moesten aangeven; en een paar dagen later had Rachmaninov zijn werk al perfect gedaan door Saint-Saens' opera Samson en Delilah te dirigeren.

"Het jaar van mijn verblijf in de Mamontov-opera was van groot belang voor mij", schreef hij. “Daar heb ik een echte dirigententechniek geleerd, waar ik later enorm veel aan heb gehad.” Tijdens het werkseizoen als tweede dirigent van het theater dirigeerde Rachmaninov vijfentwintig uitvoeringen van negen opera's: "Samson en Delilah", "Mermaid", "Carmen", "Orpheus" van Gluck, "Rogneda" van Serov, " Mignon" van Tom, "Askold's Grave", "The Enemy strength", "May night". De pers merkte onmiddellijk de helderheid van de stijl van zijn dirigent op, de natuurlijkheid, het gebrek aan houding, een ijzeren gevoel voor ritme dat werd overgedragen op de uitvoerders, een delicate smaak en een geweldig gevoel voor orkestrale kleuren. Met het opdoen van ervaring begonnen deze kenmerken van Rachmaninoff als muzikant zich ten volle te manifesteren, aangevuld met vertrouwen en autoriteit in het werken met solisten, koor en orkest.

In de daaropvolgende jaren dirigeerde Rachmaninoff, die zich bezighield met compositie en pianistische activiteit, slechts af en toe. De bloeitijd van zijn dirigeertalent valt in de periode 1904-1915. Sinds twee seizoenen werkt hij in het Bolshoi Theater, waar zijn interpretatie van Russische opera's bijzonder veel succes kent. Historische gebeurtenissen in het leven van het theater worden door critici de jubileumvoorstelling van Ivan Susanin genoemd, die hij dirigeerde ter ere van de honderdste verjaardag van de geboorte van Glinka, en Tsjaikovski's Week, waarin Rachmaninov The Queen of Spades, Eugene Onegin, Oprichnik dirigeerde. en balletten.

Later regisseerde Rachmaninov de uitvoering van The Queen of Spades in St. Petersburg; recensenten waren het erover eens dat hij het was die als eerste de hele tragische betekenis van de opera begreep en aan het publiek overbracht. Tot de creatieve successen van Rachmaninov in het Bolshoi Theater behoren ook zijn productie van Rimsky-Korsakovs Pan Voevoda en zijn eigen opera's The Miserly Knight en Francesca da Rimini.

Op het symfoniepodium bewees Rachmaninov vanaf de allereerste concerten dat hij een complete meester van een enorme schaal was. De bijnaam "briljant" ging zeker gepaard met recensies van zijn uitvoeringen als dirigent. Meestal verscheen Rachmaninoff op de tribune van de dirigent in concerten van de Moscow Philharmonic Society, evenals met de orkesten Siloti en Koussevitzky. In 1907-1913 dirigeerde hij veel in het buitenland – in de steden Frankrijk, Nederland, VS, Engeland, Duitsland.

Rachmaninovs repertoire als dirigent was in die jaren ongewoon veelzijdig. Hij wist door te dringen in de meest uiteenlopende stijlen en karakters van het werk. Natuurlijk stond Russische muziek hem het dichtst bij. Hij herleefde op het podium Borodins Bogatyr-symfonie, tegen die tijd bijna vergeten, droeg bij aan de populariteit van Lyadovs miniaturen, die hij met uitzonderlijke schittering uitvoerde. Zijn interpretatie van Tsjaikovski's muziek (vooral de 4e en 5e symfonie) werd gekenmerkt door buitengewone betekenis en diepgang; in de werken van Rimsky-Korsakov was hij in staat om het helderste kleurengamma voor het publiek te ontvouwen, en in de symfonieën van Borodin en Glazunov betoverde hij het publiek met epische breedte en dramatische integriteit van interpretatie.

