David Fedorovitsj Oistrakh |
David Oistrakh
De Sovjet-Unie is al lang beroemd om violisten. In de jaren 30 verbaasden de briljante overwinningen van onze artiesten op internationale wedstrijden de wereldwijde muzikale gemeenschap. Over de Sovjet-vioolschool werd gesproken als de beste ter wereld. Onder de constellatie van briljante talenten behoorde de palm al toe aan David Oistrakh. Hij heeft zijn positie tot op de dag van vandaag behouden.
Er zijn veel artikelen over Oistrakh geschreven, misschien wel in de talen van de meeste volkeren van de wereld; er zijn monografieën en essays over hem geschreven, en het lijkt erop dat er geen woorden zijn die niet over de kunstenaar zouden worden gezegd door bewonderaars van zijn geweldige talent. En toch wil ik het er keer op keer over hebben. Misschien weerspiegelde geen van de violisten zo volledig de geschiedenis van de vioolkunst van ons land. Oistrakh ontwikkelde zich samen met de Sovjet-muziekcultuur en nam zijn idealen en esthetiek diep in zich op. Hij werd als kunstenaar door onze wereld 'gecreëerd' en leidde zorgvuldig de ontwikkeling van het grote talent van de kunstenaar.
Er is kunst die onderdrukt, angst oproept, je de tragedies van het leven laat ervaren; maar er is kunst van een andere soort, die vrede en vreugde brengt, geestelijke wonden geneest, het geloof in het leven, in de toekomst, bevordert. Dit laatste is zeer kenmerkend voor Oistrakh. De kunst van Oistrakh getuigt van de verbazingwekkende harmonie van zijn aard, zijn spirituele wereld, van een heldere en duidelijke perceptie van het leven. Oistrakh is een zoekende kunstenaar, altijd ontevreden over wat hij heeft bereikt. Elke fase van zijn creatieve biografie is een "nieuwe Oistrakh". In de jaren '30 was hij een meester in miniaturen, met de nadruk op zachte, charmante, luchtige lyriek. In die tijd was zijn spel gefascineerd door subtiele gratie, doordringende lyrische nuances, verfijnde volledigheid van elk detail. Jaren gingen voorbij en Oistrakh veranderde in een meester van grote, monumentale vormen, met behoud van zijn vroegere kwaliteiten.
In de eerste fase werd zijn spel gedomineerd door "aquareltonen" met een voorkeur voor een iriserend, zilverachtig kleurengamma met onmerkbare overgangen van de ene naar de andere. In het Khachaturian Concerto toonde hij zich echter plotseling in een nieuwe hoedanigheid. Hij leek een bedwelmend kleurrijk beeld te creëren, met diepe "fluweelachtige" timbres van klankkleur. En als hij in de concerten van Mendelssohn, Tsjaikovski, in de miniaturen van Kreisler, Scriabin, Debussy werd gezien als een uitvoerder van een puur lyrisch talent, dan verscheen hij in Khachaturian's Concerto als een prachtige genreschilder; zijn interpretatie van dit Concerto is een klassieker geworden.
Een nieuw podium, een nieuw hoogtepunt van de creatieve ontwikkeling van een geweldige artiest – het concert van Sjostakovitsj. Het is onmogelijk om de indruk te vergeten die werd achtergelaten door de première van het concert uitgevoerd door Oistrakh. Hij transformeerde letterlijk; zijn spel kreeg een "symfonische" schaal, tragische kracht, "wijsheid van het hart" en pijn voor een persoon, die zo inherent zijn aan de muziek van de grote Sovjetcomponist.
Als we de uitvoering van Oistrakh beschrijven, is het onmogelijk om zijn hoge instrumentale vaardigheid niet op te merken. Het lijkt erop dat de natuur nog nooit zo'n volledige samensmelting van mens en instrument heeft gecreëerd. Tegelijkertijd is de virtuositeit van Oistrakhs uitvoering bijzonder. Het heeft zowel schittering als opzichtigheid wanneer muziek dit vereist, maar ze zijn niet het belangrijkste, maar plasticiteit. De verbazingwekkende lichtheid en het gemak waarmee de artiest de meest raadselachtige passages uitvoert, is ongeëvenaard. De perfectie van zijn speelapparaat is zodanig dat je echt esthetisch plezier beleeft als je hem ziet spelen. Met onbegrijpelijke behendigheid beweegt de linkerhand langs de nek. Er zijn geen scherpe schokken of hoekovergangen. Elke sprong wordt overwonnen met absolute vrijheid, elke strekking van de vingers - met de grootste elasticiteit. De strijkstok is zo 'verbonden' met de snaren dat het trillende, strelende timbre van Oistrakhs viool niet snel vergeten zal worden.
