Sergej Michajlovitsj Slonimski |
Sergej Slonimski
Alleen hij verdient te erven die een erfenis kan toepassen op het leven. JW Goethe, "Faust"
Hij is inderdaad een van de weinige hedendaagse componisten die steevast wordt gezien als opvolger van tradities. Van wie? Gewoonlijk M. Mussorgsky en S. Prokofjev genoemd. Niet minder stevig in oordelen over Slonimsky, wordt ook het tegenovergestelde benadrukt: de heldere individualiteit van muziek, de memorabiliteit en gemakkelijke herkenning. Vertrouwen op tradities en Slonimsky's eigen 'ik' sluiten elkaar niet uit. Maar aan de eenheid van deze twee tegenstellingen wordt een derde toegevoegd: het vermogen om op betrouwbare wijze muziekstijlen van verschillende tijden en volkeren te creëren, of het nu gaat om een Russisch dorp uit prerevolutionaire tijden in de opera Virineya (1967, gebaseerd op het verhaal van L. Seifullina) of het oude Schotland in de opera Mary Stuart (1980), die zelfs Schotse toehoorders verbaasde met zijn diepgang. Dezelfde kwaliteit van authenticiteit ligt in zijn "oude" composities: het ballet "Icarus" (1971); vocale stukken "Song of Songs" (1975), "Farewell to a Friend in the Desert" (1966), "Monologen" (1967); opera De meester en Margarita (1972, scènes uit het Nieuwe Testament). Tegelijkertijd stileert de auteur de oudheid en combineert hij de muzikale principes van folklore, de nieuwste compositietechnieken van de XNUMXe eeuw. met een eigen persoonlijkheid. "Slonimsky heeft blijkbaar die speciale gave die één componist onderscheidt van velen: het vermogen om verschillende muzikale talen te spreken, en tegelijkertijd het stempel van een persoonlijke kwaliteit dat op zijn werken rust", meent de Amerikaanse criticus.
Slonimsky, de auteur van veel werken, is onvoorspelbaar in elk nieuw werk. Na de cantate "Songs of the Freemen" (1959, op volksteksten), waarin de verbazingwekkende implementatie van Russische folklore het mogelijk maakte om te spreken van Slonimsky als een van de inspirators van de "nieuwe folkloregolf", verscheen de Solo Violin Sonata – een opus van de allernieuwste expressie en complexiteit. Na de kameropera De meester en Margarita verscheen het Concerto voor drie elektrische gitaren, solo-instrumenten en symfonieorkest (1973), de meest originele synthese van twee genres en vormen van muzikaal denken: rock en symfonie. Zo'n omvang en een scherpe verandering in de figuratieve en plotbelangen van de componist schokten aanvankelijk velen, zonder duidelijk te maken: wat is de echte Slonimsky? “…Soms, na het volgende nieuwe werk, worden zijn fans zijn “ontkenners”, en deze laatste worden fans. Slechts één ding blijft constant: zijn muziek wekt altijd de interesse van luisteraars, ze denken erover na en discussiëren erover. Geleidelijk aan werd de onafscheidelijke eenheid van Slonimsky's verschillende stijlen onthuld, bijvoorbeeld het vermogen om zelfs dodecafonie de kenmerken van folkloristische melodieën te geven. Het bleek dat zulke ultra-innovatieve technieken als het gebruik van een ongetemperd systeem (terts- en kwarttoonintonaties), vrije improvisatieritmes zonder rust, karakteristiek zijn voor folklore. En een zorgvuldige studie van zijn harmonie onthulde hoe de auteur op bijzondere wijze de principes van oude harmonie en volkspolyfonie gebruikt, natuurlijk, samen met een arsenaal aan middelen voor romantische en moderne harmonie. Daarom creëerde hij in elk van zijn negen symfonieën bepaalde muzikale drama's, vaak met elkaar verbonden door beelden - dragers van de belangrijkste ideeën, die verschillende manifestaties en vormen van goed en kwaad verpersoonlijken. Net zo helder, rijk, symfonisch worden de plots van alle vier zijn muzikale toneelcomposities - een ballet en drie opera's - precies in de muziek onthuld. Dit is een van de belangrijkste redenen voor de voortdurende interesse van artiesten en luisteraars in Slonimsky's muziek, die veel te horen is in de USSR en in het buitenland.
Geboren in 1932 in Leningrad, in de familie van de prominente Sovjetschrijver M. Slonimsky, erfde de toekomstige componist de spirituele tradities van de Russische democratische creatieve intelligentsia. Van kinds af aan herinnert hij zich de goede vrienden van zijn vader: E. Schwartz, M. Zoshchenko, K. Fedin, verhalen over M. Gorky, A. Grin, de sfeer van een gespannen, moeilijk, dramatisch schrijversleven. Dit alles breidde snel de innerlijke wereld van het kind uit, leerde om naar de wereld te kijken door de ogen van een schrijver, een kunstenaar. Scherpe observatie, analytisch vermogen, helderheid in het beoordelen van fenomenen, mensen, acties - geleidelijk aan ontwikkelde het dramatische denken in hem.
