Leonid Kogan |

Leonid Kogan

Kogan's kunst is bekend, gewaardeerd en geliefd in bijna alle landen van de wereld - in Europa en Azië, in de VS en Canada, Zuid-Amerika en Australië.

Kogan is een sterk, dramatisch talent. Van nature en artistieke individualiteit is hij het tegenovergestelde van Oistrakh. Samen vormen ze als het ware de tegenovergestelde polen van de Sovjet-vioolschool, wat de 'lengte' illustreert in termen van stijl en esthetiek. Met stormachtige dynamiek, pathetische opgetogenheid, benadrukt conflict, gedurfde contrasten, lijkt Kogans spel verrassend in overeenstemming met onze tijd. Deze kunstenaar is scherp modern, leeft met de onrust van vandaag en weerspiegelt gevoelig de ervaringen en angsten van de wereld om hem heen. Als close-upperformer, vreemd aan gladheid, lijkt Kogan te streven naar conflicten en compromissen resoluut af te wijzen. In de dynamiek van het spel, in scherpe accenten, in het extatische drama van intonatie is hij verwant aan Heifetz.

Recensies zeggen vaak dat Kogan even toegankelijk is voor de heldere beelden van Mozart, de heldhaftigheid en tragische pathos van Beethoven, en de sappige schittering van Khachaturian. Maar om dat te zeggen, zonder de kenmerken van de uitvoering te verduisteren, betekent de individualiteit van de kunstenaar niet te zien. Met betrekking tot Kogan is dit vooral onaanvaardbaar. Kogan is een kunstenaar van de helderste individualiteit. In zijn spel, met een uitzonderlijk gevoel voor de stijl van de muziek die hij uitvoert, boeit iets unieks van hem, "Kogan's", altijd, zijn handschrift is stevig, resoluut en geeft een duidelijk reliëf aan elke zin, de contouren van melos.

Opvallend is het ritme in Kogans spel, dat voor hem een ​​krachtig dramatisch instrument is. Gejaagd, vol leven, "zenuw" en "tonale" spanning, Kogan's ritme construeert echt de vorm, geeft het artistieke volledigheid en geeft kracht en wil aan de ontwikkeling van muziek. Ritme is de ziel, het leven van het werk. Ritme zelf is zowel een muzikale frase als iets waarmee we de esthetische behoeften van het publiek bevredigen, waarmee we het beïnvloeden. Zowel het karakter van het idee als het beeld – alles wordt uitgevoerd door middel van ritme”, spreekt Kogan zelf over ritme.

In elke recensie van Kogans spel vallen de daadkracht, mannelijkheid, emotionaliteit en dramatiek van zijn kunst steevast op de eerste plaats op. "Kogan's optreden is een opgewonden, assertieve, gepassioneerde vertelling, een toespraak die gespannen en gepassioneerd verloopt." "Kogan's optreden valt op met innerlijke kracht, warme emotionele intensiteit en tegelijkertijd met zachtheid en een verscheidenheid aan tinten", dit zijn de gebruikelijke kenmerken.

Kogan is ongebruikelijk voor filosofie en reflectie, gebruikelijk bij veel hedendaagse artiesten. Hij probeert in muziek vooral de dramatische effectiviteit en emotionaliteit ervan te onthullen en daarmee de innerlijke filosofische betekenis te benaderen. Hoe onthullend in deze zin zijn zijn eigen woorden over Bach: "Er is veel meer warmte en menselijkheid in hem", zegt Kogan, dan experts soms denken, waarbij hij zich Bach voorstelt als "de grote filosoof van de XNUMXe eeuw." Ik zou de kans niet willen missen om zijn muziek emotioneel over te brengen, zoals het verdient.

Kogan heeft de rijkste artistieke verbeeldingskracht, die voortkomt uit de directe ervaring van muziek: “Elke keer ontdekt hij in het werk nog schijnbaar onbekende schoonheid en gelooft hij erin voor de luisteraars. Het lijkt er dus op dat Kogan geen muziek uitvoert, maar als het ware opnieuw maakt.