Jaren voegen steeds meer facetten toe aan zijn kunst. Het wordt dieper en… makkelijker. Maar terwijl hij evolueert, voortdurend vooruitgaat, blijft Oistrakh 'zichzelf' - een artiest van licht en zon, de meest lyrische violist van onze tijd.
Oistrakh werd geboren in Odessa op 30 september 1908. Zijn vader, een bescheiden kantoormedewerker, speelde mandoline, viool en was een groot muziekliefhebber; moeder, een professionele zangeres, zong in het koor van het Odessa Opera House. Vanaf zijn vierde luisterde de kleine David met enthousiasme naar opera's waarin zijn moeder zong, en thuis speelde hij optredens en 'dirigeerde' hij een denkbeeldig orkest. Zijn muzikaliteit was zo duidelijk dat hij geïnteresseerd raakte in een bekende leraar die beroemd werd door zijn werk met kinderen, de violist P. Stolyarsky. Vanaf zijn vijfde begon Oistrakh met hem te studeren.
De Eerste Wereldoorlog brak uit. De vader van Oistrakh ging naar het front, maar Stolyarsky bleef gratis met de jongen werken. In die tijd had hij een particuliere muziekschool, die in Odessa een 'talentenfabriek' werd genoemd. "Hij had een grote, vurige ziel als kunstenaar en een buitengewone liefde voor kinderen", herinnert Oistrakh zich. Stolyarsky bracht hem liefde voor kamermuziek bij, dwong hem om muziek te spelen in schoolensembles op de altviool of viool.
Na de revolutie en de burgeroorlog werd in Odessa het Muziek- en Drama-instituut geopend. In 1923 kwam Oistrakh hier binnen, en natuurlijk in de klas van Stolyarsky. In 1924 gaf hij zijn eerste soloconcert en beheerste snel de centrale werken van het vioolrepertoire (concerten van Bach, Tsjaikovski, Glazunov). In 1925 maakte hij zijn eerste concertreis naar Elizavetgrad, Nikolaev, Kherson. In het voorjaar van 1926 studeerde Oistrakh briljant af aan het instituut, nadat hij Prokofjevs Eerste Concerto, Tartini's Sonate "Devil's Trills", A. Rubinsteins Sonate voor altviool en piano had uitgevoerd.
Merk op dat het Concerto van Prokofjev werd gekozen als hoofdexamenwerk. In die tijd kon niet iedereen zo'n gewaagde stap zetten. De muziek van Prokofjev werd door enkelen waargenomen, maar met moeite kreeg het erkenning van muzikanten die waren opgegroeid met de klassiekers van de XNUMXe-XNUMXe eeuw. Het verlangen naar nieuwheid, snel en diep begrip van het nieuwe bleef kenmerkend voor Oistrakh, wiens prestatie-evolutie kan worden gebruikt om de geschiedenis van de Sovjet-vioolmuziek te schrijven. Zonder overdrijving kan worden gezegd dat de meeste vioolconcerten, sonates, werken van grote en kleine vormen gemaakt door Sovjetcomponisten voor het eerst werden uitgevoerd door Oistrakh. Ja, en uit de buitenlandse vioolliteratuur van de XNUMXe eeuw was het Oistrakh die Sovjetluisteraars kennis liet maken met veel grote fenomenen; bijvoorbeeld met concerten van Szymanowski, Chausson, Bartók's Eerste Concerto, enz.