Een van de hoogtepunten van Rachmaninovs dirigeerkunst was de vertolking van Mozarts G-mineur symfonie. De criticus Wolfing schreef: “Wat betekenen veel geschreven en gedrukte symfonieën vóór Rachmaninovs uitvoering van Mozarts g-moll-symfonie! … Het Russische artistieke genie transformeerde en toonde voor de tweede keer de artistieke aard van de auteur van deze symfonie. We kunnen niet alleen praten over Mozart van Poesjkin, maar ook over Mozart van Rachmaninov…”

Daarnaast vinden we veel romantische muziek in de programma's van Rachmaninov – bijvoorbeeld Berlioz' Fantastic Symphony, de symfonieën van Mendelssohn en Franck, Webers Oberon-ouverture en fragmenten uit Wagners opera's, Liszts gedicht en Griegs Lyric Suite… En daarnaast – een prachtige uitvoering moderne auteurs – symfonische gedichten van R. Strauss, werken van de impressionisten: Debussy, Ravel, Roger-Ducasse … En natuurlijk was Rachmaninov een onovertroffen vertolker van zijn eigen symfonische composities. De bekende Sovjet-musicoloog V. Yakovlev, die Rachmaninov meer dan eens hoorde, herinnert zich: “Niet alleen het publiek en critici, ervaren orkestleden, professoren, kunstenaars erkenden zijn leiderschap als het hoogste punt in deze kunst … Zijn werkmethoden waren niet zozeer gereduceerd tot een show, maar tot losse opmerkingen, gemene verklaringen, vaak zong hij of legde hij op de een of andere manier uit wat hij eerder had overwogen. Iedereen die bij zijn concerten aanwezig was, herinnert zich die brede, karakteristieke gebaren van de hele hand, niet alleen afkomstig van het penseel; soms werden deze gebaren van hem door de orkestleden overdreven gevonden, maar ze waren hem bekend en begrepen door hen. Er was geen kunstmatigheid in bewegingen, poses, geen effect, geen handtekening. Er was een grenzeloze passie, voorafgegaan door nadenken, analyse, begrip en inzicht in de stijl van de artiest.

Laten we hieraan toevoegen dat de dirigent Rachmaninoff ook een onovertroffen ensemblespeler was; solisten in zijn concerten waren artiesten als Taneyev, Scriabin, Siloti, Hoffmann, Casals, en in operavoorstellingen Chaliapin, Nezhdanova, Sobinov ...

Na 1913 weigerde Rachmaninoff werken van andere auteurs uit te voeren en dirigeerde hij alleen zijn eigen composities. Pas in 1915 week hij van deze regel af door een concert te dirigeren ter nagedachtenis aan Skrjabin. Maar zelfs later was zijn reputatie als dirigent over de hele wereld ongewoon hoog. Het volstaat te zeggen dat hij onmiddellijk na aankomst in de Verenigde Staten in 1918 de leiding kreeg van de grootste orkesten van het land - in Boston en Cincinnati. Maar op dat moment kon hij geen tijd meer besteden aan dirigeren, gedwongen om intense concertactiviteiten als pianist uit te voeren.

Pas in de herfst van 1939, toen in New York een cyclus van concerten van Rachmaninovs werken werd georganiseerd, stemde de componist ermee in om er een te dirigeren. Het Philadelphia Orchestra voerde vervolgens de Derde symfonie en de klokken uit. Hij herhaalde hetzelfde programma in 1941 in Chicago en een jaar later regisseerde hij de uitvoering van "Isle of the Dead" en "Symphonic Dances" in Egan Arbor. Criticus O. Daune schreef: “Rakhmaninov bewees dat hij dezelfde vaardigheid en controle over uitvoering, muzikaliteit en creatieve kracht heeft als hij het orkest leidt, wat hij laat zien als hij piano speelt. Het karakter en de stijl van zijn spel, evenals zijn dirigeren, maken indruk met kalmte en vertrouwen. Het is dezelfde volledige afwezigheid van uiterlijk vertoon, hetzelfde gevoel van waardigheid en duidelijke terughoudendheid, dezelfde bewonderenswaardige heerszuchtige kracht. De opnames van The Island of the Dead, Vocalise en de Derde symfonie die destijds zijn gemaakt, hebben voor ons het bewijs bewaard van de dirigeerkunst van de briljante Russische muzikant.

L. Grigoriev, J. Platek