Pathetiek, temperament, opvliegende, impulsieve emotionaliteit en romantische fantasie weerhouden Kogans kunst er niet van uiterst eenvoudig en streng te zijn. Zijn spel is verstoken van pretentie, maniertjes en vooral sentimentaliteit, het is moedig in de volle zin van het woord. Kogan is een artiest met een verbazingwekkende mentale gezondheid, een optimistische kijk op het leven, wat merkbaar is in zijn uitvoering van de meest tragische muziek.

Doorgaans onderscheiden Kogans biografen twee periodes van zijn creatieve ontwikkeling: de eerste met een focus voornamelijk op virtuoze literatuur (Paganini, Ernst, Venyavsky, Vietanne) en de tweede met een hernieuwde nadruk op een breed scala aan klassieke en moderne vioolliteratuur , met behoud van een virtuoze uitvoeringslijn.

Kogan is een virtuoos van de hoogste orde. Paganini's eerste concerto (in de auteurseditie met E. Sore's zelden gespeelde moeilijkste cadens), zijn 24 capricci die op één avond werden gespeeld, getuigen van een meesterschap dat slechts weinigen in de wereldvioolinterpretatie bereiken. Tijdens de vormingsperiode, zegt Kogan, werd ik sterk beïnvloed door de werken van Paganini. “Ze speelden een belangrijke rol bij het aanpassen van de linkerhand aan de toets, bij het begrijpen van vingertechnieken die niet 'traditioneel' waren. Ik speel met mijn eigen speciale vingerzetting, die afwijkt van de algemeen aanvaarde. En dat doe ik vanuit de klankkleurmogelijkheden van de viool en frasering, al is hier vaak niet alles methodisch acceptabel.”

Maar noch in het verleden, noch in het heden was Kogan dol op “pure” virtuositeit. “Een briljante virtuoos, die zelfs in zijn kindertijd en jeugd een enorme techniek beheerste, groeide op en groeide harmonieus op. Hij begreep de wijze waarheid dat de meest duizelingwekkende techniek en het ideaal van hoge kunst niet identiek zijn, en dat de eerste "in dienst" moet staan ​​van de tweede. In zijn uitvoering kreeg Paganini's muziek een ongekend drama. Kogan voelt perfect de "componenten" van het creatieve werk van de briljante Italiaan - een levendige romantische fantasie; contrasten van melos, gevuld met gebed en verdriet, of met oratorische pathos; karakteristieke improvisatie, kenmerken van dramaturgie met climaxen die de grens van emotionele stress bereiken. Kogan en virtuositeit gingen "in de diepten" van de muziek, en daarom kwam het begin van de tweede periode als een natuurlijke voortzetting van de eerste. Het pad van de artistieke ontwikkeling van de violist was eigenlijk al veel eerder bepaald.

Kogan werd geboren op 14 november 1924 in Dnepropetrovsk. Hij begon op zevenjarige leeftijd viool te leren spelen op een plaatselijke muziekschool. Zijn eerste leraar was F. Yampolsky, bij wie hij drie jaar studeerde. In 1934 werd Kogan naar Moskou gebracht. Hier werd hij toegelaten tot een speciale kindergroep van het conservatorium van Moskou, in de klas van professor A. Yampolsky. In 1935 vormde deze groep de belangrijkste kern van de pas geopende Centrale Kindermuziekschool van het Staatsconservatorium van Moskou.

Kogan's talent trok meteen de aandacht. Yampolsky onderscheidde hem van al zijn leerlingen. De professor was zo gepassioneerd en gehecht aan Kogan dat hij hem bij hem thuis vestigde. Constante communicatie met de leraar gaf veel aan de toekomstige kunstenaar. Hij had de mogelijkheid om zijn advies elke dag te gebruiken, niet alleen in de klas, maar ook tijdens het huiswerk. Kogan keek nieuwsgierig naar Yampolsky's methoden in zijn werk met studenten, wat later een heilzaam effect had in zijn eigen lespraktijk. Yampolsky, een van de uitmuntende Sovjet-opvoeders, ontwikkelde in Kogan niet alleen de briljante techniek en virtuositeit die het moderne, zo verfijnde publiek versteld doen staan, maar legde hem ook hoge prestatieprincipes op. Het belangrijkste is dat de leraar de persoonlijkheid van de student correct heeft gevormd, ofwel de impulsen van zijn eigenzinnige aard in bedwang houdt of zijn activiteit aanmoedigt. Al in de jaren van studie in Kogan werd een neiging tot een grote concertstijl, monumentaliteit, dramatische wilskracht, moedige magazijn van het spel onthuld.