Natuurlijk kon Oistrakh in zijn jeugd de muziek van het Prokofjev-concert niet diep genoeg begrijpen, zoals de kunstenaar zelf herinnert. Kort nadat Oistrakh afstudeerde aan het instituut, kwam Prokofjev naar Odessa met auteursconcerten. Op een ter ere van hem georganiseerde avond voerde de 18-jarige Oistrakh het scherzo uit het Eerste Concerto uit. De componist zat bij het podium. "Tijdens mijn optreden", herinnert Oistrakh zich, "werd zijn gezicht steeds somberder. Toen het applaus losbarstte, deed hij er niet aan mee. Toen hij het podium naderde, het lawaai en de opwinding van het publiek negerend, vroeg hij de pianist om plaats te maken voor hem en zich tot mij wendend met de woorden: "Jongeman, je speelt helemaal niet zoals je zou moeten", begon hij om me de aard van zijn muziek te laten zien en uit te leggen. . Vele jaren later herinnerde Oistrakh Prokofjev aan dit incident en hij schaamde zich zichtbaar toen hij erachter kwam wie de "ongelukkige jongeman" was die zoveel van hem had geleden.
In de jaren 20 had F. Kreisler grote invloed op Oistrakh. Oistrakh leerde zijn optreden kennen via opnames en raakte gegrepen door de originaliteit van zijn stijl. De enorme impact van Kreisler op de generatie violisten van de jaren '20 en '30 wordt doorgaans zowel als positief als negatief gezien. Blijkbaar was Kreisler 'schuldig' aan Oistrakhs fascinatie voor een kleine vorm – miniaturen en transcripties, waarin Kreisler's arrangementen en originele toneelstukken een belangrijke plaats innamen.
Passie voor Kreisler was universeel en weinigen bleven onverschillig voor zijn stijl en creativiteit. Van Kreisler nam Oistrach een aantal speeltechnieken over – karakteristieke glissando, vibrato, portamento. Misschien is Oistrakh schatplichtig aan de "Kreisler-school" voor de elegantie, het gemak, de zachtheid en de rijkdom van "kamer" -tinten die ons boeien in zijn spel. Maar alles wat hij leende, werd zelfs in die tijd op een ongebruikelijke organische manier door hem verwerkt. De individualiteit van de jonge kunstenaar bleek zo helder dat het elke "aanwinst" transformeerde. In zijn volwassen periode verliet Oistrakh Kreisler en stelde hij de expressieve technieken die hij ooit van hem had overgenomen in dienst van totaal andere doelen. Het verlangen naar psychologisme, de reproductie van een complexe wereld van diepe emoties, leidde hem naar de methoden van declamatorische intonatie, waarvan de aard lijnrecht tegenovergesteld is aan de elegante, gestileerde teksten van Kreisler.
In de zomer van 1927 werd Oistrakh op initiatief van de Kievse pianist K. Mikhailov voorgesteld aan AK Glazunov, die naar Kiev was gekomen om verschillende concerten te dirigeren. In het hotel waar Oistrakh werd gebracht, begeleidde Glazunov de jonge violist in zijn Concerto op de piano. Onder leiding van Glazunov voerde Oistrach tweemaal het Concerto in het openbaar uit met het orkest. In Odessa, waar Oistrakh terugkeerde met Glazunov, ontmoette hij Polyakin, die daar op tournee was, en na een tijdje dirigent N. Malko, die hem uitnodigde voor zijn eerste reis naar Leningrad. Op 10 oktober 1928 maakte Oistrach een succesvol debuut in Leningrad; de jonge kunstenaar won aan populariteit.
In 1928 verhuisde Oistrach naar Moskou. Hij leidt al een tijdje het leven van een gastartiest en reist door Oekraïne met concerten. Van groot belang in zijn artistieke activiteit was de overwinning op de All-Ukrainian Violin Competition in 1930. Hij won de eerste prijs.
P. Kogan, directeur van het concertbureau van staatsorkesten en ensembles van Oekraïne, raakte geïnteresseerd in de jonge muzikant. Een uitstekende organisator, hij was een opmerkelijke figuur van de "Sovjet-impresario-opvoeder", zoals hij genoemd kan worden volgens de richting en de aard van zijn activiteit. Hij was een echte propagandist van klassieke kunst onder de massa, en veel Sovjetmuzikanten bewaren een goede herinnering aan hem. Kogan deed veel om Oistrakh populair te maken, maar toch lag het belangrijkste concertgebied van de violist buiten Moskou en Leningrad. Pas in 1933 begon Oistrach ook zijn weg in Moskou te vinden. Zijn optreden met een programma bestaande uit concerten van Mozart, Mendelssohn en Tsjaikovski, uitgevoerd op één avond, was een gebeurtenis waar musical Moskou over sprak. Recensies zijn geschreven over Oistrakh, waarin wordt opgemerkt dat zijn spel de beste kwaliteiten van de jonge generatie Sovjet-artiesten in zich draagt, dat deze kunst gezond, begrijpelijk, opgewekt en wilskrachtig is. Critici merken treffend de belangrijkste kenmerken van zijn uitvoeringsstijl op, die kenmerkend waren voor hem in die jaren - uitzonderlijke vaardigheid in de uitvoering van werken van kleine vorm.