Slonimsky's muzikale opleiding begon in de vooroorlogse jaren in Leningrad, ging door tijdens de oorlog in Perm en in Moskou, aan de Centrale Muziekschool; eindigde in Leningrad - op een tienjarige school, aan het conservatorium van de faculteiten compositie (1955) en piano (1958), en ten slotte op de graduate school - in muziektheorie (1958). Onder de leraren van Slonimsky zijn B. Arapov, I. Sherman, V. Shebalin, O. Messner, O. Evlakhov (compositie). De neiging tot improvisatie, liefde voor muziektheater, passie voor S. Prokofjev, D. Sjostakovitsj, M. Mussorgsky, gemanifesteerd van kinds af aan, bepaalden grotendeels het creatieve beeld van de toekomstige componist. Na veel klassieke opera's te hebben gehoord tijdens de oorlogsjaren in Perm, waar het Kirov-theater werd ontruimd, improviseerde de jonge Slonimsky hele operascènes, componeerde toneelstukken en sonates. En waarschijnlijk was hij trots in zijn ziel, hoewel hij boos was dat zo'n muzikant als A. Pazovsky, toen de chef-dirigent van het theater, niet geloofde dat de tienjarige Sergei Slonimsky zelf een romance schreef op de verzen van Lermontov .
In 1943 kocht Slonimsky in een van de fourniturenwinkels in Moskou het klavier van de opera Lady Macbeth uit het district Mtsensk – het verboden werk van Sjostakovitsj werd geschrapt. De opera werd uit het hoofd geleerd en de pauzes op de Centrale Muziekschool werden aangekondigd als een "Spanking Scene" onder de verbijsterde en afkeurende blikken van de leraren. Slonimsky's muzikale kijk groeide snel, wereldmuziek werd genre voor genre, stijl voor stijl opgenomen. Des te verschrikkelijker voor de jonge muzikant was 1948, dat de wereld van de moderne muziek versmalde tot een benauwde ruimte die werd begrensd door muren van 'formalisme'. Zoals alle musici van deze generatie die na 1948 aan de conservatoria studeerden, werd hij alleen met het klassieke erfgoed opgevoed. Pas na het XNUMXe congres van de CPSU begon een diepgaande en onbevooroordeelde studie van de muziekcultuur van de XNUMXe eeuw. Componist jeugd van Leningrad, Moskou haalde intensief de verloren tijd in. Samen met L. Prigogine, E. Denisov, A. Schnittke. S. Gubaidulina, ze leerden van elkaar.
Tegelijkertijd werd de Russische folklore de belangrijkste school voor Slonimsky. Veel folklore-expedities - "een heel folkloristisch conservatorium", in de woorden van de auteur - werden gehouden om niet alleen het lied te begrijpen, maar ook het volkskarakter, de manier van het Russische dorp. De principiële artistieke positie van Slonimsky vereiste echter een gevoelig luisteren naar moderne stedelijke folklore. Dus intonaties van toeristen- en bardenliederen uit de jaren 60 kwamen organisch in zijn muziek terecht. De cantate “Voice from the Chorus” (op de st. van A. Blok, 1964) is de eerste poging om verre stijlen te combineren tot één artistiek geheel, later door A. Schnittke gedefinieerd als “polystylistiek”.
Het moderne artistieke denken werd van kinds af aan gevormd door Slonimsky. Maar vooral eind jaren 50 en begin jaren 60 waren belangrijk. Veel communiceren met Leningrad-dichters E. Rein, G. Gerbovsky, I. Brodsky, met acteurs M. Kozakov, S. Yursky, met Leninist V. Loginov, filmregisseur G. Poloka, Slonimsky groeide op in een constellatie van slimme talenten. Het combineert perfect volwassenheid en ondeugendheid, bescheidenheid, het bereiken van nauwgezetheid en moed, een actieve levenspositie. Zijn scherpe, eerlijke toespraken zijn altijd overtuigend, ondersteund door rechtvaardigheidsgevoel en grote eruditie. De humor van Sergei Slonimsky is prikkelend, precies, beklijvend als een welgemikte volkszin.
Slonimsky is niet alleen componist en pianist. Hij is een briljante, meest artistieke improvisator, een groot musicoloog (auteur van het boek "Symfonie van S. Prokofjev", artikelen over R. Schumann, G. Mahler, I. Stravinsky, D. Shostakovich, M. Mussorgsky, N. Rimsky-Korsakov, M. Balakirev, scherpe en polemische toespraken over hedendaagse muzikale creativiteit). Hij is ook een leraar - een professor aan het conservatorium van Leningrad, in feite de oprichter van een hele school. Onder zijn studenten: V. Kobekin, A. Zatin, A. Mrevlov – in totaal meer dan 30 leden van de Union of Composers, waaronder musicologen. Slonimsky, een muzikale en publieke figuur die er alles aan doet om de herinnering voort te zetten en onverdiend vergeten werken van M. Mussorgsky, V. Shcherbachev en zelfs R. Schumann uit te voeren, is een van de meest gezaghebbende hedendaagse Sovjetmuzikanten.
M. Rytsareva