Ze begonnen al snel over Kogan te praten in muzikale kringen - letterlijk na het allereerste optreden op het festival van studenten van kindermuziekscholen in 1937. Yampolsky maakte van elke gelegenheid gebruik om concerten van zijn favoriet te geven, en al in 1940 speelde Kogan het Brahms Concerto voor de eerste keer met het orkest. Tegen de tijd dat hij naar het conservatorium van Moskou ging (1943), was Kogan een begrip in muzikale kringen.

In 1944 werd hij solist van de Moscow Philharmonic en maakte hij concertreizen door het hele land. De oorlog is nog niet voorbij, maar hij is al op weg naar Leningrad, dat net van de blokkade is bevrijd. Hij treedt op in Kiev, Charkov, Odessa, Lvov, Chernivtsi, Bakoe, Tbilisi, Yerevan, Riga, Tallinn, Voronezh, de steden van Siberië en het Verre Oosten, tot aan Ulaanbaatar. Zijn virtuositeit en opvallende artisticiteit verbazen, boeien, prikkelen luisteraars overal.

In de herfst van 1947 nam Kogan deel aan het I World Festival of Democratic Youth in Praag en won (samen met Y. Sitkovetsky en I. Bezrodny) de eerste prijs; in het voorjaar van 1948 studeerde hij af aan het conservatorium en in 1949 ging hij naar de graduate school.

Postdoctorale studie onthult een ander kenmerk van Kogan: de wens om uitgevoerde muziek te bestuderen. Hij speelt niet alleen, maar schrijft een proefschrift over het werk van Henryk Wieniawski en neemt dit werk uiterst serieus.

In het allereerste jaar van zijn postdoctorale studie verbaasde Kogan zijn luisteraars met de uitvoering van 24 Paganini Capricci op één avond. De interesses van de kunstenaar in deze periode zijn gericht op virtuoze literatuur en meesters van virtuoze kunst.

De volgende fase in het leven van Kogan was de Koningin Elizabethwedstrijd in Brussel, die plaatsvond in mei 1951. De wereldpers sprak over Kogan en Vayman, die de eerste en tweede prijs ontvingen, evenals die met gouden medailles. Na de fenomenale overwinning van de Sovjetviolisten in 1937 in Brussel, die Oistrakh nomineerden tot de eerste violisten ter wereld, was dit misschien wel de meest briljante overwinning van het Sovjet "vioolwapen".

In maart 1955 ging Kogan naar Parijs. Zijn optreden wordt beschouwd als een belangrijke gebeurtenis in het muzikale leven van de Franse hoofdstad. "Nu zijn er maar weinig artiesten over de hele wereld die zich met Kogan kunnen vergelijken in termen van de technische perfectie van de uitvoering en de rijkdom van zijn klankpalet", schreef de criticus van de krant "Nouvelle Litterer". In Parijs kocht Kogan een prachtige Guarneri del Gesu-viool (1726), die hij sindsdien bespeelt.

Kogan gaf twee concerten in de Hall of Chaillot. Ze werden bijgewoond door meer dan 5000 mensen – leden van het corps diplomatique, parlementariërs en natuurlijk gewone bezoekers. Onder leiding van Charles Bruck. Concerto's van Mozart (G majeur), Brahms en Paganini werden uitgevoerd. Met de uitvoering van het Paganini Concerto schokte Kogan het publiek letterlijk. Hij speelde het in zijn geheel, met alle cadansen waar veel violisten van schrikken. De krant Le Figaro schreef: "Door je ogen te sluiten, kon je voelen dat een echte tovenaar voor je optrad." De krant merkte op dat "strikte beheersing, zuiverheid van geluid, rijkdom van timbre vooral de luisteraars verrukte tijdens de uitvoering van het Brahms Concerto."