Tegelijkertijd vinden we in een van de artikelen de volgende regels: “Het is echter voorbarig om te denken dat de miniatuur zijn genre is. Nee, de sfeer van Oistrakh is muziek van plastische, sierlijke vormen, volbloed, optimistische muziek.
In 1934 werd Oistrakh op initiatief van A. Goldenweiser uitgenodigd op het conservatorium. Hier begon zijn onderwijscarrière, die tot op de dag van vandaag voortduurt.
De jaren 30 waren de tijd van Oistrakh's briljante triomfen op het all-Union- en wereldtoneel. 1935 - eerste prijs op de II All-Union Competition of Performing Musicians in Leningrad; in hetzelfde jaar, een paar maanden later – de tweede prijs op het Henryk Wieniawski International Violin Competition in Warschau (de eerste prijs ging naar Ginette Neve, een studente van Thibaut); 1937 - eerste prijs op de Eugene Ysaye International Violin Competition in Brussel.
Het laatste concours, waarin zes van de zeven eerste prijzen werden gewonnen door Sovjetviolisten D. Oistrakh, B. Goldstein, E. Gilels, M. Kozolupova en M. Fikhtengolts, werd door de wereldpers beoordeeld als een triomf van de Sovjetviool school. Wedstrijdjurylid Jacques Thibault schreef: “Dit zijn geweldige talenten. De USSR is het enige land dat voor zijn jonge kunstenaars heeft gezorgd en hun alle kansen heeft geboden om zich te ontwikkelen. Vanaf vandaag verwerft Oistrakh wereldwijde bekendheid. Ze willen in alle landen naar hem luisteren.”
Na de wedstrijd traden de deelnemers op in Parijs. De wedstrijd opende voor Oistrakh de weg naar brede internationale activiteiten. Thuis wordt Oistrakh de meest populaire violist, die in dit opzicht met succes concurreert met Miron Polyakin. Maar het belangrijkste is dat zijn charmante kunst de aandacht van componisten trekt en hun creativiteit stimuleert. In 1939 werd het Myaskovsky Concerto gemaakt, in 1940 - Khachaturian. Beide concerten zijn opgedragen aan Oistrakh. De uitvoering van concerten van Myaskovsky en Khachaturian werd gezien als een belangrijke gebeurtenis in het muzikale leven van het land, was het resultaat en hoogtepunt van de vooroorlogse periode van de activiteit van de opmerkelijke kunstenaar.
Tijdens de oorlog gaf Oistrakh doorlopend concerten en speelde hij in ziekenhuizen, achterin en voorin. Zoals de meeste Sovjetartiesten is hij vol patriottisch enthousiasme, in 1942 treedt hij op in het belegerde Leningrad. Soldaten en arbeiders, matrozen en inwoners van de stad luisteren naar hem. “De Oki kwamen hier na een dag hard werken om te luisteren naar Oistrakh, een artiest van het vasteland, uit Moskou. Het concert was nog niet afgelopen toen het luchtalarm werd aangekondigd. Niemand verliet de kamer. Na afloop van het concert werd de artiest hartelijk welkom geheten. De ovatie nam vooral toe toen het decreet over de toekenning van de Staatsprijs aan D. Oistrakh werd aangekondigd … ”.
De oorlog is voorbij. In 1945 arriveerde Yehudi Menuhin in Moskou. Oistrakh speelt met hem een dubbel Bachconcert. In het seizoen 1946/47 voerde hij in Moskou een grandioze cyclus uit, gewijd aan de geschiedenis van het vioolconcert. Deze act doet denken aan de beroemde historische concerten van A. Rubinstein. De cyclus omvatte werken zoals concerten van Elgar, Sibelius en Walton. Hij definieerde iets nieuws in het creatieve imago van Oistrakh, dat sindsdien zijn onvervreemdbare kwaliteit is geworden: universalisme, het verlangen naar een brede dekking van vioolliteratuur van alle tijden en volkeren, inclusief de moderniteit.