Laten we aandacht besteden aan het programma: Mozarts Derde Concerto, Brahms' Concerto en Paganini's Concerto. Dit is de meest uitgevoerde door Kogan volgende (tot op de dag van vandaag) cyclus van werken. Bijgevolg begon de "tweede fase" - de volwassen periode van Kogan's optreden - halverwege de jaren '50. Niet alleen Paganini, maar ook Mozart, Brahms worden zijn "paarden". Sinds die tijd is de uitvoering van drie concerten op één avond een veelvoorkomend verschijnsel in zijn concertpraktijk. Waar de andere artiest bij uitzondering voor gaat, is voor Kogan de norm. Hij houdt van fietsen – zes sonates van Bach, drie concerten! Bovendien staan ​​de concerten die in het programma van één avond zijn opgenomen, in de regel in schril contrast qua stijl. Mozart wordt vergeleken met Brahms en Paganini. Van de meest riskante combinaties komt Kogan steevast als winnaar uit de bus en verheugt hij luisteraars met een subtiel gevoel voor stijl, de kunst van artistieke transformatie.

In de eerste helft van de jaren 50 was Kogan intensief bezig met het uitbreiden van zijn repertoire en het hoogtepunt van dit proces was de grandioze cyclus "Ontwikkeling van het Vioolconcerto", die hij in het seizoen 1956/57 gaf. De cyclus bestond uit zes avonden, waarin 18 concerten werden uitgevoerd. Vóór Kogan werd een soortgelijke cyclus uitgevoerd door Oistrakh in 1946-1947.

Door de aard van zijn talent een artiest met een groot concertplan, begint Kogan veel aandacht te besteden aan kamermuziekgenres. Met Emil Gilels en Mstislav Rostropovich vormen ze een trio dat openkameravonden verzorgt.

Zijn vaste ensemble met Elizaveta Gilels, een briljante violist, laureaat van het eerste Brusselse concours, die in de jaren 50 zijn vrouw werd, is magnifiek. Sonates van Y. Levitin, M. Weinberg en anderen werden speciaal voor hun ensemble geschreven. Momenteel is dit familie-ensemble verrijkt met nog een lid: zijn zoon Pavel, die in de voetsporen van zijn ouders trad en violist werd. De hele familie geeft gezamenlijke concerten. In maart 1966 vond hun eerste uitvoering van het Concerto voor drie violen van de Italiaanse componist Franco Mannino plaats in Moskou; De auteur vloog speciaal vanuit Italië naar de première. De triomf was compleet. Leonid Kogan heeft een lange en sterke creatieve samenwerking met het Moscow Chamber Orchestra onder leiding van Rudolf Barshai. Begeleid door dit orkest verwierf Kogan's uitvoering van de Bach- en Vivaldi-concerten een complete ensemble-eenheid, een zeer artistieke klank.

In 1956 luisterde Zuid-Amerika naar Kogan. Hij vloog daar half april met pianist A. Mytnik. Ze hadden een route - Argentinië, Uruguay, Chili en op de terugweg - een korte stop in Parijs. Het was een onvergetelijke rondreis. Kogan speelde in Buenos Aires in het oude Zuid-Amerikaanse Cordoba, speelde werken van Brahms, Bachs Chaconne, Millau's Brazilian Dances en het toneelstuk Cueca van de Argentijnse componist Aguirre. In Uruguay liet hij de luisteraars kennismaken met het Concerto van Khachaturian, dat voor het eerst op het Zuid-Amerikaanse continent werd gespeeld. In Chili ontmoette hij de dichter Pablo Neruda, en in het hotelrestaurant waar hij en Mytnik verbleven, hoorde hij het geweldige spel van de beroemde gitarist Allan. Allan herkende de Sovjet-artiesten en voerde voor hen het eerste deel uit van Beethovens Moonlight Sonata, stukken van Granados en Albeniz. Hij was op bezoek bij Lolita Torres. Op de terugweg, in Parijs, woonde hij de verjaardag van Marguerite Long bij. Bij zijn concert waren onder het publiek Arthur Rubinstein, cellist Charles Fournier, violist en muziekcriticus Helene Jourdan-Morrange en anderen.