Na de oorlog opende Oistrakh vooruitzichten voor uitgebreide internationale activiteiten. Zijn eerste reis vond plaats in Wenen in 1945. De recensie van zijn optreden is opmerkelijk: “... Alleen de spirituele volwassenheid van zijn altijd stijlvolle spel maakt hem tot een voorbode van hoge menselijkheid, een echt belangrijke muzikant, wiens plaats in de eerste rang van violisten van de wereld.”
In 1945-1947 ontmoette Oistrakh Enescu in Boekarest en Menuhin in Praag; in 1951 werd hij benoemd tot jurylid van de Belgische Internationale Koningin Elisabethwedstrijd in Brussel. In de jaren 50 beoordeelde de hele buitenlandse pers hem als een van 's werelds grootste violisten. In Brussel treedt hij op met Thibault, die het orkest dirigeert in zijn concerto en concerten speelt van Bach, Mozart en Beethoven. Thiebaud is vol diepe bewondering voor het talent van Oistrakh. Recensies van zijn optreden in Düsseldorf in 1954 benadrukken de indringende menselijkheid en spiritualiteit van zijn optreden. “Deze man houdt van mensen, deze kunstenaar houdt van het mooie, het nobele; mensen laten ervaren dat dit zijn vak is.”
In deze recensies verschijnt Oistrakh als een artiest die de diepten van het humanistische principe in muziek bereikt. De emotionaliteit en lyriek van zijn kunst zijn psychologisch, en dit is wat de luisteraars beïnvloedt. “Hoe de indrukken van het spel van David Oistrakh samen te vatten? – schreef E. Jourdan-Morrange. – Gangbare definities, hoe dithyrambisch ze ook mogen zijn, zijn zijn pure kunst onwaardig. Oistrakh is de meest perfecte violist die ik ooit heb gehoord, niet alleen qua techniek, die gelijk is aan die van Heifetz, maar vooral omdat deze techniek volledig in dienst staat van de muziek. Wat een eerlijkheid, wat een nobele uitvoering!
In 1955 ging Oistrakh naar Japan en de Verenigde Staten. In Japan schreven ze: “Het publiek in dit land weet kunst te waarderen, maar is geneigd tot terughoudendheid in het uiten van gevoelens. Hier werd ze letterlijk gek. Verbluffend applaus versmolten met kreten van "bravo!" en leek te kunnen verdoven. Het succes van Oistrakh in de VS grensde aan triomf: “David Oistrakh is een groot violist, een van de werkelijk grote violisten van onze tijd. Oistrakh is niet alleen geweldig omdat hij een virtuoos is, maar ook een echte spirituele muzikant.” F. Kreisler, C. Francescatti, M. Elman, I. Stern, N. Milstein, T. Spivakovsky, P. Robson, E. Schwarzkopf, P. Monte luisterden naar Oistrakh tijdens het concert in Carnegie Hall.
“Ik was vooral ontroerd door de aanwezigheid van Kreisler in de zaal. Toen ik de grote violist aandachtig naar mijn spel zag luisteren en me vervolgens applaudisseerde, leek alles wat er gebeurde een soort prachtige droom. Oistrakh ontmoette Kreisler tijdens zijn tweede bezoek aan de Verenigde Staten in 1962-1963. Kreisler was toen al een heel oude man. Onder de ontmoetingen met grote musici moet ook de ontmoeting met P. Casals in 1961 worden genoemd, die een diepe indruk heeft achtergelaten in het hart van Oistrakh.
De helderste lijn in de uitvoering van Oistrakh is de muziek van kamerensembles. Oistrakh nam deel aan kameravonden in Odessa; later speelde hij in een trio met Igumnov en Knushevitsky, ter vervanging van de violist Kalinovsky in dit ensemble. In 1935 vormde hij een sonate-ensemble met L. Oborin. Volgens Oistrakh gebeurde het zo: ze gingen begin jaren dertig naar Turkije, en daar moesten ze een sonateavond spelen. Hun “gevoel voor muziek” bleek zo aan elkaar verwant dat het idee ontstond om deze willekeurige associatie voort te zetten.
Talrijke optredens op gezamenlijke avonden brachten een van de grootste Sovjetcellisten, Svyatoslav Knushevitsky, dichter bij Oistrakh en Oborin. De beslissing om een permanent trio op te richten kwam in 1940. Het eerste optreden van dit opmerkelijke ensemble vond plaats in 1941, maar een systematische concertactiviteit begon in 1943. Het trio L. Oborin, D. Oistrakh, S. Knushevitsky gedurende vele jaren (tot 1962, toen Knushevitsky stierf) was de trots van de Sovjetkamermuziek. Talrijke concerten van dit ensemble trokken steevast volle zalen met een enthousiast publiek. Zijn optredens werden gehouden in Moskou, Leningrad. In 1952 reisde het trio naar de Beethovenfeesten in Leipzig. Oborin en Oistrakh voerden de hele cyclus van Beethovens sonates uit.
Het spel van het trio onderscheidde zich door een zeldzame coherentie. De opmerkelijke dichte cantilena van Knushevitsky, met zijn geluid, fluwelig timbre, perfect gecombineerd met het zilverachtige geluid van Oistrakh. Hun geluid werd aangevuld met zang op de piano van Oborin. In de muziek onthulden en benadrukten de artiesten de lyrische kant ervan, hun spel onderscheidde zich door oprechtheid, zachtheid die uit het hart kwam. Over het algemeen is de uitvoeringsstijl van het ensemble lyrisch te noemen, maar wel met klassiek evenwicht en strengheid.
Het Oborin-Oistrakh Ensemble bestaat nog steeds. Hun sonateavonden maken een indruk van stilistische integriteit en volledigheid. De poëzie die inherent is aan het spel van Oborin wordt gecombineerd met de karakteristieke logica van het muzikale denken; Oistrakh is hierin een uitstekende partner. Dit is een ensemble van voortreffelijke smaak, zeldzame muzikale intelligentie.
Oistrakh is over de hele wereld bekend. Hij wordt gekenmerkt door vele titels; in 1959 koos de Royal Academy of Music in Londen hem tot erelid, in 1960 werd hij ereacademicus van de St. Cecilia in Rome; in 1961 - een corresponderend lid van de Duitse Academie van Beeldende Kunsten in Berlijn, evenals een lid van de American Academy of Sciences and Arts in Boston. Oistrakh ontving de Orders of Lenin en de Badge of Honor; hij kreeg de titel van People's Artist of the USSR. In 1961 ontving hij de Lenin-prijs, de eerste onder uitvoerende Sovjetmuzikanten.
In Yampolsky's boek over Oistrakh zijn zijn karaktereigenschappen kernachtig en kort weergegeven: ontembare energie, hard werken, een scherpe kritische geest, in staat om alles op te merken wat kenmerkend is. Dat blijkt uit Oistrakhs oordelen over het spel van uitmuntende musici. Hij weet altijd het meest essentiële aan te wijzen, een accuraat portret te schetsen, een subtiele stijlanalyse te geven, het typische in het uiterlijk van een muzikant op te merken. Zijn oordelen kunnen worden vertrouwd, aangezien ze voor het grootste deel onpartijdig zijn.
Yampolsky merkt ook gevoel voor humor op: “Hij waardeert en houdt van een welgemikt, scherp woord, kan aanstekelijk lachen als hij een grappig verhaal vertelt of naar een komisch verhaal luistert. Net als Heifetz kan hij op hilarische wijze het spel van beginnende violisten kopiëren.” Met de kolossale energie die hij elke dag doorbrengt, is hij altijd slim, ingetogen. In het dagelijks leven houdt hij van sporten – in zijn jonge jaren speelde hij tennis; een uitstekende automobilist, hartstochtelijk dol op schaken. In de jaren 30 was zijn schaakpartner S. Prokofjev. Oistrakh was voor de oorlog een aantal jaren voorzitter geweest van de sportafdeling van het Central House of Artists en een eersteklas schaakmeester.
Op het podium is Oistrakh vrij; hij heeft niet de opwinding die de variété-activiteit van een groot aantal optredende muzikanten zo overschaduwt. Laten we ons herinneren hoe pijnlijk bezorgd Joachim, Auer, Thiebaud, Huberman, Polyakin, hoeveel nerveuze energie ze aan elke uitvoering besteedden. Oistrakh houdt van het podium en, zoals hij toegeeft, zorgen alleen significante pauzes in uitvoeringen voor opwinding bij hem.