Tijdens het seizoen 1957/58 toerde hij door Noord-Amerika. Het was zijn Amerikaanse debuut. In Carnegie Hall speelde hij het Brahms Concerto onder leiding van Pierre Monte. "Hij was duidelijk nerveus, zoals elke artiest die voor het eerst in New York optreedt zou moeten zijn", schreef Howard Taubman in The New York Times. – Maar zodra de eerste slag van de strijkstok op de snaren klonk, werd het voor iedereen duidelijk – we hebben een voltooide meester voor ons. De magnifieke techniek van Kogan kent geen problemen. In de hoogste en moeilijkste posities blijft zijn geluid helder en gehoorzaamt volledig aan alle muzikale intenties van de artiest. Zijn concept van het Concerto is breed en slank. Het eerste deel werd met glans en diepte gespeeld, het tweede zong met onvergetelijke zeggingskracht, het derde deel in een jubelende dans.

“Ik heb nog nooit geluisterd naar een violist die zo weinig doet om indruk te maken op het publiek en zo veel om de muziek die ze spelen over te brengen. Hij heeft alleen zijn karakteristieke, ongewoon poëtische, verfijnde muzikale temperament', schreef Alfred Frankenstein. De Amerikanen merkten de bescheidenheid van de artiest op, de warmte en menselijkheid van zijn spel, de afwezigheid van iets opzichtigs, de verbazingwekkende vrijheid van techniek en de volledigheid van frasering. De triomf was compleet.

Het is veelzeggend dat Amerikaanse critici de aandacht vestigden op het democratisme van de kunstenaar, zijn eenvoud, bescheidenheid en in het spel - op de afwezigheid van enig esthetisch element. En dit is Kogan opzettelijk. In zijn uitspraken wordt veel ruimte gegeven aan de relatie tussen de artiest en het publiek, hij is van mening dat je, terwijl je zoveel mogelijk luistert naar zijn artistieke behoeften, je tegelijkertijd het rijk van de serieuze muziek moet binnendringen, door de kracht van het uitvoeren van overtuiging. Zijn temperament, gecombineerd met wilskracht, helpt om een ​​dergelijk resultaat te bereiken.

Toen hij, na de Verenigde Staten van Amerika, optrad in Japan (1958), schreven ze over hem: “In de uitvoering van Kogan, de hemelse muziek van Beethoven, werd Brahms aards, levend, tastbaar.” In plaats van vijftien concerten gaf hij er zeventien. Zijn komst werd beoordeeld als het grootste evenement van het muzikale seizoen.

In 1960 vond de opening van de tentoonstelling van Sovjetwetenschap, technologie en cultuur plaats in Havana, de hoofdstad van Cuba. Kogan en zijn vrouw Lisa Gilels en componist A. Khachaturian kwamen de Cubanen bezoeken, uit wiens werken het programma van het galaconcert werd samengesteld. Temperamentvolle Cubanen sloegen bijna de zaal kapot van verrukking. Vanuit Havana vertrokken de kunstenaars naar Bogota, de hoofdstad van Colombia. Als resultaat van hun bezoek werd daar de Columbia-USSR Society georganiseerd. Daarna volgde Venezuela en op de weg terug naar hun thuisland - Parijs.

Van Kogan's daaropvolgende tours vallen reizen naar Nieuw-Zeeland op, waar hij twee maanden lang concerten gaf met Lisa Gilels en in 1965 een tweede tournee door Amerika.

Nieuw-Zeeland schreef: "Het lijdt geen twijfel dat Leonid Kogan de grootste violist is die ons land ooit heeft bezocht." Hij wordt gelijkgesteld met Menuhin, Oistrakh. Ook de gezamenlijke optredens van Kogan met Gilels zorgen voor verrukking.

Een grappig incident deed zich voor in Nieuw-Zeeland, met humor beschreven door de krant Sun. Een voetbalteam verbleef met Kogan in hetzelfde hotel. Ter voorbereiding op het concert werkte Kogan de hele avond door. Tegen 23 uur zei een van de spelers, die op het punt stond naar bed te gaan, boos tegen de receptioniste: "Zeg tegen de violist die aan het einde van de gang woont dat hij moet stoppen met spelen."

"Meneer," antwoordde de portier verontwaardigd, "zo praat je over een van 's werelds grootste violisten!"

Omdat ze hun verzoek van de portier niet hadden uitgevoerd, gingen de spelers naar Kogan. De plaatsvervangend aanvoerder van het team was zich er niet van bewust dat Kogan geen Engels sprak en sprak hem in de volgende "puur Australische termen" aan:

– Hé, broer, wil je niet stoppen met spelen met je balalaika? Kom op, eindelijk, inpakken en laten slapen.

Omdat hij niets begreep en in de veronderstelling dat hij te maken had met een andere muziekliefhebber die vroeg om iets speciaals voor hem te spelen, reageerde Kogan "genadig op het verzoek om" af te ronden "door eerst een briljante cadens te spelen en vervolgens een vrolijk stuk van Mozart. Het voetbalteam trok zich in wanorde terug."

Kogan's interesse in Sovjetmuziek is aanzienlijk. Hij speelt voortdurend concerten van Sjostakovitsj en Khachaturian. T. Khrennikov, M. Weinberg, concert “Rhapsody” van A. Khachaturian, Sonata van A. Nikolaev, “Aria” van G. Galynin droegen hun concerten aan hem op.

Kogan trad op met 's werelds grootste musici - dirigenten Pierre Monte, Charles Munsch, Charles Bruck, pianisten Emil Gilels, Arthur Rubinstein en anderen. "Ik speel heel graag met Arthur Rubinstein", zegt Kogan. “Het brengt elke keer grote vreugde. In New York had ik het geluk om op oudejaarsavond twee van Brahms' sonates en de Achtste Sonate van Beethoven met hem te spelen. Ik werd getroffen door het gevoel voor samenspel en het ritme van deze artiest, zijn vermogen om onmiddellijk door te dringen tot de essentie van de bedoeling van de auteur … "

Kogan toont zich ook als een getalenteerd leraar, professor aan het conservatorium van Moskou. In de klas van Kogan groeiden op: de Japanse violist Ekko Sato, die in 1966 de titel van laureaat won van het III Internationale Tsjaikovski-concours in Moskou; Joegoslavische violisten A. Stajic, V. Shkerlak en anderen. Net als de klas van Oistrakh, trok de klas van Kogan studenten uit verschillende landen aan.

Volkskunstenaar van de USSR Kogan werd in 1965 bekroond met de hoge titel van laureaat van de Lenin-prijs.

Ik zou het essay over deze geweldige musicus-kunstenaar willen afsluiten met de woorden van D. Sjostakovitsj: “Je voelt een diepe dankbaarheid jegens hem voor het plezier dat je ervaart wanneer je samen met de violist de wondere, heldere wereld van de muziek betreedt. ”

L.Raaben, 1967

In de jaren zestig en zeventig ontving Kogan alle mogelijke titels en onderscheidingen. Hij wordt bekroond met de titel van professor en volkskunstenaar van de RSFSR en de USSR, en de Lenin-prijs. In 1960 werd de muzikant benoemd tot hoofd van de vioolafdeling van het conservatorium van Moskou. Over de violist worden verschillende films gemaakt.

De laatste twee jaar van het leven van Leonid Borisovich Kogan waren bijzonder veelbewogen uitvoeringen. Hij klaagde dat hij geen tijd had om te rusten.

In 1982 vond de première plaats van Kogans laatste werk, The Four Seasons van A. Vivaldi. In hetzelfde jaar leidt de maestro de jury van violisten van de VII International PI Tchaikovsky. Hij neemt deel aan de opnames van een film over Paganini. Kogan wordt verkozen tot ere-academicus van de Italiaanse Nationale Academie "Santa Cecilia". Hij toert in Tsjecho-Slowakije, Italië, Joegoslavië, Griekenland, Frankrijk.

Op 11-15 december vonden de laatste concerten van de violist plaats in Wenen, waar hij het Beethoven Concerto uitvoerde. Op 17 december stierf Leonid Borisovitsj Kogan plotseling op weg van Moskou naar concerten in Yaroslavl.

De meester liet veel studenten achter - laureaten van alle Europese en internationale competities, beroemde artiesten en leraren: V. Zhuk, N. Yashvili, S. Kravchenko, A. Korsakov, E. Tatevosyan, I. Medvedev, I. Kaler en anderen. Buitenlandse violisten studeerden bij Kogan: E. Sato, M. Fujikawa, I. Flory, A. Shestakova.