Het werk van Oistrakh gaat verder dan de directe uitvoerende activiteiten. Als redacteur heeft hij veel bijgedragen aan de vioolliteratuur; zo is zijn versie (samen met K. Mostras) van Tsjaikovski's vioolconcert uitstekend, een verrijking en grotendeels correctie van Auers versie. Laten we ook wijzen op het werk van Oistrach aan beide vioolsonates van Prokofjev. De violisten hebben hem te danken dat de Tweede Sonate, oorspronkelijk geschreven voor fluit en viool, door Prokofjev werd herwerkt voor viool.
Oistrakh werkt voortdurend aan nieuw werk en is hun eerste vertolker. De lijst met nieuwe werken van Sovjetcomponisten, "uitgebracht" door Oistrakh, is enorm. Om er maar een paar te noemen: sonates van Prokofjev, concerten van Myaskovsky, Rakov, Khachaturian, Sjostakovitsj. Oistrakh schrijft soms artikelen over de stukken die hij heeft gespeeld, en sommige musicologen zijn misschien jaloers op zijn analyses.
Schitterend zijn bijvoorbeeld de analyses van het Vioolconcert van Myaskovsky, en vooral van Sjostakovitsj.
Oistrakh is een uitstekende leraar. Onder zijn studenten zijn laureaten van internationale wedstrijden V. Klimov; zijn zoon, momenteel een prominente concertsolist I. Oistrakh, evenals O. Parkhomenko, V. Pikaizen, S. Snitkovetsky, J. Ter-Merkeryan, R. Fine, N. Beilina, O. Krysa. Veel buitenlandse violisten streven ernaar om in de klas van Oistrakh te komen. De Fransen M. Bussino en D. Arthur, de Turkse E. Erduran, de Australische violist M. Beryl-Kimber, D. Bravnichar uit Joegoslavië, de Bulgaar B. Lechev, de Roemenen I. Voicu, S. Georgiou studeerden bij hem. Oistrakh houdt van pedagogiek en werkt met passie in de klas. Zijn methode is vooral gebaseerd op zijn eigen podiumervaring. “De opmerkingen die hij maakt over deze of gene manier van optreden zijn altijd beknopt en uiterst waardevol; in elk woordadvies toont hij een diep begrip van de aard van het instrument en de technieken van vioolspel.
Hij hecht veel belang aan de directe demonstratie op het instrument door de docent van het stuk dat de leerling instudeert. Maar alleen tonen is volgens hem vooral nuttig in de periode dat de student het werk analyseert, omdat het de ontwikkeling van de creatieve eigenheid van de student verder kan belemmeren.
Oistrakh ontwikkelt vakkundig het technische apparaat van zijn studenten. In de meeste gevallen onderscheiden zijn huisdieren zich door de vrijheid van bezit van het instrument. Tegelijkertijd is speciale aandacht voor techniek allerminst kenmerkend voor de leraar Oistrakh. Hij is veel meer geïnteresseerd in de problemen van de muzikale en artistieke opvoeding van zijn studenten.
De laatste jaren heeft Oistrakh interesse getoond in dirigeren. Zijn eerste optreden als dirigent vond plaats op 17 februari 1962 in Moskou - hij begeleidde zijn zoon Igor, die de concerten van Bach, Beethoven en Brahms uitvoerde. “Oistrakhs dirigeerstijl is eenvoudig en natuurlijk, net als zijn manier van vioolspelen. Hij is kalm, gierig met onnodige bewegingen. Hij onderdrukt het orkest niet met de 'kracht' van zijn dirigent, maar geeft het uitvoerende team maximale creatieve vrijheid, vertrouwend op de artistieke intuïtie van zijn leden. De charme en autoriteit van een groot artiest hebben een onweerstaanbaar effect op de muzikanten.”
In 1966 werd Oistrakh 58 jaar oud. Hij zit echter vol actieve creatieve energie. Zijn vaardigheid onderscheidt zich nog steeds door vrijheid, absolute perfectie. Het werd alleen maar verrijkt door de artistieke ervaring van een lang leven, volledig toegewijd aan zijn geliefde kunst.
L.Raaben, 1967
